Ekainaren 21ean Uda hasten da
Musika klasikoan hasiberrientzako iradokizunak
Ástor Piazzolla (1921 – 1992) Mar de Platan jaio zen, Argentinan; hiru urte zituela, familiarekin New Yorkera joan zen bizitzera, eta hamahiru urte zituela, Carlos Gardel ezagutu zuen. Argentinara itzultzean, sei urtez Ginasteraren eskolak jasotzen ditu, Cafe Germinalera maiz joaten den bitartean; bertan, tango-musika eguneroko ogia zen. Hainbat taldetakoa da, eta puristek “tango-hilketa” gisa hartu zituzten beren berrikuntzak. Pesimismo pixka batekin Parisa joan zen, eta Nadia Boulangerrekin harremanetan jarri zen. Hark bere buruan sinetsarazi zion eta tangoa musika klasikoarekin konjuntzioan egon zitekeela. Buenos Airesera itzuli zen eta 1973an bihotzekoa izan zuen lan larregi izatearren; hala eta guztiz ere, bere konposizio eta grabazioekin jarraitu zuen, 1990ean Parisen gaindituko ez zuen tronbosia izan zuen arte.
Lau Urtaro Porteñoak, Astor Piazzolla musikari argentinarrak idatzitako lau tango-konposizio dira. Jatorrian, suite bateko konposizio desberdin gisa sortu eta jorratu zituen, baina denborarekin, album desberdinetan editatzen joan ziren. Hala ere, Piazzollak, batera interpretatzen zituen noizbehinka. Piezak biolina, pianoa, gitarra elektrikoa, kontrabaxua eta bandoneoia zituen boskotearentzat idatzi ziren. Porteño adjektiboa, Buenos Airesko jentilizioa da, Piazzollak erabiltzen dena Buenos Aireseko urtaroen itxura emateko.
Gaur Porteñkoo Udaren moldaketa bat eskainiko dugu, Vivaldiren Udako oroitzapen esplizituekin, hari-ganberako orkestrarako bertsioan, taldeko bakarlari gisa Soyoung Yoon biolinista korearra buru dela.
Juan Crisostomo de Arriaga (1806 - 1826), askok euskal Mozart bezala ezagutzen dutena, Bilbon jaio zen. Bere aita, Juan Simon, Errigoititik zetorren, Gernikatik gertu dagoen hiribildutik, bere ama zen Maria Rosaren jaioterria. Aita, Berriatuko (Bizkaia) organo-jotzailea, Bilbora joan zen, errigoitiar on gisa, aurrera egiteko erabili zituen negozioetan aritzera, eta, horrela, Juan Crisostomok Parisen zuen hezkuntza-garapena ordaindu eta bultzatu ahal izan zuen, han hil baitzen 20 urte bete baino 10 egun lehenago. Kontserbatu ahal izan den ondare musikalak, hiru hari-laukote ditu, 11 urterekin idatzitako Nada y mucho zortzikotea, 1. Obertura, Sinfonía en Re, hainbat aria eta kantata, musika erlijiosoa, O Salutaris hostia eta Stabat Mater; baita opera bat ere, Los esclavos felices, hamahiru urterekin idatzia, zeinaren obertura baino ez baita kontserbatzen, eta gaur eskaintzen duguna.
Obertura opera baten edo beste obra dramatiko baten sarrera instrumentala da, musikala izan edo ez, nahiz eta XIX. eta XX. mendeetako konposaketa instrumental independente batzuei obertura ere deitu zieten konpositoreek. XVII. mendearen hasierako lehen operek ez zuten oberturarik, baina bai bokalistek egiten zuten sarrera bat, jarraian garatuko zen ekintzaren laburpena egiten zuena. Sarrera instrumentalak XVII. mendearen erdialdean hasi ziren erabiltzen; eta Christoph Willibald Gluck alemaniar konpositorea izan zen oberturetarako bere operetako materiala erabili zuen lehenetarikoa. Horrela, operaren profil emozionala ezartzen zuten.
Esklabo zoriontsuen Obertura Arriagak 13 urte zituenean konposatutako izen bereko operaren sarrera da. Lanak sonata formatik gertu dagoen eskema bati jarraitzen dio, Sarrera (1´32”) geldo, labur eta solemnearekin, eta horren ondoren, sekzio azkar bat dator, bi gai kontrastatzailerekin, garapen zehatz batekin eta bereesposizio argi batekin. Bere konposizioan biziki nabaritzen da Haydn eta Mozarten herentzia, bai bere argitasun formalean, bai sekzioen arteko orekan eta orkestraren tratamenduan.
