Zure musika-bideoen ataria

Santa Cecilia, según el Martyrologium hieronymianum, fue una noble romana convertida al cristianismo y martirizada por su fe en una fecha no determinada, entre los años 180 y 230. En la Iglesia católica, es patrona de la música, de los poetas, de los ciegos (junto con santa Lucía de Siracusa), de los municipios de Alfafara (Comunidad valenciana) y Villalán de Campos (Comunidad de Castilla y León) que tiene una iglesia consagrada a su nombre, y de las ciudades de Albi (Francia), Omaha (Estados Unidos), Mar del Plata (Argentina) y del municipio de Estanzuela (Guatemala), entre otras. Sus atributos son el órgano, el laúd y las rosas. La fiesta que se menciona el 22 de noviembre, en cuyo día se celebra todavía, fue preservada en el templo dedicada a ella en el barrio romano del Trastévere. Por consiguiente, su origen probablemente se remonta a esta iglesia. Hacia el año 480 aparecieron unas actas de Santa Cecilia anónimas, en latín, que se transmitieron en numerosos manuscritos y se tradujeron al griego. Según este texto, Cecilia había sido una virgen de una familia senatorial romana de los Metelos, que se había convertido al cristianismo desde su infancia. La reputación artística de Cecilia fue, probablemente, el resultado de una mala traducción de las actas de Santa Cecilia. Venit díes in quo thálamus collacatus est, et, canéntibus [cantántibus] órganis, illa [Cecilia virgo] in corde suo soli Domino decantábat [dicens]: Fiat Dómine cor meum et corpus meus inmaculatum et non confundar. “Vino el día en que el matrimonio se celebró, y, mientras sonaban los instrumentos musicales, ella (la virgen Cecilia) en su corazón a su único Señor cantaba [diciendo]: Haz, Señor, mi corazón y mi cuerpo inmaculados y no sea yo defraudada que es una paráfrasis del salmo LXX: In te Dómine speravi; non confundar in aeternum>”. La palabra latina órganis es el plural de órganum, que significa ‘instrumento musical’, y se tradujo como ‘órgano’. Entonces la frase ‘mientras sonaban los instrumentos musicales, ella le decía al Señor’ se volvió ‘ella cantaba y se acompañaba con un órgano’. Y así Cecilia se volvió patrona de la música, y a partir del siglo XV (en el ámbito del gótico cortés) se empezó a pintar a la santa cargando un pequeño órgano portátil, y otros instrumentos (un clavicémbalo, un laúd, etc.). En realidad los códices más antiguos no dicen canentibus organis (canentibus como sinónimo de cantantibus), sino candentibus organis, Caecilia virgo. Los «órganos» no serían «instrumentos musicales», sino «instrumentos incandescentes» (instrumentos de tortura), y la antífona describiría que Cecilia, «entre las herramientas candentes, cantaba a su único Señor en su corazón». La antífona no se referiría al banquete nupcial; sino más bien al momento del martirio. Pasaron más de mil años para que Cecilia fuera proclamada patrona de la música. En 1594, el papa Gregorio XIII la canonizó y le dio oficialmente el nombramiento, por «haber demostrado una atracción irresistible hacia los acordes melodiosos de los instrumentos. Su espíritu sensible y apasionado por este arte convirtió así su nombre en símbolo de la música». Con los siglos, la figura de Cecilia permaneció venerada por la Humanidad con ese padrinazgo. El 22 de noviembre, señalado por la tradición como el «día de su muerte» (o «día de su nacimiento», significando «para la eternidad»), fue adoptado en muchos países como el «Día de la Música». Desde el siglo XVII en Francia, Italia y Alemania se celebraba su día con festivales musicales. En 1683, la Sociedad Musical de Londres estableció los festivales anuales del «Día de Santa Cecilia», donde hasta hoy participan los más grandes compositores y poetas británicos.

