Sugerencias de iniciación a la música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nació en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, tras año y medio de viudedad, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
Preludio es una pieza musical breve, usualmente sin una forma interna particular. Si bien, durante la época barroca, puede haber servido como introducción a los movimientos sucesivos de una obra, también puede haber sido una obra independiente durante la era romántica. Por lo general, presenta una pequeña cantidad de motivos rítmicos y melódicos de naturaleza improvisadora que se repiten a lo largo de la pieza.
Hoy ofrecemos el Preludio que abre la Suite en Sol m BWV 995 en versión guitarra interpretada por la guitarrista eslovena Karmen Stendler.
Robert Schumann (1810-1856) fue un compositor alemán, uno de los pilares del romanticismo. Estudió piano, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su carrera pianística para centrarse en la composición. Se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones con un intento de suicidio en 1854. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, un poema dramático, Manfred, y una ópera.
El Concierto para piano en la menor, Op. 54 es una pieza concertante para piano y orquesta escrita por Robert Schumann entre 1841 y 1845. Se estrenó el 4 de diciembre de 1845 en Dresde y su primera publicación tuvo lugar en 1846. La obra está dedicada al pianista y compositor alemán Ferdinand Hiller. Es uno de los conciertos para piano más interpretados y grabados del periodo romántico. El concierto, estructurado en tres movimientos, tiene un carácter casi sinfónico, en claro contraste con la visión, entonces predominante, del concierto como vehículo primordial para la exhibición virtuosística, ejemplificada por las obras concertantes de Franz Liszt y Nicolò Paganini. De hecho, las exigencias técnicas de la obra nada desdeñables, están casi totalmente subordinadas al interés temático y a la claridad estructural.
Primer movimiento, Allegro affettuoso. Está escrito en la tonalidad de la menor y en compás de 4/4. El movimiento está construido a grandes rasgos y de manera muy libre según la tradicional forma sonata. Se inicia sin introducción orquestal con un giro descendente y oscuramente marcial. Toda la pieza se vertebra en torno a un precioso tema principal marcado por una gran solemnidad, que se convierte en la fuente primordial de material melódico. El desarrollo pasa de un estado de ánimo a otro de forma casi vertiginosa, explorando al mismo tiempo las ambigüedades de los distintos componentes de los temas. Schumann utiliza hábilmente la larga cadenza como campo de batalla para un mayor conflicto emocional antes de concluir el movimiento con un retorno decisivo del elevado primer tema.
Hoy la pianista moscovita Osetinskaya Polina, acompañada de la Sinfónica de Moscú conducida por el maestro neerlandés Arthur Arnold nos ofrece el Primer Movimiento de dicho concierto.
Ottorino Respighi (1879 - 1936) fue un compositor, director de orquesta y musicólogo italiano. Con su padre comenzó los estudios de piano y violín para proseguirlos en el Liceo Musicale de Bolonia, además de composición y estudios históricos de la música antigua. En 1900, aceptó el papel de violista principal en la orquesta del Teatro Ruso de San Petersburgo, donde conoció a Rimsky-Korsakov, con quien estudió orquestación durante cinco meses, al cabo de los cuales regresó a Bolonia. En 1913, fue nombrado profesor de composición del Conservatorio di Santa Cecilia de Roma, cargo que ocupó el resto de su vida. Escribió obras para piano, guitarra, violín y piano, variados conjuntos de cámara, numerosa música sinfónica, música coral, ocho óperas y cinco ballets.
Antiche arie e danze es un conjunto de tres suites orquestales de Respighi, transcritas libremente de piezas originales para laúd. La Suite No. 3 está arreglada para orquesta de cuerdas y está basada en canciones para laúd de Besard, una pieza para guitarra barroca de Ludovico Roncalli, y piezas para laúd de Santino Garsi da Parma y otros compositores anónimos. La Siciliana, que hoy sugerimos, es el tercer movimiento de la suite y es una melodía de autor desconocido del siglo XVI.
La interpretación corre a cargo de la orquesta coreana amateur Uni String Ensemble dirigida por Kim Ji Hoon.
Cesare Andrea Bixio (Nápoles, 11 de octubre de 1896 – Roma, 5 de marzo de 1978) fue un compositor italiano de bandas sonoras para teatro, cine, radio y televisión.
Luciano Pavarotti (Módena, 12 de octubre de 1935-Módena, 6 de septiembre de 2007) fue un tenor italiano dotado de una voz intensa en los agudos y rica en los medios, con un fraseo claro y timbre claro. Pavarotti es considerado uno de los cantantes más famosos de las últimas décadas del siglo XX y primeras del XXI, tanto en el mundo del canto lírico como en la música popular, y acreditado como el mejor tenor de la historia.