Gaur Santa Zezilia Orkestra Klasikoaren bertsioan eskainiko dugu, Florian Donderer kontzertinoaren gidaritzapean.
Francisco Repilado Muñoz (1907 — 2003), Compay Segundo ezizenez artistikoki ezaguna, munduan ibilbide luzea izan zuen kubatar musikari eta konpositorea izan zen. Konpositore eta interprete ospetsua izatera iritsi zen, oso ezaguna Kubako musikazaleen artean. Gitarra jotzen hasi zen, tres kubatarra (gitarraren antzekoa), klarinetea, bonga eta tumbadora (bongo mota bat) ere jo zituen. Chan-chan doinuaren sortzailea eta harmonikoaren asmatzailea izan zen; baita gitarra espainiarraren eta tres kubatarraren arteko zazpi sokako hibridoarena ere.
Chan Chan, Compay Segundo abeslari eta konpositore kubatarrak konposatutako abesti bat da. Bi pertsonaia ditu, Juanica eta Chan Chan. 1984an idatzitako abestian, lehenik Kuba ekialdeko lau herri aipatzen dira, Alto Cedro, Marcané, Cueto eta Mayarí, guztiak Holguín probintziakoak. Gero, Juanican eta Chan Chanen pasadizoa kontatzen da. Emakume bat eta gizon bat ziren, etxe bat eraiki eta itsasora hondar bila zihoazenak. Juanicak jibea (hondarrezko bahetzailea) astintzen zuen bitartean, Chan Chani pena (lotsa) eman zion. Antza denez, istorio hau baserritar kondaira herrikoia zen, Compayk txikitan entzun ohi zuena.
Gaur, ahots mistoen korurako moldaketa bat eskainiko dugu, La Habanako Ganbera Koruaren interpretazioan.
Leroy Anderson (1908-1975) musika arineko orkestra-pieza laburrak osatzen zituen konpositore estatubatuarra izan zen, eta musika-lan horietako asko Boston Pops orkestrak estreinatu zituen Arthur Fiedlerren zuzendaritzapean. John Williamsek «orkestra-musika arinaren maisu amerikar handienetako bat» bezala deskribatu du. Andersonek bere amaren lehen piano eskolak jaso zituen, elizako organista baitzen. Pianoa ikasten jarraitu zuen New England Conservatory of Music-en eta Harvardeko Unibertsitatean, Arte Ederretan lizentziatuz, Cum laudea lortuz, 1929an. Organista, koru eta Banda zuzendari bezala lan egin zuen, Bostonen dantza-bandentzako moldaketa ugari eginez.
"Bugler 's Holiday" Leroy Anderson (1908 – 1975) konpositorearen pieza ezagun eta ospetsuenetako bat da, 1954an hiru ahotsetako tronpeta eta Orkestrarako konposatua, kasu honetan Musika Bandak lagunduta. Obrak izaera distiratsua, jai-girokoa eta jostaria du, baina kornetaren ukitu militarretan inspiratuta dago, modu alai eta bertutetsuan tratatuta, zehaztasun erritmikoa oso pasarte melodikoekin eta umore musikalarekin konbinatuz, Andersonen estiloan ohikoa dena. Tronpeten protagonismoa bakarlarien protagonismoa modu arin eta apalean laguntzen duten gainerako instrumentuei gailentzen zaie. Bere beste obra batzuetan bezala, Leroy Andersonek pieza honekin musika irisgarria, dotorea eta publikoarentzat oso eraginkorra sortzeko duen talentua erakusten du.
Gaur, Musikari Solidarioen Musika Bandak eskaintzen digun bertsioan izango gara, José Rafael Pascual Vilaplana maisuak gidatuta.
Musika klasikoari buruzko iradokizunak
Antonio Vivaldi (1678-1741) apaiz, biolin jotzaile eta konpositore italiarra izan zen, apaiz gorria izenez ezaguna (“il prete rosso”). Venezian jaio zen, eta umetan ikasi zuen aitarekin biolina jotzen; 15 urte zituela Seminarioan sartu zen, eta apaiztu ondoren, ia ezin zituen bere erlijio-betebeharrak bete, osasun-arazoak baitzituen; beraz, biolin irakasle izendatu zuten umezurztegi batean, non eskola teorikoak eta instrumentu-eskolak ematen baitzituen. 40 urterekin, Kapera Maisu izendatu zuten Mantuan, eta han idatzi zituen bere Lau urtaro ospetsuak. Handik Milanera joan zen, gero Erromara, gero berriro Veneziara, eta azkenik Vienara, bertan hil zelarik. Bere bizitzan zehar ia 800 obra konposatu zituen, horietatik erdiak kontzertuak, 40 opera, 60 obra erlijioso eta sonata ugari.