Peter Philips (c. 1560-1628) fue un eminente compositor, organista y sacerdote católico inglés exiliado a Flandes . Fue uno de los más grandes virtuosos del teclado de su tiempo, y para sus instrumentos transcribió o arregló varios motetes y madrigales italianos de compositores como Lassus , Palestrina y Giulio Caccini además de obras corales sagradas. Philips nació en 1560 o 1561, posiblemente en Devonshire o Londres. De 1572 a 1578 comenzó su carrera como corista de niños en la Catedral de St Paul en Londres, bajo la égida del maestro de coristas católico, Sebastian Westcott (fallecido en 1582), quien también había entrenado al joven William Byrd unos veinte años antes. Philips debió tener una estrecha relación con su maestro, ya que se hospedó en su casa hasta el momento de la muerte de Westcott y fue beneficiario de su testamento.. En 1585 entró al servicio de Thomas Paget como músico, y los dos abandonaron Roma viajando durante varios años a Génova, Madrid, París, Bruselas y, finalmente, Amberes, donde Philips se instaló en 1590. En 1593 Philips fue denunciado por un compatriota por complicidad en un complot sobre la vida de la reina Isabel , y fue encarcelado temporalmente en La Haya. El propio Philips tradujo las acusaciones formuladas en su contra durante su juicio, revelando que para entonces ya podía hablar holandés. Fue absuelto y puesto en libertad sin más cargos. La suerte de Philips mejoró a su regreso, y en 1597 fue empleado en Bruselas como organista de la capilla de Alberto VII, archiduque de Austria, que había sido nombrado gobernador de los Países Bajos en 1595; murió en 1628, probablemente en Bruselas, donde fue enterrado. Philips fue un compositor extremadamente prolífico: sus motetes sobrevivientes se cuentan por cientos, y también compuso música instrumental y de consorte . Sus piezas para teclado siguen en su mayoría la tradición de la escuela virginalista inglesa , pero sus obras corales, aunque conservan algunas características inglesas ocasionales, siguen en gran medida el estilo de compositores italianos contemporáneos más conservadores como Giovanni Croce.

Cantantibus organis es una antífona o himno en honor a Sta Cecilia, de la que se han escrito numerosas versiones. Hoy ofrecemos la composición escrita por Peter Philips e interpretada por The Priory Singers dirigid@s por Harry Grindle.

Christoph Willibald Gluck (1714-1787) fue un compositor alemán considerado como uno de los compositores de ópera más importantes del Clasicismo de la segunda mitad del siglo XVIII. Reformó completamente la ópera eliminando las arias da capo, suprimiendo los extensos recitativos secos con clavecín y reemplazándolos por recitativos acompañados por la orquesta, prescindiendo de los castrati y otorgando una mayor relevancia a la trama argumental de las obras. Entre sus obras mayor valoradas se encuentran Orfeo ed Euridice (1762) y Alceste (1767) estrenadas en Viena e Iphigénie en Áulide (1774), Armide (1777) y Iphigénie en Táuride (1779) estrenadas en la Ópera de París. Mantuvo una rivalidad con el compositor italiano Niccolò Piccinni conocido como la Querella de gluckistas y piccinnistas. La primera escuela auténtica de Gluck fue la de Kamnitz, donde le enseñaron canto y un poco de música. Se piensa que también en el colegio de los jesuitas de Komotau pudo recibir lecciones de órgano o clave, hecho que sin embargo no está comprobado. En 1740 Gluck figura como instrumentista y cantante a cargo de la familia Lobkowitz. El príncipe Francesco Saverio Melzi se interesa por él y se lo lleva a Milán, donde estudia con Giambattista Sammartini; allí compuso su único trabajo no teatral, Seis sonatas para trío, publicadas en Londres en el año de 1746. En 1741, en el Teatro Regio Ducal de Milán, se representó el Artajerjes, de Metastasio musicalizado por Gluck, siendo su primera ópera; obtuvo un gran éxito, por lo que durante los cuatro años siguientes recibió numerosos encargos. En 1745 se trasladó a Londres, otra sede importante de la ópera italiana, ciudad que abandona en 1746 para unirse a la compañía italiana Mingotti e iniciar una gira por Alemania. En el año de 1750 muere Alejandro, padre de Gluck, lo que provocó que regresase a Praga, donde permaneció un año aproximadamente. Volvió a Viena en 1751, y un año después fue llamado a Milán para poner música a La clemencia de Tito, de Metastasio. Hizo amistad con el conde Giacomo Durazzo, director de los teatros imperiales. Gluck, con su reforma de la ópera en el siglo XVIII, se encuentra precisamente a medio camino entre Claudio Monteverdi y Richard Wagner. Durante veinticinco años, estudió solo partituras de ópera italiana, óperas a la manera de la escuela napolitana, pero se dio cuenta de que el problema en la ópera no era una cuestión de producción escénica, y por lo tanto, empezó a generarse en él una mayor preocupación por el libreto, prescindiendo de los libretistas convencionales, aquellos basados en Metastasio. Se centró en eliminar los abusos que habían deformado la ópera italiana para regresar a la función de servir a la poesía y potenciar el argumento. Finalmente encontró a Raniero de Calzabigi, músico no profesional, admirador de Shakespeare. El primer trabajo de Gluck y Calzabigi fue su ópera Orfeo y Eurídice, considerada una obra de transición, pues sus principios artísticos, teóricos y prácticos, aún no estaban tan fijos como en sus obras posteriores. En primer lugar, trató de olvidar todos los medios de expresión puramente musicales para utilizarlos sólo como lo exige la situación dramática. Para Gluck no era el ejercicio musical lo más importante, sino la estructura dramática y los elementos escénicos. Desarrolló sus efectos musicales con la mayor simplicidad posible, siendo el primero en poner en la música textos simples y naturales, cuidando y considerando el sentido de las palabras. Descartó la coloratura, dejando a un lado el da capo en las arias y el exhibicionismo de los cantantes, así como los ritornelli orquestales que consideraba superfluos y a la vez mejoró el significado de la orquesta, elevó la obertura, el ballet y el coro como partes integrales de sus óperas, renunció al recitativo seco con clavecín en favor del recitativo acompañado por la orquesta, así como disminuir el contraste de éste con el aria. Murió el 15 de noviembre de 1787 en Viena.

