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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

La sonata para piano n.º 11 en la mayor, k. 331 consta de tres movimientos: I Andante con variaciones; II Minueto; III Rondó alla turca (que es popularmente conocido como la “Marcha turca de Mozart”). Hoy visionaremos el Primer Movimiento que se inicia con un tema variado (como entonces se usaba frecuentemente en la escuela francesa); sus variaciones pertenecen al tipo más puro y flexible del estilo mozartiano.

La interpretación de hoy corre a cargo de la pianista china Chingya Mahlen.

Amadeo Vives (1871-1932), compositor nacido en Barcelona, es autor de numerosas canciones y de más de un centenar de obras escénicas entre las que se han de destacar Bohemios, Maruxa y, sobre todo, Doña Francisquita consideradas entre las obras cumbre del género. Persona de gran cultura, también dejó una estimable obra literaria, que comprende diversos ensayos sobre estética musical, un libro autobiográfico, Sofía (1923), y una exitosa comedia teatral, Jo no sabia que el món era així (Yo no sabía que el mundo era así), estrenada en Barcelona en 1929 y que recibió el título de Rosalía cuando en 1930 fue estrenada en Santander en su versión en castellano. Comenzó a recibir clases de música de su hermano a los cinco años; más tarde con José Ribera estudiaría piano, armonía y composición; colaboró con Lluis Millet en la fundación del Orfeó Catalá que comenzaría su andadura con canciones catalanas armonizadas por Amadeo Vives. A los catorce años había compuesto varias sonatas y a los 24 años estrena en Barcelona su primera ópera. Más tarde se traslada a Madrid donde sus estrenos escénicos recogen exitosas respuestas y reconocido prestigio.

El Fandango es un baile de movimiento vivo y compás ternario que deriva en múltiples formas; baile localizado tanto en el estado español como en la comunidad latinoamericana; mientras que Doña Francisquita, cuyo fandango podemos visionar hoy,  es una zarzuela en tres actos basada en La discreta enamorada de Lope de Vega.

Hoy lo ofrecemos bajo la batuta de Miguel Roa (1944-2016) director de orquesta comprometido con la difusión de la zarzuela española y con Lucero Tena (1938), bailaora de flamenco, a las castañuelas.

François Devienne (1759-1803) fue un flautista, fagotista, compositor y maestro francés. Probablemente recibió su primera formación del organista Morizot en Joinville, y continuó su educación con su hermano mayor y padrino, François Memmie, en Deux Ponts (ahora Zweibrücken) desde 1776 hasta 1778. Dejó Deux Ponts el 15 de mayo de 1778 y estuvo deambulando por distintas orquestas. La primera aparición conocida en solitario de Devienne fue en la Orquesta del Concert Spirituel el 7 de abril de 1789, cuando tocó la parte de flauta en el estreno de su Sinfonía concertante nº 4. En otoño de 1790 se unió a la banda militar de la Guardia Nacional de París. En 1972, esta organización se convirtió oficialmente en la Escuela Libre de Música de la Guardia Nacional, en el Instituto Nacional de Música en 1793 y en el Conservatorio de París en 1795. El famoso método de Devienne de la flauta con una llave se publicó en 1794; al año siguiente publicó El Nouvelle Méthode théorique et practique pour la flûte que se convirtió en el gran método de flauta de los siguientes años, hasta bien entrado el siglo XIX. Devienne fue un compositor prolífico con  más de 500 obras entre conciertos y sinfonías concertantes para vientos, himnos y canciones patrióticas y once óperas y ópera cómica, además de una gran variedad de combinaciones instrumentales: sonatas para flauta y bajo, dúos para flauta (con acompañamiento de teclado o no), tríos, cuartetos...

El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I Rápido-II Lento-III Rápido) y presentado como un diálogo entre el (l@s) solistas(s) y el conjunto instrumental.

Hoy ofrecemos el Concierto para flauta nº 2 en Re Mayor en interpretación de la Orquestra Sinfònica de Sant Cugat del Vallès.

Silvestre Revueltas (1899-1940) fue un violinista, compositor y director de orquesta mexicano considerado por algun@s crític@s como el compositor más notable de la América latina. Revueltas destacó en su infancia por ser un prodigio del violín. Silvestre obtuvo su primer violín cuando tenía siete años, y llegó a tocar su primer recital en 1911. Su padre lo mandó a la Ciudad de México para estudiar el instrumento, y posteriormente ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Estudió violín con José Rocabruna y composición con Rafael Tello; sin embargo, nunca se sintió satisfecho con la formación recibida. Al mismo tiempo, buscaba ganarse la vida tocando en cines y orquestas. Su padre decide en 1917 enviar a Silvestre a un colegio de la Congregación de Holy Cross en la ciudad estadounidense de Austin (estado de Texas), el St. Edward´s College, cuando Silvestre contaba con diecisiete años. En la escuela de St. Edwards se recuerda a Revueltas como un músico especialmente dotado y que ofrecía recitales, aunque era de carácter independiente y no aceptaba toda la instrucción recibida. En ese ambiente Silvestre descubre la música de Claude Debussy. En una carta relata que inconscientemente se acercó al estilo de Debussy, creyendo que no existía aún semejante música, cuando uno de sus profesores le menciona que el estilo de sus primeras composiciones era muy debussiano. Una de sus primeras piezas, Margarita para piano, demuestra un uso altamente imaginativo de la armonía con texturas impresionistas, así como un especial sentido melódico. Tras la muerte de su padre regresa a México donde ha de ganarse la vida con su violín; allí Carlos Chávez le nombra director asistente de la Orquesta Sinfónica de México. Le costó a Revueltas dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que debido a sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana; “la crítica musical en México se destaca por su ignorancia, por su mala fe, y por su decidido empeño en desorientar al público de los conciertos”, decía. Por causas desconocidas rompió con Chávez, época en la que se volcó obsesivamente en la composición, viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá, obra que hoy presentamos. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal.