Lau urtaroak, Vivaldiren lanik ezagunena, biolin eta orkestrarako lau kontzertuk osatzen dute (kontzertu bakoitza urtaro bati eskainia dago: Udaberria, Uda, Udazkena eta Negua). Garai hartan ohikoa ez zen arren, Vivaldik urtaro bakoitzean irudikatu nahi zuena deskribatzen zuten akonpainamendu-poema batzuekin argitaratu zituen kontzertuak. Ondoren musika programatikoa edo deskriptiboa deituko zenaren adibide goiztiar eta zehatzenetako bat eskaintzen du, elementu narratibo bat duen musika.
Uda, 2. Kontzertua hiru mugimendutan egituratuta dago: I (0 '10 ") ALLEGRO NON MOLTO "Urtaro gogorraren azpian, eguzkia piztuta, gizakia eta artaldea moteltzen dira, eta pinua erretzen da." II (6 '05") ADAGIO E PIANO-PRESTO E FORTE "Bere gorputz-adar laxoei atsedena lapurtzen die, tximistaren beldurra, eta trumoi basatiak, eta euliak eta eulitzarrak, tropel amorratua!" .- III (8' 10 ") PRESTO "Ah, horiek dira bere benetako beldurrak! Trumoiak zerua lehertzen du eta kazkabarra, galburu eta pikorren buruak mozten ditu".
Gaur Mari Samuelsen biolin-jotzaile norvegiarrak eskainiko digu.
Modest Mussorgski (1839-1881) konpositore errusiarra izan zen, Bosteko Taldearen helburuak defendatu eta praktikatu zituena (César Cui, Milij Balakirev, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov eta Alexandre Borodin). Bere amak, Yulia Ivanovna piano-jotzaile profesionalak, pianoaren estudioan sartu zuen sei urterekin; 13 urterekin Guardia Inperialeko Ofizialen Akademia Militarrean sartu zen, eta hurrengo urtean bere lehen konposizioa argitaratu zuen, polka bat. Garai horretan ezagutu zuen Balakirev, eta konposizio-eskolak eta Bosteko Taldea izango zenari buruzko informazioa jaso zituen; 19 urterekin, karrera militarra utzi eta konposaketan erabat murgildu zen. 42 urterekin hil zen, hainbat atake epileptiko jasan ondoren.
Poema sinfonikoa modu askean egindako orkestra-lana da, oro har literatura-testu batean oinarritua, eta aurrez ezarritako gidoiaren bidez sentsazioak edo sentimenduak sortzea du helburu. Normalean mugimendu bakarra izaten du eta orkestrarako idatzita dago, nahiz eta pianorako edo instrumentu talde txikietarako ere izan daitekeen. Poema sinfonikoaren aita Franz Liszt izan zen, genero horretako 13 lan idatzi zituena; genero hori berehala orokortuko zen erromantizismotik aurrera.
Una noche en el Monte Pelado (edo La noche de San Juan en el Monte Pelado) Músorgskiren poema sinfonikoa da. Pieza, jatorrian, Nikolai Gógolen ipuin batek inspiratu zuen, non nekazari bat akelarre batean agertzen den Pelado mendian, Kievetik gertu, San Juan gauean (Walpurgis gauaren baliokidea). Músorgski partituraren buruan esaldi batzuk jarri zituen, obraren giroa hobeto ulertzen lagundu zutenak: Naturaz gaindiko ahotsen lurrazpiko zurrumurruak.- Ilunpetako espirituen eta Txernobogen (Satanas) agerpena.- Txernobog loriatzea eta meza beltza.- Sorgin-akelarrea.- Sorgin-akelarrea da eta baserritar batek ikusten ditu, ilunpetako izpirituak sakabanatzen dituela.- Egunsentia.