Orfeo y Eurídice es una ópera en tres actos escrita por Gluck en la que refleja sus inquietudes renovadoras, desechando todo tipo de manifestaciones  triviales y resaltando la fuerza argumental; para ello no duda en emplear danzas y coros, además de lo anteriormente expuesto. El argumento se basa en el mito griego de Orfeo que era capaz de amansar a las fieras con su música y que tras la muerte de su amada Eurídice, Cupido le permite bajar a los infiernos a rescatarla con la condición de que en el camino de vuelta no gire la cabeza para mirarla; ante las insistentes súplicas de Eurídice, Orfeo torna su mirada hacia ella con lo que pierde definitivamente a su amada.

Hoy ofrecemos el aria Che farò senza Euridice con Janet Baker en el papel de Orfeo.

Henry Purcell (1659-1695) está considerado como uno de los mejores compositores ingleses de la historia. Compositor prolífico, comenzó a componer a los nueve años; escribió todo tipo de obras corales e instrumentales, tanto sacras como profanas, entre las que brilla la ópera Dido and Aeneas. Tras la muerte de su padre y a instancias de su tío fue admitido como miembro del coro de la Capilla del Rey donde iniciaría sus primeros estudios. A los 17 años es nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster donde escribió distintos himnos y obras para teatro. A los 23 años es nombrado organista titular, momento a partir del cual y durante seis años sólo escribe obras sacras hasta que a partir de 1689 escribe distintas óperas. En su obra se aprecia la influencia francesa e italiana dentro de lo que sería un estilo propio de barroco británico. Muere a los 36 años en el cénit de su carrera y de su fama.

La cantata Ode to St Cecilia Hail! Bright Cecilia la escribió en 1692 para el día 22 de Noviembre día de Sta Cecilia patrona de l@s músic@s; festividad que venía siendo celebrada desde 1683 por la Sociedad Musical de Londres.

Howard Arman (1954) es un director coral y director de ópera inglés. Ganó el Premio Handel del Festival Handel, Halle , en 1996, formó la orquesta del festival y de las óperas escritas por Georg Friedrich Handel . Es director del Teatro y Filarmónica de Thüringen, también del Teatro Luzerner. Desde 2017 es el Director del Bayerische Rundfunk Chor.

El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores.

El Concierto para violín de Chaikovsky, uno de los conciertos de violín más reputados y endiabladamente difíciles de ejecutar, deja dos impresiones imborrables: la del virtuosismo inherente a su factura y la de la belleza de sus melodías. Curiosamente, estos mismos elementos fueron motivo de controversia acerca de los méritos del concierto poco después de su estreno en 1881. Hubo solistas que lo rechazaron por considerar que la técnica requerida para su ejecución constituía un atropello al instrumento (caso de Leopold Auer a quien el compositor dedicó la obra originalmente) y hubo críticos que cuestionaron la validez de todo su contenido. Estos últimos, acostumbrados al pensamiento musical, complejo en su estructura, de los conciertos de Beethoven y Brahms tuvieron dificultades en adaptarse al lenguaje directo de Tchaikovsky, inspirado en el gusto por el sonido brillante, las oleadas de emoción y cierto toque rústico en la forma. Tchaikovsky, pianista de formación, escribió su primera obra para violín solo en 1875, la Serenata melancólica, dedicada a Leopold Auer; serenata  que preconiza el ambiente del Concierto, el cual fue concebido en Suiza, durante una estadía de Tchaikovsky en Clarens, en la primavera de 1878.