Hoy ofrecemos la canción Mamma obra del compositor napolitano Bixio en arreglo de Mancini e interpretada por Pavarotti acompañado por la Orquesta Philarmonia conducida por el maestro Leone Magiera.
Sugerencias de música clásica
Jan Dismas Zelenka (1679 - 1745) fue un compositor barroco checo, nacido en Louňovice pod Blaníkem, un pequeño pueblo al suroeste de Praga (actualmente República Checa). Aunque no se conoce mucho de su infancia y juventud, probablemente su padre, quien era profesor y organista de la ciudad de Lunovice, fue quien lo introdujo en el mundo de la música. De 1715 a 1719 estudió con Johann Joseph Fux en Viena y con Antonio Lotti y Alessandro Scarlatti en Italia. En 1719 fijó su residencia definitiva en Dresde, donde fue nombrado en 1721 vicemaestro de capilla en la corte de Augusto II de Polonia y en 1729, director de música de la Iglesia.
Zelenka compuso música instrumental y vocal, aunque la mayor parte de su obra está dedicada a la música religiosa. Su música es poco convencional y de gran originalidad; a pesar de ello, la mayor parte de su obra quedó en el olvido después de su muerte y no fue sino hasta finales del siglo XX cuando algunas de sus obras volvieron a interpretarse. Se conocen de él cerca de 20 misas, 4 Requiems, 2 Magnificats, numerosos salmos, responsorios a capela, 3 oratorios y una ópera Sub olea pacis et palma virtutis. En su música instrumental introduce Zelenka elementos de la música popular checa; a destacar 6 sonatas de cámara, 5 capriccios para orquesta, una sinfonía, una suite-obertura, una obertura de programa, Hipochondria, y un concierto para orquesta en sol mayor.
La música de Zelenka se encuentra registrada y ordenada temáticamente en el catálogo Zelenka-Werke-Verzeichnis (ZWV) de Wolfgang Reich.
Hoy presentamos el Miserere de Zelenka ofrecido por el Moscow Oratorio Society Artistic conducido por el maestro Alexander Tsaliuk.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) fue un clavecinista y compositor alemán, segundo hijo del primer matrimonio de Johann Sebastian Bach con quien estudió clavecín, interpretación y composición; fue uno de los fundadores del Clasicismo. En 1738 entró a formar parte de la Corte de Federico el Grande. Al no sentirse suficientemente apreciado, abandonó la Corte para trasladarse a Zittau y más tarde a Leipzig. En 1768, tras la muerte de Telemann, le sucedió a éste en el cargo de Maestro de Capilla de Hamburgo, donde residió hasta su fallecimiento en 1788. A lo largo de su carrera escribió numerosas obras para teclado, unas doscientas obras de cámara, diecinueve sinfonías, quince conciertos para distintos instrumentos, varias canciones e himnos, dos oratorios y veinte pasiones.
Las obras de Carl Philipp Emanuel Bach se encuentran con dos referencias diferentes, Wq. y H., que se refieren a dos catálogos distintos: Wq. (a veces, W.) es abreviatura de Wotquenne, índice elaborado por Alfred Wotquenne; es el catálogo más antiguo (1905). Por otra parte, H. es el catálogo realizado por E. Eugen Helm, más completo y actualizado.
Hoy presentamos el Concierto para chelo y orquesta de cuerda en La mayor, Wq 172, de C.P.E. Bach; concierto estructurado en tres movimientos: I (0´13´´) ALLEGRO .-. II (6´55´´) ADAGIO .- III (14´10´´) ALLEGRO y hoy ofrecido por la chelista alemana Monika Leskovar acompañada por los Solistas de Zagreb.
Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales mostrando un talento precoz. Más tarde ingresó en la escuela de órgano de Praga desarrollándose como violista profesional; tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, que fue dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana.
Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, donde fue perceptor de importantes premios; lo mismo que en Praga y Berlín. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York; desde su llegada a USA en 1892, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana; muestra de ello su sinfonía archiconocida del Nuevo Mundo. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria, de la que ya salió muy pocas veces. Tan pronto como llegó a Praga recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. En los últimos años de su vida, el gran compositor siguió recibiendo toda clase de honores y reconocimientos.
A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas.