Richard Wagner (1813-1883) musikagilea, orkestra-zuzendaria, poeta, saiakera-egilea, antzerkigilea eta Erromantizismoaren teoriko musikala izan zen. Bere ideia eta idazki antisemitengatik eztabaidatua izan zen, hala nola Judaismoa musikan, juduek musikarekin zuten harreman musikalaren aurka. Hasieran, bere lanek tradizio erromantikoari jarraitzen zioten, baina geroago pentsamendu musikala eraldatu zuen «erabateko artelanaren» (Gesamtkunstwerk) ideiarekin. Filosofiarako, literaturarako, musikarako, arte eszenikoetarako, pinturarako eta eskulturarako duen gaitasunak arte osoaren erakusle gisa pentsatutako operetara eramaten du. Printzipio horiekin eraiki zuen Bayreuther Festspielhaus antzokia, bere operak antzeztu ahal izateko. Opera horietako musikaren egilea izateaz gain, libretoaren eta eszenografiaren egilea ere bazen.
Opera (latinetik opera, opus plurala, «obrak»), musika instrumentala, gehienetan orkestra batek interpretatua, eta antzerki-kutsuko testu idatzi bat —libreto-moduan adierazia—, konbinatzen duena musika-generoa bat da, hainbat tesituratako kantariek ahoz interpretatua: batez ere sopranoa, mezzosopranoa eta kontraltoa emakumeen erregistrorako eta tenorea, baritonoa eta baxua maskulinoarentzat, ahots zuriak (haurrenak) edo falsete (castratao, kontratenorrak) deritzenak. Oro har, oberturak, interludioak eta musika akonpainamenduak izaten ditu atal instrumentalak; kantatutako zatia, berriz, koru bat, bakarlari bat, duo bat, hirukote bat edo hainbat konbinazio izan daitezke; eta hainbat egitura dituzte, hala nola errezitatiboa edo aria.
Gainera, hainbat genero daude, hala nola opera klasikoa, ganbera-opera, opereta, musikala, singspiel eta zarzuela. Bestalde, antzerkian bezala, opera dramatiko bat (opera serioa) eta beste bat komikoa (opera bufa) daude, baita bien arteko hibrido bat ere: dramma giocosoa. Diziplina anitzeko genero gisa, operak musika, kantua, dantza, antzerkia, eszenografia, interpretazioa, jantziak, makillajea, ile-apainketa eta beste diziplina artistiko batzuk biltzen ditu. Beraz, sorkuntza kolektiboko obra bat da, funtsean libretista eta konpositore batengandik abiatzen dena, eta ahots-interpreteek funtsezko eginkizuna dute; baina bertan ezinbestekoak dira musikariak eta orkestra-zuzendaria, dantzariak, dekoratuen eta jantzien sortzaileak eta beste hainbat figura. Bestalde, ekitaldi soziala da, eta, beraz, ez du zentzurik ikuskizuna ikusten duen ikuslerik gabe. Horregatik, denboran zehar, obrak egin ziren gizarteko pentsamendu, politika eta filosofia, erlijio eta moral, estetika eta kultura korronte desberdinen isla izan da.
Nurenbergeko maisu kantariak (Die Meistersinger von Nürnberg), Wagner beraren libretoarekin osaturiko, hiru ekitaldiko opera bat da eta bere operarik luzeenetako bat (lau ordu eta erdiko iraupena du, gutxi gorabehera). Istorioa XVI. mendeko Nurenberg hirian kokatzen da, eta olerkari eta musikari afizionatuen elkarte batean oinarritzen da. Sarritan artisauak izaten ziren, eta arau zorrotzak ezartzen zituzten haien abestiak konposatzeko eta interpretatzeko. Lana, Erdi Aroko Alemaniako burgesiari eta Bachen kontrapuntuari egindako omenaldia da.
Istorioa Nurenbergen gertatu zen, XVI. mendearen erdialdean. Meistersinger (Maisu kantariak) olerkari eta musikari amateurren elkarte baten benetako gilda (merkatarien elkartea) da istorioaren ardatza, batez ere gizarte-maila ertainekoak, eta sarritan maisu artisauez osatuak. Maisu kantariek musikarako ikuspegi artisaua garatu zuten, abestiak konposatzeko eta interpretatzeko arau-sistema korapilatsuarekin. Obraren xarma handi bat, Maisu Kantarien kofradiaren garaiko giroko eta tradizioetako benetako antzezpenetik hartzen du. Pertsonaia nagusietako bat Hans Sachs (1494 – 1576) poeta-zapataria da, benetako figura historikoa, maisu kantari historikoetan ospetsuena.
