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Manuel Pareja-Obregón (1933- 1995) fue un músico y compositor sevillano. Entre sus composiciones destacan las sevillanas y los fandangos de Huelva, habiendo participado en la introducción de la música popular andaluza en la cultura de masas, siendo introductor de arreglos orquestales donde antes sólo sonaban la guitarra y los palillos. Fue autor de unas 3000 obras para un numeroso grupo de famosos artistas de los escenarios españoles; en 1987 fundó la escuela de tamborileros en la aldea de El Rocío conocidos después como los Tamborileros de Nuestra Señora del Rocío. Murió en Sevilla a los 62 años a causa de una leucemia que le había tenido los dos últimos meses de su vida ingresado en el Hospital . Fue incinerado y sus cenizas esparcidas en la aldea de El Rocío.

La Salve Rociera es la salve que se le canta a La Virgen del Rocío, en el Santuario de El Rocío en Almonte (Huelva). El Rocío, como tradicionalmente se llama al conjunto de la romería, es un fenómeno entre religioso y folclórico, que mueve a más de un millón de personas en los días de celebración en el mes de mayo o junio (según la fiesta variable de Pentecostés) que acuden a la ermita a venerar a la Virgen. Fue precisamente para la Romería de El Rocío, la Salve Rociera que Manuel Pareja-Obregón compuso, también conocida como Salve a la Virgen del Rocío o Salve del olé, con letra de Rafael de León. Hoy la presentamos en versión de Siempre Así, grupo sevillano de música popular, acompañado por Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, todos ell@s bajo la dirección del maestro inglés John Richard Durant.


Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.

La Sonata Nº 14 op 27 nº 2 de Beethoven popularmente conocida como “Claro de luna” es una de sus obras más famosas junto con “Para Elisa” y las sinfonías quinta y novena. Fue compuesta en 1801 y publicada al año siguiente en Viena; consta de tres movimientos que rompen el modelo tradicional del modo siguiente: I Adagio sostenuto (lento), II Allegretto (bastante rápido) III Presto agitato (muy rápido). Hoy presentamos el primer movimiento al que Hector Berlioz llamó "lamento" añadiendo que «el Adagio es uno de esos poemas que el lenguaje humano no acierta a calificar». Carl Czerny, lo llamó «una escena nocturna, en la que una lastimera voz fantasmal suena en la distancia». La interpretación de hoy corre a cargo de Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.

La Sonata Nº 14 op 27 nº 2 de Beethoven popularmente conocida como “Claro de luna” es una de sus obras más famosas junto con “Para Elisa” y las sinfonías quinta y novena. Fue compuesta en 1801 y publicada al año siguiente en Viena; consta de tres movimientos que rompen el modelo tradicional del modo siguiente: I Adagio sostenuto (lento), II Allegretto (bastante rápido) III Presto agitato (muy rápido). Hoy presentamos el primer movimiento al que Hector Berlioz llamó "lamento" añadiendo que «el Adagio es uno de esos poemas que el lenguaje humano no acierta a calificar». Carl Czerny, lo llamó «una escena nocturna, en la que una lastimera voz fantasmal suena en la distancia». La interpretación de hoy corre a cargo de Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991.


Negro Espiritual es un tipo de canto cristiano, que surgió a finales del siglo XVIII y se desarrolló a comienzos del siglo XIX, en USA. El movimiento del resurgimiento religioso que se extendió por las colonias británicas en USA a comienzos del siglo XVIII, popularizó no sólo los salmos y los himnos cristianos, sino también otro tipo de cánticos espirituales menos tradicionales, que eran cantados en las iglesias del Sur tanto por negros como por blancos y así fueron creando un cancionero propio; en un primer momento, un cancionero muy relacionado con los cantos de trabajo de origen africano, usualmente en forma de llamada y respuesta, con inflexiones, sílabas extendidas y cuartos de tono. Los espirituales son cantos, en cualquier caso, colectivos, con independencia de que existan voces solistas.

El espiritual  Joshua Fit The Battle Of Jericho  parece que fue una canción de los esclavos estadounidenses de principios del siglo XIX y que ha perdurado con gran popularidad hasta nuestros días. Hoy lo podemos visionar en interpretación de Delta Rhythm Boys que fue un conjunto del siglo pasado formado por un cuarteto vocal y un pianista; sus contundentes éxitos perduraron más de 50 años ininterrumpidos.


Richard Galliano (Cannes 1950) es un compositor musical y acordeonista franco-italiano de jazz. Comenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que le introdujo en el mundo del jazz. Siguió sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, dirigido entonces por el organista Pedro Cochereau. Allí tomó clases de contrapunto, armonía y trombón. En 1983, Astor Piazzolla invita a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa con música del mismo Piazzolla. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Astor Piazzolla en 1992.

