El 20 de Marzo a las 22:24, hora española, da comienzo la Primavera.

Sugerencias de iniciación a la música clásica

Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones, su obra más conocida. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Las Cuatro Estaciones, es un grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta publicados con unos poemas descriptivos de cada concierto. Hoy ofrecemos una original versión del primero de ellos, Primavera, realizado por el quinteto vocal femenino Carmel A-Cappella.


George Onslow (1784 - 1853) fue un compositor francés, apodado el Beethoven francés. Vivió la gran parte de su vida en Francia, siendo hijo de Eduard, inglés, y Marie-Rosalie de Bourdeilles, francesa. Primeramente estudió piano con Hullmandel en Londres, y luego con Johann-Ladislav Dussek en Hamburgo; años más tarde, con Johann-Baptist Cramer y Anton Reicha, con el que estudiaría también composición. En 1808 se casaría con Charlotte-Françoise-Delphine y en 1825 conocería a Félix Mendelssohn en París. Después de la muerte de su padre, Onslow debe abandonar el Castillo de Chalendrat por lo que construiría otro castillo, el Castillo de Bellerive, donde vivió hasta su muerte. Escribió variada música de cámara, 4 sinfonías y tres óperas.

George Onslow (1784 - 1853) fue un compositor francés, apodado el Beethoven francés. Vivió la gran parte de su vida en Francia, siendo hijo de Eduard, inglés, y Marie-Rosalie de Bourdeilles, francesa. Primeramente estudió piano con Hullmandel en Londres, y luego con Johann-Ladislav Dussek en Hamburgo; años más tarde, con Johann-Baptist Cramer y Anton Reicha, con el que estudiaría también composición. En 1808 se casaría con Charlotte-Françoise-Delphine y en 1825 conocería a Félix Mendelssohn en París. Después de la muerte de su padre, Onslow debe abandonar el Castillo de Chalendrat por lo que construiría otro castillo, el Castillo de Bellerive, donde vivió hasta su muerte. Escribió variada música de cámara, 4 sinfonías y tres óperas.


Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el PCUS. En público, siempre se mostró leal con el sistema y ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptando pertenecer al PCUS en 1960 y llegando a ser miembro del Sóviet Supremo . Escribió quince cuartetos de cuerda, otras quince sinfonías, seis conciertos, varias óperas, así como música de cine y ballet. Su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco.

The Bolt (“El tornillo”), op. 27, es una partitura de ballet escrita por Dmitri Shostakovich entre 1930 y 1931 con libreto de Victor Smirnov . El ballet humorístico y satírico en tres actos y siete escenas fue coreografiado por Fyodor Lopukhov y se estrenó el 8 de abril de 1931 en el Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet de Leningrado. No se volvió a representar hasta 2005, cuando se representó una coreografía en dos actos de Alexei Ratmansky en el Teatro Bolshoi de Moscú. El ballet es una historia irónica sobre el trabajo descuidado en una fábrica soviética. El perezoso Lyonka odia el trabajo y, junto con un sacerdote local y un conspirador antisoviético, planea sabotear la maquinaria colocándole un cerrojo. Su plan es frustrado por un grupo de jóvenes comunistas.

Gerard McBurney extrajo una suite del ballet, de la cual ofrecemos una parte en versión de la Orquesta Nacional Rusa conducida por el maestro Mikhail Pletnev.


Paul de Senneville (París, 1933- 2023)1​ fue un productor y compositor francés, fundador de Delphine Software (que toma el nombre de su primera hija). ​Trabajó con artistas franceses como Mireille Mathieu, Michel Polnareff, Dalida o Claude François y especialmente Richard Clayderman, para el que compuso la obra que lo lanzó al estrellato: Balada para Adelina (el nombre de la segunda hija de Paul), que fue un éxito mundial. Desde entonces, tocando la música de Paul, Richard Clayderman se ha convertido en el artista francés con el mayor récord de ventas del mundo. De hecho, 100 millones de discos se han vendido en 57 países diferentes, ganando 290 discos de oro y 90 de platino. Murió el 23 de junio de 2023 a los 89 años. Se desconoce la causa de su fallecimiento.