Gaur, James Levine maisu estatubatuarrak gidatutako The Metropolitan Operatik eskainitako bertsioa eskainiko dugu.
Germaine Tailleferre (1892-1983) musikagile frantziarra izan zen, Groupe des Six ospetsuaren emakume bakarra (Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud eta Francis Poulenc musikariekin batera). Xalotasuna, freskotasuna, femeninotasuna, Groupe des Six-era iritsi zenetik Tailleferrerekin lotzen diren ezaugarriak dira; gainera, bere obraren zati batean benetako indarra aurkitzen da, batzuetan sentsualtasun handiko harmoniaz eta ustekabeko austeritatez tindatua. Denbora luzez pentsatu zen Tailleferreren obra gerren arteko garaian konposatutako pianorako zenbait obratara mugatzen zela, eta bere konpositore karrera Bigarren Mundu Gerran amaitzen zela. Horrela, ez zen ezagutzen edo ahazten, pieza txiki horiez gain, askoz gehiago konposatu zituela: ganbera-lanak, pianorako bi kontzertu, pianorako eta orkestrarako hiru estudio, biolinerako kontzertu bat, Concerto grosso pour deux pianos aipagarria, huit voix solistes, quatuor saxophones et orchestre, lau ballet, lau opera, bi opereta, «mélodies» asko, eta hori guztia kontatu gabe muntai txikietarako edo orkestra handietarako obra ugari, hala nola Concerto pour deux guitares et orchestre bikaina, 2004an Alemanian Chris Bilobramek eta Christina Altmannek berreskuratu eta grabatua. Bere obra handi gehienak 1945 eta 1983 artean idatzi zituen. Duela oso gutxira arte, bere obraren zati handi bat argitaratu gabe zegoen, eta duela gutxi baino ezin izan da zabal ezagutu eta egilea merezi duen lekuan kokatzen hasi da.
Quatuor à cordes Germaine Tailleferre funtsezko lana da bere estilo pertsonala eta XX. mende hasierako espiritu musikal frantsesa ulertzeko. 1917 eta 1919 bitartean idatzia, 20 urte baino gutxiago zituenean; urte horietan Tailleferre Les Six taldeko kidea zen, erromantizismo berantiarretik eta gehiegizko inpresionismotik aldentzea bilatzen zutenak, neoklasizismoak eta, kasu batzuetan, jazzak eta musika herrikoiak eragindako musika argiago, zuzenago eta arinago baten aldeko apustua eginez. Laukotearen ezaugarri nagusien artean, hauek nabarmenduko ditugu: gehiegizko dentsitaterik gabeko ehundura argi eta gardena, melodia labur eta erritmikoen ohiko erabilera, harmonia modernoa baina atonaltasunera iritsi gabe irisgarria, neoklasizismoaren eragina forma tradizional berrinterpretatuekin eta Tailleferreren izaera baikor eta dotorea, oso adierazgarria. Obrak erakusten du Les Six-en barruan konpositore batek ahots propioa, fina eta orekatua garatu zuela, eta horrek balio berezia duela, emakume konpositoreen ikusgarritasunari laguntzen diolako, irudi maskulinoak nagusi diren aldi batean.
Gaur, Quatuor Métamorphoses taldeak eskaintzen digu. Frantziako harizko laukote gazte eta dinamikoa da, eta nazioartean nabarmendu da, ikuspegi adierazkorragatik, aldakortasunagatik eta errepertorioarekin duen konpromisoagatik, klasikoetatik hasi eta obra garaikideetaraino; laukotea Mathilde Potierrek (biolina), Rachel Sintzelek (biolina), Jean-Baptiste Souchon (biola eta Alice Picaudek (biolontxeloa) osatzen dute.
Denontzako musikari buruzko iradokizunak
The Chemical Brothers musika elektronikoko bikote britainiar bat da, Tom Rowlandsek eta Ed Simonsek osatua eta 90eko hamarkadatik aktibo dagoena. Big beat estiloaren aitzindaritzat hartzen dira, elektronika, breakbeats indartsuak, rock psikodelikoa, technoa eta house estiloak nahasten dituena. Bere musikaren ezaugarri nagusiak erritmo oso energetikoak eta baxu indartsuak, sampleak (grabazio batetik hartu eta beste batean berrerabiltzen diren soinu-zati laburrak) psikodelikoak eta ahots distortsionatuak dira. Ezagunak dira zuzeneko ikuskizunengatik, musikarekin sinkronizatutako ikusmen ikusgarriekin.