Catálogo de las obras de Dvořák. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Zlatý kolovrat (La rueca de oro), op. 109, es un poema sinfónico para orquesta de Antonín Dvořák, compuesto de enero a abril de 1896. La obra está inspirada en el poema del mismo nombre que se encuentra en Kytice, una colección de las baladas populares de Karel Jaromír Erben. La rueca de oro fue el tercero de sus cinco poemas sinfónicos.
Aram Khachaturian (1903-1978) fue un compositor armenio bajo el régimen soviético, que a los 16 años ingresa en el Conservatorio de Moscú para estudiar con Nikolai Myaskovsky, entre otros profesores, y a los 22 años empieza a escribir para piano y música de cámara; más tarde se adentrará en la producción de música orquestal, música de teatro, de cine y de ballet en la que son de destacar el ballet Espartaco y el ballet Gayane, al que pertenece la archiconocida Danza del Sable. Su obra, a pesar de ocupar importantes cargos, fue descalificada como “anti-personas” en la época de Stalin. Su música es clara, ágil y vibrante, y en sus obras se deja sentir la música popular armenia, por la que siempre se sintió atraído; en Armenia es considerado como su principal compositor.
Gayanéh es un ballet en cuatro actos con música de Aram Khachaturian, compuesto en 1942 sobre un libreto de Konstantín Derzhavin, y coreografiado por Nina Anísimova; fue estrenado por el Ballet Kirov en Perm (Rusia) el 9 de diciembre de 1942. La partitura fue revisada en 1952, y en 1957, con un nuevo libreto. Cuenta la historia de una joven armenia cuyos sentimientos patrióticos colisionan con los personales cuando descubre la traición de su marido. No obstante, el argumento fue modificado posteriormente en varias ocasiones resaltando más la importancia del romance que la del patriotismo. Hoy ofrecemos una suite del ballet, que comienza con la mencionada Danza del Sable, en interpretación de la Filarmónica de Sofía bajo la dirección de la maestra italiana Beatrice Venezi.
Sugerencias de música para todos los gustos
Benny Carter (190-2003) fue un músico estadounidense de jazz, clarinetista, saxofonista alto, trompetista, compositor, arreglista y director de big band, una de las principales figuras del jazz entre las décadas de 1930 y la de 1990, y reconocido por otros músicos de jazz como el Rey (King). En 1958 actuó con Billie Holiday en el legendario Festival de Jazz de Monterrey. El National Endowment for the Arts premió a Benny Carter con su más alto honor en el jazz: el Premio NEA Jazz Masters de 1986. También recibió en 1987 el Premio Grammy a la carrera artística, el Premio Grammy en 1994 por su "Prelude to a Kiss" y, ese mismo año, una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Además, en 2000, y por solicitud del National Endowment for the Arts, recibió la Medalla Nacional de las Artes de manos del Presidente Bill Clinton.
Indila, cuyo nombre real es Adila Sedraïa, nació en Francia pero tiene orígenes muy dispares: India, Camboya, Argelia, Egipto… por esta razón, ella se describe a sí misma como “niña del mundo”. Su carrera musical despegó en 2010 cuando comenzó a colaborar con artistas famosos como Nessbeal, Soprano, Patrick Bruel. En 2013 su composición Derniére danse irrumpió en el panorama musical; en apenas unas horas el videoclip de esta canción ganó 20 millones de visitas, y hoy cuenta con más de 600.000 millones de visitas, los críticos hablan de este trabajo como “una postal de estilo retro”. En 2014 fue nombrada artista revelación de la canción francesa y al año siguiente, galardonada con el prestigioso premio“Victoire de la Musique”. (Extractado de un artículo de Los 40)
Armando Manzanero Canché (1935- 2020), fue un compositor, cantante, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado por parte de especialistas, prensa y músicos como uno de los compositores mexicanos más exitosos de la historia. Escribió más de cuatrocientas canciones, de las cuales más de cincuenta han alcanzado fama internacional, como «Somos novios», «Esta tarde vi llover», «Contigo aprendí» y «Adoro». Sus temas le valieron el seudónimo de Rey del Romanticismo y fueron interpretados por múltiples estrellas internacionales.
Fue acreedor de un premio Grammy a la carrera artística, participó en numerosos programas de radio y televisión, grabó más de treinta discos y musicalizó numerosas películas.