Ballade pour Adeline es una pieza instrumental de 1977 interpretada por Richard Clayderman y compuesta por Paul de Senneville y Olivier Toussaint. Paul de Senneville compuso la pieza como un homenaje a su hija recién nacida, Adeline. ​ Como sencillo vendió alrededor de 22 millones de copias en más de 30 países. ​

Richard Clayderman (París, 1953), es un pianista francés especializado en música ligera y uno de los más exitosos a nivel mundial, con más de 70 millones de discos vendidos, siendo premiado con 267 discos de oro y 70 discos de platino, y habiendo realizado más de 600 conciertos alrededor del mundo. Es conocido por su interpretación de la Ballade pour Adeline.

Paul de Senneville (París, 1933- 2023)1​ fue un productor y compositor francés, fundador de Delphine Software (que toma el nombre de su primera hija). ​Trabajó con artistas franceses como Mireille Mathieu, Michel Polnareff, Dalida o Claude François y especialmente Richard Clayderman, para el que compuso la obra que lo lanzó al estrellato: Balada para Adelina (el nombre de la segunda hija de Paul), que fue un éxito mundial. Desde entonces, tocando la música de Paul, Richard Clayderman se ha convertido en el artista francés con el mayor récord de ventas del mundo. De hecho, 100 millones de discos se han vendido en 57 países diferentes, ganando 290 discos de oro y 90 de platino. Murió el 23 de junio de 2023 a los 89 años. Se desconoce la causa de su fallecimiento.

Ballade pour Adeline es una pieza instrumental de 1977 interpretada por Richard Clayderman y compuesta por Paul de Senneville y Olivier Toussaint. Paul de Senneville compuso la pieza como un homenaje a su hija recién nacida, Adeline. ​ Como sencillo vendió alrededor de 22 millones de copias en más de 30 países. ​

Richard Clayderman (París, 1953), es un pianista francés especializado en música ligera y uno de los más exitosos a nivel mundial, con más de 70 millones de discos vendidos, siendo premiado con 267 discos de oro y 70 discos de platino, y habiendo realizado más de 600 conciertos alrededor del mundo. Es conocido por su interpretación de la Ballade pour Adeline.


Sugerencias de música clásica

Heinrich Ignaz von Biber (1644 –1704) fue un compositor y violinista austro-bohemio nacido en Wartenberg (actualmente Stráž pod Ralskem, República Checa). Tras trabajar para distintos príncipes y obispos, en 1670 se instaló en Salzburgo por el resto de su vida, disfrutando de un éxito considerable y de los correspondientes beneficios económicos y sociales. Se le conocía como virtuoso del violín y su fama actual se debe sobre todo a sus obras para este instrumento, muchas de las cuales emplean scordatura (diferente afinación de las cuerdas). Biber escribió abundante música de cámara, música coral, conciertos, óperas y un número de piezas más populares. Se le atribuye últimamente la Missa Salisburgensis, una apabullante misa para 53 voces independientes.

El Requiem o Misa de difuntos es una cantata referida a la celebración litúrgica llevada a cabo justo antes del entierro de una o varias personas o en las ceremonias de recuerdo o conmemoración de su defunción. Su nombre proviene de las primeras palabras del Introito (primer movimiento de la cantata): Requiem æternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis («Concédeles el descanso eterno, Señor, y que brille para ellos la luz perpetua»). Hoy nos lo ofrece el Conjunto Regnis Liberec conducido por Kristýna Stoklasová.


Robert Schumann (1810-1856) fue un compositor alemán, uno de los pilares del romanticismo. Estudió piano, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su carrera pianística para centrarse en la composición. Se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones con un intento de suicidio en 1854. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, un poema dramático, Manfred, y una ópera.