Esparru handietan emanaldiak egiten dituzten talde elektroniko gutxi batzuetako bat izateagatik akreditatzen dira, non irudi psikodelikoak, argi estroboskopikoak eta publikoari proiektatzen dizkioten laserrak erakusten dituzten pantaila erraldoiak dituzten. Jaialdi garrantzitsu askotan jo dute, hala nola Glastonbury, Reading, Sónar, Summercase, Creamfields, Optimus Alive, Festival Corona Capital, Festival Corona Capital Guadalajara eta Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino. Beren musika egiteaz gain, aldizka beste artista batzuen pistak nahasten dituzten saioetan ere jotzen dute.
Belinda Peregrín Schüll, Belinda izenez ezaguna, aktore eta abeslari mexikarra da. Madrilen jaio zen, Espainian, 1989ko abuztuaren 15ean, eta Mexikora emigratu zuen familiarekin 1993an. Mexiko Hirian finkatuta, hamar urte zituela hasi zuen ibilbide artistikoa aktore eta abeslari gisa, Amigos x siempre (2000) telenobelako protagonista gisa debuta eginez. 2002an, BMGrekin sinatu zuen, eta urtebete geroago bere estreinako albuma kaleratu zuen, Belinda. Mexikoko musika-eszenan eman zuen lehen hamarkadan, pop latinoaren eta herri-kulturaren figura nabarmena bihurtu zen, bizitza pertsonal oso publizitateduna, eta horrek «pop latinoaren printzesa» deitzea eragin zuen. 2006an, bere bigarren albuma kaleratu zuen, Utopía, eta zineman debutatu zuen The Cheetah Girls 2 filmean egindako paper batekin. 2010ean, bere hirugarren diskoa estreinatu zuen, Carpe diem. 2012an, estudioko laugarren albuma kaleratu zuen, Catarsis. Diskoetan egindako salmenten kopurua hamabi milioikoa izan zela estimatzen da, eta pop latinoan egon zen garaian haren adierazlerik handienetako bat izatera iritsi zen. 2013tik aurrera, eta 2022ra arte, zortea probatu nahi izan zuen, beste musika-estilo batzuk erabiliz, hala nola cumbia mexikarra, elektronika eta regetoia. Musikatik urrun eta beste proiektu batzuetan zentratuta zegoen urte sabatiko baten ondoren, 2024an Indómita bere estudioko bosgarren albuma sustatzen hasi zen, eta horrekin berpizte profesional bat aurkitu zuen, etzandako korridoetan egindako lanari esker, eta genero horrengatik «Beli Bélica» izena jarri zion bere buruari.
Belinda, gainera, hainbat talde humanitario eta karitatezkoetan lagundu duen filantropa bat da. Lagundu duen kausa nagusietako bat haur-minbiziaren borroka da. Bere ibilbidean zehar, Belindak ingurumenarekin lotutako kausekiko konpromiso sendoa erakutsi du, Gaía Planeta Azul Fundazioa eta Fantasmas Sin Amor Fundazioa ezarriz, eskubideak babesten eta abandonatuta dauden haurrak hezten diharduena.
Rammstein metal industrialeko talde alemaniarra da, 1994an Till Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz eta Christoph Schneider musikariek sortua. Bere musika 1990eko hamarkadan bere herrialdean sortutako korronte batean oinarritzen da, Neue Deutsche Härte izenekoa. Korronte horren adierazlerik ezagunena da, eta Oomph! eta Die Krupps ere korronte horretakoak dira, besteak beste. Beraiek izendatu dute noizbait nahasketa hori Tanzmetall («dantzarako metala») izenarekin. Bere abestiak alemanez idatzita daude ia erabat, nahiz eta batzuek ingelesa, frantsesa, errusiera edo baita espainiera ere baduten; 35 milioi kopia baino gehiago saldu dituzte mundu osoan. Besteak beste, Grammy sarien bi ediziotan izendatu dituzte metal interpretazio onenaren kategorian: 1999an "Du hast" abestiarekin (Sehnsucht albumekoa) eta 2006an "Mein Teil" kantuarekin (Reise, Reise albumekoa). Estudioko zortzi album eta lau zuzenean merkaturatu dituzte, baita bost DVD ere; euren diskografia guztia Universal Music diskoetxe multinazionalaren katalogoan dago eskuragarri.