El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento. Hoy la acordeonista gipuzkoana Idoia Laburu nos ofrece la pequeña composición de Galiano, Fou rire.

Richard Galliano (Cannes 1950) es un compositor musical y acordeonista franco-italiano de jazz. Comenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que le introdujo en el mundo del jazz. Siguió sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, dirigido entonces por el organista Pedro Cochereau. Allí tomó clases de contrapunto, armonía y trombón. En 1983, Astor Piazzolla invita a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa con música del mismo Piazzolla. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Astor Piazzolla en 1992.

El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento. Hoy la acordeonista gipuzkoana Idoia Laburu nos ofrece la pequeña composición de Galiano, Fou rire.


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Joaquín Rodrigo 1901-1999) Fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez a partir del que sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento un denominador común: la claridad, delicadeza y distinción de su música.

El Concierto Andaluz es una obra del compositor español Joaquín Rodrigo para cuatro guitarras y orquesta compuesta en 1967, por encargo de Celedonio Romero. El estreno fue interpretado por la Orquesta Sinfónica de San Antonio, el cuarteto de guitarras Los Romeros, dirigidos todos ellos por Víctor Alessandro. Tuvo lugar en San Antonio, Texas, el 18 de noviembre de 1967. El concierto está articulado en tres movimientos: I (0´16´´) TIEMPO DE BOLERO .-. II (9´05´´) ADAGIO-ALLEGRO-ADAGIO III (19´09´´) ALLEGRETTO-ALLEGRO-ALLEGRETTO. Hoy nos lo ofrece el cuarteto de guitarras formado por Nick y David Kvaratskhelia, Peter Ernst y Christopher Brandt, acompañados por la Philharmonie Merck y conducid@s tod@s por Wolfgang Heinzel


Carl Philipp Emanuel Bach  (1714-1788) fue un clavecinista y compositor alemán, segundo hijo del primer matrimonio de Johann Sebastian Bach con quien estudió clavecín, interpretación y composición, fue uno de los fundadores del Clasicismo. En 1738 entró a formar parte de la Corte de Federico el Grande. Al no sentirse suficientemente apreciado, abandonó la Corte para trasladarse a Zittau y más tarde a Leipzig. En 1768, tras la muerte de Telemann, le sucedió a éste en el cargo de Maestro de Capilla de Hamburgo, donde residió hasta su fallecimiento en 1788. A lo largo de su carrera escribió numerosas obras para teclado, unas doscientas obras de cámara, diecinueve sinfonías, quince conciertos para distintos instrumentos, varias canciones e himnos, dos oratorios y veinte pasiones.

Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado entre 1750 y 1820 por compositores como C.P.E. Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y otr@s ilustres compositores. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada Neoclasicismo. Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto, concierto...). Hoy ofrecemos el Concierto para piano en Re M de C.P.E. Bach, interpretado por Anastasia Injushina, pianista rusa que estudió en el Conservatorio de San Petersburgo y ha realizado notables actuaciones tanto como solista como integrante de pequeños grupos de cámara y ha sido invitada por importantes Festivales Internacionales.

Carl Philipp Emanuel Bach  (1714-1788) fue un clavecinista y compositor alemán, segundo hijo del primer matrimonio de Johann Sebastian Bach con quien estudió clavecín, interpretación y composición, fue uno de los fundadores del Clasicismo. En 1738 entró a formar parte de la Corte de Federico el Grande. Al no sentirse suficientemente apreciado, abandonó la Corte para trasladarse a Zittau y más tarde a Leipzig. En 1768, tras la muerte de Telemann, le sucedió a éste en el cargo de Maestro de Capilla de Hamburgo, donde residió hasta su fallecimiento en 1788. A lo largo de su carrera escribió numerosas obras para teclado, unas doscientas obras de cámara, diecinueve sinfonías, quince conciertos para distintos instrumentos, varias canciones e himnos, dos oratorios y veinte pasiones.

Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado entre 1750 y 1820 por compositores como C.P.E. Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y otr@s ilustres compositores. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada Neoclasicismo. Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto, concierto...). Hoy ofrecemos el Concierto para piano en Re M de C.P.E. Bach, interpretado por Anastasia Injushina, pianista rusa que estudió en el Conservatorio de San Petersburgo y ha realizado notables actuaciones tanto como solista como integrante de pequeños grupos de cámara y ha sido invitada por importantes Festivales Internacionales.


Sergey Taneyev (1856-1915) fue un pianista y compositor ruso. A los 10 años ingresó en el Conservatorio de Moscú, donde fue alumno de Chaikovsky. A los 19 años comenzó su carrera como concertista de piano y estrenó los dos primeros conciertos para piano de Chaikovsky; fue profesor en el Conservatorio de Moscú donde tuvo como alumnos a Scriabin, Rajmáninov, y Glière entre otros; compuso distintas obras de cámara, cuatro sinfonías, una suite concertante para violín y orquesta (que hoy ofrecemos), un concierto para piano y orquesta y otras obras orquestales, además de dos cantatas y una ópera, Oresteia a la que Taneyev consideraba como su mejor composición.