El Primer movimiento, Allegro moderato, acusa dimensiones y formas clásicas. Se inicia con una introducción breve, de carácter lírico en donde apenas se intuyen las melodías que componen el resto del movimiento; no es una introducción dramática, pues el solista la completa con un pasaje cadencioso y ornamental. Desde este momento en adelante, se suceden diversas melodías unidas en torno al hilo formal generado por los cambios de dirección anímica.

El segundo movimiento (20´55´´), Canzonetta: Andante,  se inicia con gestos un tanto severos. Aunque descrito como una canzonetta, se asemeja más a un coral que a una canción ligera, por su escritura homofónica y movimiento pausado. Se inicia con un pasaje en acordes ejecutado por las maderas acompañadas por las trompas. Luego el solista entona una melodía de carácter tradicional ruso con un acompañamiento sencillo. Debido a su corta duración y su ambiente relativamente tranquilo, la canzonetta sirve como puente sin pausa al

Tercer movimiento (27´45´´), Allegro vivacissimo,  inspirado este último en temas rusos tradicionales que se prestan para ser desarrollados mediante variaciones múltiples en la orquestación, el ritmo y la melodía misma. El movimiento final cierra todo el concierto con broches de energía y brillo.

La interpretación de hoy corre a cargo de Arabella Steinbacher, (1981) violinista alemana hija de una cantante profesional y de un profesor de música; a los tres años comenzó sus estudios de violín por el método Suzuki. Ha sido solista invitada de las principales orquestas del mundo y actuado bajo las más prominentes batutas; sus grabaciones han recibido numerosos e importantes premios.

Bebe (1978) nació en Valencia de padres cantantes y al año de nacer se trasladó a Extremadura. A los 18 años se desplaza a Madrid a estudiar Arte Dramático mientras realiza distintas actuaciones; en 2001 gana en Extremadura un concurso de cantautores y forma su propia banda a la vez que sigue con las actuaciones en solitario. Hasta el presente compagina sus trabajos musicales con los cinematográficos.

El videoclip publicado por Sastraka Portugalete Gaztetxea el 25 de noviembre ha sido un gran éxito. "Somos las mujeres que te combatiremos" es un video elaborado por un grupo de mujeres de Sastraka Gaztetxe en el Día contra la violencia de género, versión vasca de la pieza "La canción sin miedo" obra de la compositora y cantautora mexicana Vivir Quintana (1985).

Jean Schneitzhoffer (1785-1852) fue un pianista y compositor francés que compuso varias obras de ballet para la Ópera de París de las que La Sylphide es no sólo el más conocido, sino uno de los más representados del ballet romántico. El ballet cuenta la historia de James que se enamora de una sílfide a la que sólo él puede ver y por la que abandona al pie del altar a su prometida con la que volverá tras distintas incidencias.

Hoy ofrecemos parte del segundo acto con Aurélie Dupont (1973) y Mathieu Ganio (1984), ambos etoiles del Ballet de la Ópera de París, como protagonistas.            