Oro har, bere estiloa metal industrial eta neue deutsche härte gisa sailkatzen da, baina baita metalaren hainbat genero ere, hala nola heavy metala, metal progresiboa, rock industriala, metal alternatiboa, groove metala eta musika elektronikoa. Musikalki, Rammsteinek eragin handia izan zuen Laibach, DAF (Deutsch-Amerikanische Freundschaft), Oomph! eta Ministry bezalako artisten artean. Nolanahi ere, «Bestrafe mich», «Ohne dich» eta «Te quiero puta!» abestien artean dauden alde sakonek oso zail egiten dute Rammstein mugimendu jakin bati atxikitzea, nahiz eta, gehienbat musika oso desitxuratua denez, Neue Deutsche Härte mugimenduarekin lotzen den.
Haifa Wehbe (arabieraz: هيفاء وهبي; Mahrouna, 1972ko martxoaren 10a) Libanoko abeslari ezagunenetako bat da, eta gazte itxurako emakume helduaren sinbolotzat hartzen da, osasun ona, forma fisikoa eta edertasun handia mantentzeko egiten duen ahaleginari esker. Pertsona askok edertasunaren eta feminitatearen sinbolotzat dute, eta munduko ederrenetakotzat. Rotanak argitaratutako Miss Universo albuma iTunesen lehen webgunean jarri zen argitaratu zen lehen egunetik. Bere ibilbide artistikoaren hasieran elkarrizketa bat izan zuen musika arabiarrean fenomeno bat zelako. Indiako Rediff aldizkarian lehen postua lortu zuen emakumerik ederrena bezala 2009ko musika arabiarraren jaialdian. People aldizkariak munduko hirugarren adineko emakume eder eta mantenduenetako bat bezala sailkatu du. David Vendetta nazioarteko banatzailearen bidez Buddha Bar albumean parte hartu zuen Yama la yali abestiarekin, Frantziako eta Ingalaterrako irrati garrantzitsuenetan emititu zena.
Haifa Wehbe da bere abestiak Internet bidez zabaldu zituen lehen abeslari bakarlari arabiarra, eta Twitter sare sozialaren bidez bere publikoarekin gehien komunikatzen duen bakarlaria da. Bere abestien ezaugarri nagusiak erritmo femeninoa eta abesti arabiarraren eta poparen nahasketa dira, eta horrekin Wehbek salmenta handiak lortu ditu mundu arabiarrean.
Bideo bereziei buruzko iradokizunak
Jules Massenet (1842 - 1912), Erromantizismoko konpositore frantziarra izan zen, batez ere bere operengatik ezaguna, XIX. mendearen amaieran eta XX. mendearen hasieran oso ezagunak izan zirenak. Montauden jaioa, hamaika urte zituela, familia Parisera joan zen bizitzera, Ambroise Thomasen ikasle izango zen kontserbatorioan ikasi ahal izateko. Pianoko lehen saria lortu zuen 1859an eta, 1863an Erromako Grand Prix saria irabazi zuen David Rizzio kantatari esker; 1878an Parisko Kontserbatorioko konposizio irakasle izendatu zuten. Massenetek obra lirikoa utzi du funtsean (hogeita bost opera); baina balletak, oratorioak eta kantatak, orkestra-lanak eta berrehun abesti inguru ere konposatu zituen, piano-lan batzuez gain.
Le Carillon. Ekintza Flandesko Courtrai hirian garatu zen, XV. mendean. Karl erlojugileak eta Bertak eskuzabaltasunez maite dute elkar Pit okinaren eta Jef kedar-gabetzailearen asmoen aurka. Heraldo batek Borgoinako dukearen etorrera iragartzen du, eta gehitzen du San Martin elizako karilloi berriaren doinuekin hartzen ez badute, erlojugilea kartzelaratuko dutela. Kart etsita dago, oraindik asko falta zaio lana amaitzeko. Bakarrik, gauean, Karlek uste du aingeruak ikusten dituela kanpaia jotzen, Pit eta Jef kanpandorrera igotzen diren bitartean. Eguna argitzen ari da, eta dukea sartzen denean karilloia jotzen hasten da. Bertan daudenek begirada jaso eta Pit eta Jef kanpandorreko panpina bihurturik ikusten dituzte, mailuekin kanpaia jotzen. Bertak eta Karlek elkar besarkatuko dira. (Malandain Balletaren webgunetik jasoa).