La Sinfonía nº 1, “Primavera”, tuvo su estreno bajo la dirección de Felix Mendelssohn el 31 de marzo de 1841 en Leipzig. Antes de haber compuesto esta sinfonía, Schumann era extensamente conocido por sus obras para piano y voz. Clara lo motivó para escribir música sinfónica. El título "Primavera" fue otorgado, según el diario de Clara, por los poemas de primavera de Adolph Boettger; sin embargo, el propio Schumann expresó que la sinfonía está meramente inspirada en Liebesfrühling (Primavera de amor), colección de 12 lieder escrita por el matrimonio Schumann.

La Sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´06´´) ANDANTE UN POCO MAESTOSO – (2´06´´) ALLEGRO MOLTO VIVACE .-. II (9´23´´) LARGHETTO .-. III (16´07´´) SCHERZO: MOLTO VIVACE .-. IV (21´42´´) ALLEGRO ANIMATO E GRAZIOSO. Su realización nos la ofrece la Philharmonie Südwestfalen conducida por el maestro holandés Gerard Oskamp

Robert Schumann (1810-1856) fue un compositor alemán, uno de los pilares del romanticismo. Estudió piano, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su carrera pianística para centrarse en la composición. Se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones con un intento de suicidio en 1854. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (canciones); pero animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, un poema dramático, Manfred, y una ópera.

La Sinfonía nº 1, “Primavera”, tuvo su estreno bajo la dirección de Felix Mendelssohn el 31 de marzo de 1841 en Leipzig. Antes de haber compuesto esta sinfonía, Schumann era extensamente conocido por sus obras para piano y voz. Clara lo motivó para escribir música sinfónica. El título "Primavera" fue otorgado, según el diario de Clara, por los poemas de primavera de Adolph Boettger; sin embargo, el propio Schumann expresó que la sinfonía está meramente inspirada en Liebesfrühling (Primavera de amor), colección de 12 lieder escrita por el matrimonio Schumann.

La Sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´06´´) ANDANTE UN POCO MAESTOSO – (2´06´´) ALLEGRO MOLTO VIVACE .-. II (9´23´´) LARGHETTO .-. III (16´07´´) SCHERZO: MOLTO VIVACE .-. IV (21´42´´) ALLEGRO ANIMATO E GRAZIOSO. Su realización nos la ofrece la Philharmonie Südwestfalen conducida por el maestro holandés Gerard Oskamp


Georges Bizet (1838- 1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses del mismo  de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y  rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un referente del siglo XIX y un compositor brillante e imaginativo.

Pablo Sarasate (1844-1908) ) Fue un compositor y virtuoso del violín nacido en Iruña/Pamplona. Niño precoz al que sus padres, conscientes de las aptitudes musicales de su hijo, le formaron en el estudio del violín; estudios que amplió en Madrid y París. En 1859 comenzó su carrera pública dando conciertos por toda Europa y América manteniéndose activo hasta su muerte. Su prestigio universal quedó patente con la dedicatoria con la que encabezaron algunas de sus partituras eminentes compositores como Max Bruch, Camille Saint-Saëns, Édouard Lalo, Henryk Wieniawski, Antonín Dvořák … y algunos otros. Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz en 1908, a los 64 años de edad.

La Fantasía Carmen, Op. 25, de Pablo Sarasate, es una fantasía para violín y orquesta, sobre temas tomados de la ópera Carmen de Georges Bizet. La pieza contiene una adaptación de la Aragonesa, la Habanera, un Interludio, la Seguidilla y la Danza de gitanos. Hoy tenemos como artistas principales a Lilia Pocitari como violín solista y a Zubin Mehta como director.