Música de feria, también conocida como Cuarteto de cuerdas no. 4, es una pieza para cuarteto de cuerdas tradicional (dos violines, una viola y un violonchelo) creada por el compositor mexicano Silvestre Revueltas y es la obra más interpretada y grabada de los cuartetos del compositor. La pieza fue compuesta en 1932 y estrenada el 7 de noviembre de 1933, probablemente por el Cuarteto Clásico Nacional, cuenta con una dedicatoria al Dr. Manuel Guevara Oropeza. La obra fue escrita durante los primeros años del periodo compositivo de Revueltas (1929-1932), por lo que, al igual que otras obras de ese periodo, son descritas como una introducción al desarrollo que tendrán sus obras posteriores. Música de feria es una pieza que posee variedad de ritmos y temas que se mezclan formando un collage auditivo que aluden a los sonidos contrastantes de las ferias mexicanas. La obra es considerada como nacionalista debido a su temática y características sonoras, sin embargo, sus contrastes rítmicos y sonoros poseen características estridentistas, vanguardia mexicana en la que el compositor participará posteriormente. La obra está compuesta como un movimiento formado por cuatro secciones: Allegro, Lento, Allegro-Giocoso y Allegro tempo.

La versión de hoy nos lo ofrece el Cuarteto Eclipse

Cannonball Adderley (1928-1975) fue un saxofonista de jazz, encuadrado estilísticamente en el hard bop y el soul jazz. Musicalmente, su primer trabajo fue el de director de orquesta juvenil en Florida. Durante un viaje a Nueva York en 1955, se unió al grupo del bajista Oscar Pettiford, quien lo contrató unos conciertos en el Café Bohemia; como resultado del gran éxito obtenido, fue contratado por el sello discográfico Savoy, quedándose a vivir en la ciudad. En 1957 se unió al quinteto del trompetista Miles Davis; un año más tarde participó en la grabación de uno de los discos más importantes de la historia del jazz, Kind of Blue, con Davis, Chambers, Coltrane, además de Jimmy Cobb en la batería y Wynton Kelly y Bill Evans en el piano. Desde esos años Cannonball Adderley se ganó un lugar dentro de la escena jazzística mundial y comenzó a liderar sus propias bandas y a marcar un estilo dentro de la historia del jazz. En 1958 grabó el disco que dejará su nombre de líder de jazz en la historia: Somethin' Else, un disco con un quinteto de lujo que incluyó a Davis en la trompeta, Hank Jones en el piano, Sam Jones en el bajo y a Art Blakey en la percusión. También se destacó por ser un músico de una gran presencia en el escenario, cada tema era explicado de manera didáctica para que los espectadores pudieran interpretar los sentimientos que Adderley expresaba con su saxo. El 8 de agosto de 1975, en Gary, Indiana, murió a causa de un infarto.

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo de dicho género. Allmusic decía: "R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo". A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. Su primer sencillo fue "Radio Free Europe" en 1981; pronto se expanden por todo el estado. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, y lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. El siguiente álbum, Monster (que hoy lo ofrecemos) fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web. La revista Rolling Stone ubicó al grupo en el puesto 97 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense hijo de emigrantes rusos, es conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde niño se esforzó en el estudio del piano y ya desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello y consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?” Así que al poco volvió a USA para trabajar y estrenar la ópera Porgy and Bess  perfecta fusión del jazz y góspel americanos con el sinfonismo europeo. Al poco tiempo un tumor cerebral acabó con su vida.

George Balanchine  (1940-1983) fue un maestro ruso de ballet que hizo de puente entre el ballet clásico y el moderno; uno de los principales maestros de ballet del siglo XX.

Who Cares es un ballet creado por George Balanchine sobre la música de 16 canciones de George Gershwin con la idea de mostrar la exuberancia de la vida urbana en Nueva York. La interpretación de hoy corre a cargo del New York City Ballet.

La danza en Indonesia (en indonesio, Tarian Indonesia) refleja la diversidad de los grupos étnicos del país y sus culturas. Hay más de setecientos grupos étnicos distintos en Indonesia: la raíz de los pueblos austronesios y las formas tribales melanesas son evidentes, además de un rango de influencias que se extienden de sus países vecinos en Asia e incluso en el Occidente, a través de la colonización. Cada grupo étnico tiene sus propios bailes, haciendo del total de bailes en Indonesia de más de tres mil danzas originarias. Las viejas tradiciones de danza y drama son preservadas actualmente en muchas escuelas de danza, siendo esto no sólo en las cortes, sino también en espacios administrados por el gobierno y academias de arte supervisadas.

Gemrentang Jati es una danza, que vista desde su función, se puede clasificar en una danza que funciona como presentación de una historia, porque la propia danza nos habla del Reino Majapahit en Kediri, Java (Indonesia). Observando los símbolos y movimientos, esta danza simboliza no darse por vencido fácilmente, esta opinión está respaldada por una cita de la letra de la canción que dice "No distraídos a pesar de muchos obstáculos". La danza Gemrentang Jati generalmente se realiza en grupos; el concepto de arte tomado en esta danza es el concepto de Danza Clásica Tradicional.