Thierry Malandain. Laurogei obra baino gehiago ditu, eta dantzaren ideia pertsonala garatzen du. “Balleta” korronte estetiko kontzeptuari estuki lotuta, bere ideiak lehentasuna ematen dio dantzariaren gorputzari, bere sentsualtasunaren eta gizatasunaren ospakizunari. Dantza klasikoaren gramatika bikain menderatzen duten baina gaur egungo adierazpena duten interprete talde baten agindupean, Thierry Malandainen ibilbidea, giza balio sakonetan oinarritzen da. Serioak bezain desegokiak izan daitezkeen bere sorkuntzen bidez, klasikoaren eta garaikidearen, historiaren eta gaur egungo munduaren arteko harmonia lortuko duen idazkera garatu nahi du. (Malandain Balletaren webgunetik jasoa).
Kathakali Keralako (estatu indiarra) dantza-antzerki klasikoa da, gai mitologikoetan oinarritua. Bideo honek Narakasuravadhamen (Narakasuraren hilketa) istorioa aurkezten du. Narakasura deabru basatiaren eta Jayantha Indra Jaunaren (Jainkoen Erregea) seme ausartaren istorioari buruzko lana da. Nakrathundi, Narakasuraren arreba, Jayanthak erakartzen du eta Lalitha emakume ederraz mozorrotuta hurbiltzen zaio. Jayanthak bere maitasuna arbuiatzen du eta deabru etsituak bere itxura normala hartzen du eta eraso egiten dio. Zauritu egiten du eta Narakasura hunkitu batek mendeku hartuko duela zin egiten du. Margi Vijayakumar (Lalitha bezala) eta Margi Murali (Nakrathundi bezala) dira gaur arituko diren artistak.
(Bideoaren oinetik jasoa)
Morenada, goi-ordokietako dantza folkloriko da, eta bere jatorria eztabaidagai dago. Dantza hau batez ere Bolivian egiten da, baita Perun ere, eta azken urteetan, Boliviako edo Peruko immigrazioarekin, Txilen, Argentinan eta beste herrialde batzuetan ere. Dantza garai kolonialean hasi zen, eta esklaboen salerosketan oinarritu zen. Konkistatzaile espainiarrek ekarri zituzten, Peruko Erregeordetzako zilarrezko meategietan laborari gisa lan egin zezaten. Ziurrenik, beltzez mozorrotutako aimarek hasi zuten dantza, eta kaporala eta beltzen tropa bezalako pertsonaiak irudikatu zituzten. Afrikatik etorritako esklaboen kofradietan jaio zen, jaun zurien dantzaldiez trufatzen baitziren.
Gaur, Peruko Folklore Talde Nazionalak eskaintzen digu.
Filipinetako dantzen ezaugarri nagusia kultura-aniztasuna da, eskualdearen arabera estilo desberdinak baitituzte. Kultura, erritu eta gizarte adierazpide bat dira, askotan jai eta ospakizunekin lotuak. Filipinetako dantzek sarritan musika tradizionala, janzkera koloretsua eta mugimendu erritmikoak erabiltzen dituzte, eragin indigena zein kolonialak islatuz.
Singkil Filipinetako dantza etnikoa da eta Lanao lakuko Maranao herrian du jatorria, Mindanaoko talde etnolinguistiko musulmanean. Dantza, gaur egun, printze eta printzesa baten errege-dantza da, erritmo sinkopatu batez txaloka elkar lotzen direnak. Gizonak ezpata bat eta ezkutu bat manipulatzen dituen bitartean, emakumeak abaniko pare bat graziaz birarazten ditu. Dantzak Maranao printzesak orkatiletan erabiltzen duen akzesoriotik hartzen du izena. Kulintang eta agung multzo batek beti laguntzen du dantza. Singkilek eboluzionatu egin du denborarekin, Bayanihan dantza folklorikoko taldeak sartutako berrinterpretazio eta aldaketa garrantzitsuekin, hala nola Darangeneko epopeiako elementuak gehitzea, bereziki Bantugan printzea eta Gandingan printzesa inplikatzen dituzten gertakariak.
Umeentzako musikari buruzko iradokizunak
Testu hauek egiteko Wikipediako hainbat artikulu eta Adimen Artifizialeko informazio puntualak erabili dira.
Videomusicalis-eko testuak, euskaraz, gaztelaniaz eta ingelesez eginda daude.