El término aurresku se utiliza hoy día como sinónimo de soka-dantza, así como, en sentido más estricto, para denominar a una o varias de sus partes, que son interpretadas por un solista (que tradicionalmente se ha llamado aurresku) y especialmente en los últimos tiempos se han separado de la misma cobrando vida propia. La soka-dantza, en efecto, ha sido la danza social que más se ha bailado en el País Vasco a lo largo de la historia. Por ello, ha tenido múltiples variantes y ha recibido múltiples nombres. Es común que sobre todo los hombres (aunque también las mujeres, y entonces los papeles de género son opuestos a los que describimos) formen una fila o soka, es decir cuerda, unidos de las manos directamente o por medio de pañuelos. En esta cuerda el primer dantzari tiene una gran importancia, y a menudo recibe el nombre de aurresku, es decir, "mano delantera", o similar. En este sentido, el último dantzari, sin duda el segundo en importancia, recibe el de atzesku o mano trasera. El papel de este aurresku es el del protagonista: él es el que realiza el primer baile, y al terminar éste unido de las manos con el dantzari que tiene detrás hace un puente, por el que pasan por debajo el resto de los dantzaris. Una vez realizado esto, se detiene la cuerda. Aurresku y atzesku se dirigen hacia el centro y realizan un baile uno enfrente del otro (que por ello a veces recibe el nombre de aurrez-aurre, frente a frente). Después de esto, se realiza otro puente, en este caso por los dos últimos dantzaris, recuperando de este modo el aurresku -no podía ser de otra manera- -el primer puesto. Mientras tanto, otros dos componentes de la cuerda (que suelen recibir nombres parecidos a los de dantza-zerbitzaileak o servidores de la danza) van a buscar a las mujeres que se van a incorporar al baile. Delante de la primera de ellas se detiene la cuerda para que el aurresku le ofrezca su baile. El mismo proceso se repite para el atzesku. Quizás después de otro desafío, la cuerda completa (una vez que han entrado las mujeres) realiza otros dos puentes, del mismo modo que han hecho antes. En algunas variantes, también ahora puede hacerse otro baile entre los dos dantzaris principales. Y sólo una vez realizado todo esto, empieza la parte más social del baile: hoy en día casi siempre fandango y arin-arin, terminando con una biribilketa. Puede decirse, sin embargo, como hemos mencionado ya, que el término aurresku se utiliza fundamentalmente para el baile del solista, con dos variantes principales. Por un lado el aurresku vizcaíno, improvisado en buena medida, con sus cuatro partes: Desafío o Aurkez-aurke; Pasamanos, Esku aldatzeko soinua o Abarketak; Zortziko y Contrapás, Erreberentzia, o Agurra. Por otro lado, en las versiones guipuzcoanas pueden incluirse otras partes de la soka-dantza y de otras danzas descritas por Iztueta, especialmente doinu zaharrak. Con todo, y sin ningún género de duda, para la mayoría el aurresku no es sino el antes mencionado agurra, erreberentzia o contrapás. Este es el baile que, interpretado de acuerdo a un estándar, más se utiliza como homenaje. (Extractado de Auñamendi Eusko Entziklopedia)

Durante el siglo XIX comienzan a distinguirse en Bizkaia dos tipos de Soka danzas o Aurreskus, a uno se le denomina Aurresku de Villa y al otro Aurresku de Anteiglesia. Se diferencian fundamentalmente porque en el conocido de Anteiglesia se bailan las "Erregelak". Nombre que en ciertas zonas de Bizkaia se usa para designar a una de las melodías de danza de dicho Aurresku de Anteiglesia y, algunas veces, a todo el conjunto de danzas que constituyen el mismo. Entre las diversas melodías que forman parte del Aurresku, encontramos la que corresponde a la denominada en Bizkaia como "Erregelak", dándole el título de "Aurresku de Anteiglesias". El uso en plural de esta palabra nos da ha entender que en su tiempo esta melodía estaba bastante extendida en Bizkaia, no solamente en el Duranguesado de donde él era nativo. Posteriormente, un guerniqués, Segundo de Olaeta, al tratar sobre las "Erregelak" de Berriz, nos dirá que con la música que aparece en la obra "Gipuzkoako Dantzak" de J. I. Iztueta, denominada "San Sebastián", "se baila "el Erregelak" o "Aurresku de Anteiglesia" en Berriz y zona de Gernica, donde se han conservado por tradición de dantzari a dantzari. Hay que subrayar que actualmente en Gernika-Lumo, una Villa y una Anteiglesia unificadas hace tiempo, en las fiestas de agosto, frente a la iglesia parroquial, a la salida de la misa mayor, se bailan dos tipos de Aurresku, el día 15 el de Anteiglesia y el día 16 el de Villa. Así, se recuerda a cada uno de los dos antiguos ayuntamientos que forman el único actual, distinguiéndolos por el tipo de danza que conservaban al unificarse. (Extractado de Auñamendi Eusko Entziklopedia)

Hoy podemos visionar el Aurresku de Anteiglesia del Duranguesado en versión del grupo de danzas Argia Dantzari Taldea dirigido por Juan Antonio Urbeltz.