Giacomo Puccini (1858-1924) fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Fue un visionario, creador de los conceptos de música que regirían el cine durante el siglo XX; para él, el uso de pasajes modales o recursos politonales y la tonalidad o la atonalidad eran cuestiones de efecto que estaban definidas por las necesidades dramáticas de la obra. Por ejemplo, en Tosca, la forma en que reemplaza el texto por pasajes musicales nos anticipa la acción que está por acontecer. Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa de Gloria, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi

La Bohème (La Bohemia) es una ópera en cuatro actos​ con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes simplificaron y aunaron los diferentes episodios de la novela por entregas Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger, publicada a lo largo de cinco años (1845-1849) en el periódico El Corsario. Refleja las experiencias del compositor durante los años que vivió como estudiante en el Conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.

El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896,​ dirigido por Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica; pero desde hace muchos años, La Bohème es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece, en estadísticas recientes (2005-2010), como la cuarta más representada en todo el mundo.​ En 1946, cincuenta años después de su estreno, el propio Toscanini dirigió nuevamente una representación, esta vez con la Orquesta Sinfónica de la NBC, versión que luego se publicó en disco y en disco compacto y que es la única grabación de una ópera de Puccini realizada por su director original.

Para la visualización de la presente ópera hemos contado con Marcelo Álvarez (Rodolfo), Natale de Carolis (Schaunard), Matteo Peirone (Benoit), Cristina Gallardo Domas (Mimí), Roberto Servile (Marcello), Giovanni Battista Parodi (Colline), Angelo Romero (Alcindoro), Hey-Kyung Hong (Musetta), Alberto Fraschina (Perpignol), Ernesto Panariello (Sergente dei doganieri), Tito Nava (Un doganiere), Antonio Novello (Un venditore), Coro di Voci Bianche del Teatro alla Scala e del Conservatorio “G. Verdi” di Milano, Alfonso Caiani (Maestro del Coro), Orchestra e Coro del Teatro alla Scala, Bruno Casoni (Maestro del Coro). Conducidos tod@s ell@s por Bruno Bartoletti.

Giacomo Puccini (1858-1924) fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Fue un visionario, creador de los conceptos de música que regirían el cine durante el siglo XX; para él, el uso de pasajes modales o recursos politonales y la tonalidad o la atonalidad eran cuestiones de efecto que estaban definidas por las necesidades dramáticas de la obra. Por ejemplo, en Tosca, la forma en que reemplaza el texto por pasajes musicales nos anticipa la acción que está por acontecer. Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa de Gloria, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi

La Bohème (La Bohemia) es una ópera en cuatro actos​ con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes simplificaron y aunaron los diferentes episodios de la novela por entregas Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger, publicada a lo largo de cinco años (1845-1849) en el periódico El Corsario. Refleja las experiencias del compositor durante los años que vivió como estudiante en el Conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.

El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896,​ dirigido por Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica; pero desde hace muchos años, La Bohème es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece, en estadísticas recientes (2005-2010), como la cuarta más representada en todo el mundo.​ En 1946, cincuenta años después de su estreno, el propio Toscanini dirigió nuevamente una representación, esta vez con la Orquesta Sinfónica de la NBC, versión que luego se publicó en disco y en disco compacto y que es la única grabación de una ópera de Puccini realizada por su director original.

Para la visualización de la presente ópera hemos contado con Marcelo Álvarez (Rodolfo), Natale de Carolis (Schaunard), Matteo Peirone (Benoit), Cristina Gallardo Domas (Mimí), Roberto Servile (Marcello), Giovanni Battista Parodi (Colline), Angelo Romero (Alcindoro), Hey-Kyung Hong (Musetta), Alberto Fraschina (Perpignol), Ernesto Panariello (Sergente dei doganieri), Tito Nava (Un doganiere), Antonio Novello (Un venditore), Coro di Voci Bianche del Teatro alla Scala e del Conservatorio “G. Verdi” di Milano, Alfonso Caiani (Maestro del Coro), Orchestra e Coro del Teatro alla Scala, Bruno Casoni (Maestro del Coro). Conducidos tod@s ell@s por Bruno Bartoletti.