Dulce Pontes (1969) es una cantante y compositora de fado portuguesa; se la considera como una artista de la world music. Su actividad artística contribuyó al renacimiento del fado en los años noventa del siglo pasado. Pontes se distingue por su voz versátil, dramática y con calidez emotiva; algunos de los temas de su repertorio son composiciones propias. En 1991 venció en el Festival RTP de la Canción y representó a Portugal en el Festival de la Canción de Eurovisión; ese mismo año participó en el Festival OTI, celebrado en Acapulco. A lo largo de su carrera ha actuado junto a artistas como Ennio Morricone, Giorgos Dalaras, Andrea Bocelli y José Carreras.
Fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa. En el fado se expresan las experiencias de la vida a través del canto. Generalmente lo canta una sola persona, acompañado por la «viola» (guitarra española) y la guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o pequeñas historias del vivir diario de los barrios humildes, pero especialmente el fatalismo y la frustración.
Documentalmente se comprueba la existencia del fado desde 1838, aunque hay quien identifica su origen con los cantos de las gentes del mar, inspirados en la soledad, la nostalgia y los balanceos de los barcos sobre el agua. Se cree que nació en los barrios alrededor del puerto de Lisboa, entre clases pobres, marineros, obreros, rufianes, chamiceras, gente bohemia de Alfama, Bairro Alto y otros.
Sugerencias de videos peculiares
Jean Schneitzhoeffer (Toulouse, 13 de octubre de 1785 - París 4 de octubre de 1852) fue un compositor y pianista francés. Fue estudiante de Charles Simon Catel en el Conservatorio de París. En 1803 ―a los 17 años― obtuvo el segundo premio de piano. Según el artista Charles Seshan, «tocaba casi todos los instrumentos y era un pianista dotado». En 1815 obtuvo el puesto de cimbalista en la Ópera de París. En 1822 fue nombrado chef de chant (‘entrenador vocal’). Fue nombrado profesor en las clases de coro del Conservatorio de París. En 1840 fue condecorado con la Legión de Honor.
La Sílfide es un ballet romántico en dos actos, coreografiado por Filippo Taglioni en 1832, aunque existe una segunda versión coreografiada por Auguste Bournonville en 1836. La versión de Bournonville es la única que ha sobrevivido y es uno de los ballets más antiguos del mundo. Su guión nos narra las peripecias del joven escocés, James, prometido con Effie, que se enamora de una Sílfide, criatura etérea e invisible para el resto de l@s human@s.
Hoy ofrecemos la versión coreográfica de Pierre Lacotte, sobre el original de Filippo Taglioni con música de Jean Schneitzhoffer e interpretada por Ghislaine Thesmar (la Sylphide), Michael Denard (James) y Laurence Nerval (Effie)
Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática y del romanticismo en general. Estudió en París y en Roma, donde estuvo becado, fijándose en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitando mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax al saxofón. Escribió además, varias sinfonías (entre las que destaca su obra más conocida, la Sinfonía fantástica), oberturas, óperas, cantatas, música sacra, obras dramáticas no teatrales, obras corales y numerosas canciones.
Romeo et Juliette es una sinfonía de música programática escrita para solistas, coro y orquesta, de la que hoy visionaremos un fragmento coreografiado de la misma, con la actuación del Malandain Ballet Biarritz dirigido por su coreógrafo titular Thierry Malandain.
Korrontzi es un grupo musical formado por Agus Barandiaran en 2004 con el objetivo de dar a conocer la música tradicional vasca, aunque actualizada por las nuevas corrientes, además de mostrar algunos de sus instrumentos más característicos como son la trikitrixa, la txalaparta o la alboka por todo el mundo; por todo ello, ha recibido numerosos galardones.
Oinkari dantza taldea es un grupo de baile popular vasco que ha montado diversos espectáculos, tales como Aspaldikotik, Amantalen Ahotsa, Ari du, Itsasoaren Emazteak o Sagartu. Hoy en colaboración con Korrontzi nos ofrecen esta canción/danza Aupa Maurizia!
La Cueca es la danza nacional de Chile; de ritmo alegre es bailado por parejas mixtas que con un pañuelo blanco en su mano derecha van expresando las distintas etapas de un idilio. Su origen parece que procede de la imitación del cortejo del gallo y la gallina. La cueca es un género musical y una danza de parejas sueltas mixtas de fines del siglo XVIII. Los bailarines, quienes llevan un pañuelo en la mano derecha, trazan figuras circulares, con vueltas y medias vueltas, interrumpidas por diversos floreos. El 6 de noviembre de 1979 La Cueca fue oficialmente declarada «danza nacional de Chile» y en 1989 el Gobierno chileno declaró el 17 de septiembre como «Día Nacional de la Cueca».
Sugerencias de música para niñ@s
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