Sugerencias de música para todos los gustos

Betty Carter (1929 - 1998) fue una cantante estadounidense de jazz. Se trata probablemente de la vocalista más innovadora de la historia del jazz, vinculada casi permanentemente a la vanguardia jazzística y con una tendencia constante a la improvisación y a la transgresión de los límites armónicos y melódicos de las canciones. Incluso de joven, Carter llevó un nuevo estilo vocal al jazz. La respiración de su voz era una característica que rara vez se escuchaba antes de su aparición en la escena musical. También era conocida por su pasión por el canto de scat (tipo de improvisación vocal, generalmente con palabras y sílabas sin sentido). En 1997 fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes por el presidente Bill Clinton; este premio fue uno de miles, pero Carter consideró esta medalla como la más importante que recibió en su vida.


Cat Stevens (Londres, 1948), es un cantautor, compositor y multi-instrumentista británico. Su álbum debut de 1967 ingresó en el Top 10 de éxitos en el Reino Unido, y la canción "Matthew and Son" logró ubicarse en la segunda posición en la lista UK Singles Chart. Sus álbumes de estudio Tea for the Tillerman (1970) y Teaser and the Firecat (1971) obtuvieron el certificado de triple platino por parte de la RIAA en los Estados Unidos. A lo largo de su trayectoria ha grabado álbumes en una gran variedad de géneros como el folk, el rock, el pop y la música islámica, convirtiéndose en un referente a nivel mundial de cada uno de ellos. En 2007 recibió el premio Ivor Novello por su "extraordinaria colección de canciones" y en 2014 fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll. ​

Cat Stevens (Londres, 1948), es un cantautor, compositor y multi-instrumentista británico. Su álbum debut de 1967 ingresó en el Top 10 de éxitos en el Reino Unido, y la canción "Matthew and Son" logró ubicarse en la segunda posición en la lista UK Singles Chart. Sus álbumes de estudio Tea for the Tillerman (1970) y Teaser and the Firecat (1971) obtuvieron el certificado de triple platino por parte de la RIAA en los Estados Unidos. A lo largo de su trayectoria ha grabado álbumes en una gran variedad de géneros como el folk, el rock, el pop y la música islámica, convirtiéndose en un referente a nivel mundial de cada uno de ellos. En 2007 recibió el premio Ivor Novello por su "extraordinaria colección de canciones" y en 2014 fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll. ​


Lola Índigo (Miriam Doblas Muñoz, Madrid, 1 de abril de 1992) es una cantante y bailarina española. ​Comenzó muy joven en el mundo artístico, destacando su faceta como bailarina y coreógrafa, llegando a participar en varios musicales en China y Los Ángeles. Con su primer sencillo, «Ya no quiero ná» alcanzó la certificación de doble disco de platino en diciembre de 2018, superando los nueve millones de reproducciones en Spotify y entrando en la lista de los cincuenta temas más virales del mundo; el videoclip acumula más de setenta millones de reproducciones en YouTube. Después, tras el éxito de su último álbum, la cantante junto a Prime Video, estrenaron el documental: Lola Índigo. La niña, el 13 de mayo de 2022 ​ El documental hace un repaso a la carrera y al éxito de la cantante.


Khaled (Orán,  Argelia,1960), antes Cheb Khaled (Cheb significa joven en árabe) es un cantante argelino de raï (género musical argelino). Desde pequeño expresaba su admiración por la música egipcia de Ulm Kalthum o el reggae de Bob Marley. Aprende canto, acordeón y a tocar una guitarra de fabricación casera (que en aquella época los niños fabricaban con una lata de aceite para coches y cables de frenos de bicicleta) y debuta conforme a la tradición tocando en fiestas de circuncisión y bodas. Con catorce años, aprendió por su cuenta a tocar la verdadera guitarra, el bajo, el acordeón y la armónica. Con 16 años (1976) deja el colegio y graba su primer álbum: Trigue Lissi (El camino al instituto), donde hace apología de hacer novillos.

Cheb Khaled se convierte en una estrella en Argelia sin haber pasado nunca por la radio, ni por los programas de televisión, ni por ningún conservatorio de música. Sus temas raï trataban sobre las mujeres y el alcohol, debido a lo cual se prohibió su radiodifusión. En los años siguientes, Cheb Khaled se ganaba la vida actuando en bodas y cabarets. A comienzos de los ochenta conoció al productor Rachid Baba Ahmed que le introdujo en los sonidos electrónicos de la música occidental y en 1989 se instala en Francia desde donde sacaría al mercado distintas grabaciones con las que se acerca al jazz y al pop y en ocasiones, al rock, al funk y a la música egipcia

Khaled (Orán,  Argelia,1960), antes Cheb Khaled (Cheb significa joven en árabe) es un cantante argelino de raï (género musical argelino). Desde pequeño expresaba su admiración por la música egipcia de Ulm Kalthum o el reggae de Bob Marley. Aprende canto, acordeón y a tocar una guitarra de fabricación casera (que en aquella época los niños fabricaban con una lata de aceite para coches y cables de frenos de bicicleta) y debuta conforme a la tradición tocando en fiestas de circuncisión y bodas. Con catorce años, aprendió por su cuenta a tocar la verdadera guitarra, el bajo, el acordeón y la armónica. Con 16 años (1976) deja el colegio y graba su primer álbum: Trigue Lissi (El camino al instituto), donde hace apología de hacer novillos.

Cheb Khaled se convierte en una estrella en Argelia sin haber pasado nunca por la radio, ni por los programas de televisión, ni por ningún conservatorio de música. Sus temas raï trataban sobre las mujeres y el alcohol, debido a lo cual se prohibió su radiodifusión. En los años siguientes, Cheb Khaled se ganaba la vida actuando en bodas y cabarets. A comienzos de los ochenta conoció al productor Rachid Baba Ahmed que le introdujo en los sonidos electrónicos de la música occidental y en 1989 se instala en Francia desde donde sacaría al mercado distintas grabaciones con las que se acerca al jazz y al pop y en ocasiones, al rock, al funk y a la música egipcia


Sugerencias de videos peculiares

Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo, el serialismo o el jazz. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego; Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos.

Durante su estancia en París, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). También escribió para diversos tipos de conjuntos y géneros desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz, alcanzando gran fama no sólo como compositor, sino también como pianista y director. Según la revista Time  fue una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Le Sacre du printemps (La consagración de la primavera) es un ballet de Stravinski escrito para la temporada 1913 en París de la compañía Ballets Rusos; la coreografía original fue de Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Su estreno en el Teatro de los Campos Elíseos, causó sensación y disturbios en la audiencia debido al carácter vanguardista de la música y de la coreografía. El concepto que desarrolla Roerich desde la idea de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes». La obra describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte. Hoy nos la ofrecen el Ballet y Orquesta del Teatro Mariinsky bajo la batuta del maestro Valery Gergiev.


Franz Lehár (Komárno, Imperio austrohúngaro, actualmente Eslovaquia, 1870 - 1948)​ fue un compositor austrohúngaro, principalmente conocido por sus operetas. Aunque Lehár era húngaro, compuso la mayoría de sus obras en Austria. Compositor vanguardista, padre del impresionismo alemán, alcanzó su fama gracias a la hoy consagrada obra La viuda alegre, opereta de carácter bufo dividida en tres actos que gustó tanto al público como a la crítica por igual, despertando la curiosidad de un avanzado en edad Richard Wagner, que aseguró que «si había algún futuro en la música alemana, éste se hallaba sin ninguna duda en las manos del joven Franz»

Die lustige Witwe (La Veuve Joyeuse, La Viuda Alegre) es una opereta en tres actos con música de Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basado en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac. Su trama argumental gira alrededor de una rica viuda natural de un pequeño principado y del intento de sus paisanos de evitar que su patrimonio salga del país encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género.

Hoy ofrecemos el vals perteneciente a dicha opereta C’est la Valse ecoutez en la voz del tenor español José Villamor acompañado con la coreografía oportuna.

Franz Lehár (Komárno, Imperio austrohúngaro, actualmente Eslovaquia, 1870 - 1948)​ fue un compositor austrohúngaro, principalmente conocido por sus operetas. Aunque Lehár era húngaro, compuso la mayoría de sus obras en Austria. Compositor vanguardista, padre del impresionismo alemán, alcanzó su fama gracias a la hoy consagrada obra La viuda alegre, opereta de carácter bufo dividida en tres actos que gustó tanto al público como a la crítica por igual, despertando la curiosidad de un avanzado en edad Richard Wagner, que aseguró que «si había algún futuro en la música alemana, éste se hallaba sin ninguna duda en las manos del joven Franz»

Die lustige Witwe (La Veuve Joyeuse, La Viuda Alegre) es una opereta en tres actos con música de Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basado en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac. Su trama argumental gira alrededor de una rica viuda natural de un pequeño principado y del intento de sus paisanos de evitar que su patrimonio salga del país encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género.

Hoy ofrecemos el vals perteneciente a dicha opereta C’est la Valse ecoutez en la voz del tenor español José Villamor acompañado con la coreografía oportuna.


La expresión Danza Africana hace referencia a numerosos tipos de danzas africanas que se dan en la porción de África al sur del Sahara; danzas muy relacionadas con las tradiciones musicales, el concepto de poliritmo y la articulación total del cuerpo; danzas que interpretan patrones sociales y valores que ayudan a las personas a trabajar, madurar, rezar y criticar a miembros de la comunidad a la vez que contribuyen en la celebración de festivales y funerales y a un acercamiento a los dioses, promoviendo, en general, la participación de los espectadores en la misma expresión artística. La danza tradicional en África es un elemento que expresa más la vida de la comunidad que la de los individuos o parejas.


El violín (del italiano violino, diminutivo de viola) es un instrumento de la familia de cuerdas frotadas; es el más pequeño y agudo entre los de su clase y se compone de una caja de resonancia en forma de 8, un mástil sin trastes y cuatro cuerdas que se hacen sonar con un arco. Además del efecto logrado por el arco sobre las cuerdas, se pueden conseguir otros efectos: pizzicato (pellizcando las cuerdas), trémolo (moviendo el arco arriba y abajo muy rápido), vibrato (oscilando ligeramente los dedos sobre las cuerdas), glissando (deslizando los dedos de una posición a otra), col legno (tocando con la parte de madera del arco), sul ponticello (tocando cerca del puente), sul tasto (tocando sobre el diapasón), etcétera. Las partituras para violín usan la clave de sol, llamada antiguamente «clave de violín».

El violín (del italiano violino, diminutivo de viola) es un instrumento de la familia de cuerdas frotadas; es el más pequeño y agudo entre los de su clase y se compone de una caja de resonancia en forma de 8, un mástil sin trastes y cuatro cuerdas que se hacen sonar con un arco. Además del efecto logrado por el arco sobre las cuerdas, se pueden conseguir otros efectos: pizzicato (pellizcando las cuerdas), trémolo (moviendo el arco arriba y abajo muy rápido), vibrato (oscilando ligeramente los dedos sobre las cuerdas), glissando (deslizando los dedos de una posición a otra), col legno (tocando con la parte de madera del arco), sul ponticello (tocando cerca del puente), sul tasto (tocando sobre el diapasón), etcétera. Las partituras para violín usan la clave de sol, llamada antiguamente «clave de violín».


Sugerencias de música para niñ@s

Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.

Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.