La Suite de Concierto o suite concertante para violín y orquesta de Taneyev está escrita en cinco movimientos llenos de interés y de contrastes estructurales y melódicos en los que la orquesta arropa el protagonismo del violín obteniendo como resultado  una música relajada y placentera. Sus movimientos son: I (0´4´´) PRELUDIO .-. II (7´ 30´´) GAVOTA .-. III (13´27´´) CUENTO DE HADAS .-. IV (21´49´´) TEMA Y VARIACIONES .-. V (36´43´´) TARANTELA . Annelle Kazumi Gregory es una violinista estadounidense laureada con importantes premios internacionales y especializada en música de autores rusos. Ha actuado como solista con las principales orquestas americanas y europeas; hoy la tenemos como solista acompañada por la Kiev Virtuosi Symphony Orchestra dirigid@s tod@s por Dmitry Yablonsky.


Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense, fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus variadas y exquisitas composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

Chichester Psalms (Salmos de Chichester) es una composición coral, articulada en tres movimientos, de Leonard Bernstein para niño tiple, coro y orquesta. El texto fue extraído por el compositor del Libro de los Salmos en el hebreo original. El PRIMER MOVIMIENTO (0´26´´) usa los Salmos 100 y 108, “Aclamad con júbilo al Señor, todas las tierras. Servid al Señor con alegría ...” El SEGUNDO MOVIMIENTO (3´58´´) usa el 2 y el 23, “El Señor es mi pastor, nada me faltará ...” El TERCER MOVIMIENTO (9´50´´) usa el 131 y el 133   “... Confía Israel en el Señor desde ahora y para siempre”. La obra se estrenó en el Philharmonic Hall de Nueva York el 15 de julio de 1965, bajo la dirección del compositor. Hoy lo ofrecemos con Markus Baur como tiple solista, el Coro y Orquesta  Filarmónicos de Poznan conducidos por el mismo Bernstein.

Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense, fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus variadas y exquisitas composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.

Chichester Psalms (Salmos de Chichester) es una composición coral, articulada en tres movimientos, de Leonard Bernstein para niño tiple, coro y orquesta. El texto fue extraído por el compositor del Libro de los Salmos en el hebreo original. El PRIMER MOVIMIENTO (0´26´´) usa los Salmos 100 y 108, “Aclamad con júbilo al Señor, todas las tierras. Servid al Señor con alegría ...” El SEGUNDO MOVIMIENTO (3´58´´) usa el 2 y el 23, “El Señor es mi pastor, nada me faltará ...” El TERCER MOVIMIENTO (9´50´´) usa el 131 y el 133   “... Confía Israel en el Señor desde ahora y para siempre”. La obra se estrenó en el Philharmonic Hall de Nueva York el 15 de julio de 1965, bajo la dirección del compositor. Hoy lo ofrecemos con Markus Baur como tiple solista, el Coro y Orquesta  Filarmónicos de Poznan conducidos por el mismo Bernstein.


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Big Band. La expresión en inglés Big Band (literalmente, gran banda) hace referencia a un grupo amplio de músicos de jazz que tocan conjuntamente. Como regla general, aunque no exista un único formato de Big Band, habitualmente se compone de tres secciones: maderas (reeds), metales (horn section) y ritmo. La sección de maderas, suele estar formada por cuatro o más saxofones (normalmente un alto, dos tenores y un barítono), que alternan usualmente con otros instrumentos como clarinete y flauta. La de metales incluye, al menos, tres o cuatro trompetas, y dos o más trombones (incluyendo en ocasiones un trombón bajo). Finalmente, la sección rítmica de acompañantes está compuesta por alguna combinación de piano, guitarra, bajo y batería. Por tanto, un total de entre 12 y 17 miembros.

Gerry Mulligan (1927-1996) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista barítono, arreglista y una de las figuras legendarias del saxo jazzístico, además de uno de los principales representantes del cool. Mulligan comenzó como pianista antes de aprender a tocar el clarinete y los distintos tipos de saxofones. Con todo, su reputación fue inicialmente como arreglista. Su primera interpretación notable como saxo barítono la realizó con el grupo de Miles Davis. En los noventa, estuvo de gira con su propio cuarteto y lideró la "Rebirth of the Cool Band", tocando y grabando varios clásicos del noneto de Miles Davis. Hoy ofrecemos el concierto ofrecido por Gerry Mulligan con su Big Band en el Festival de Jazz del Mar del Norte de los Países Bajos.


Alberto Barros (1957), apodado "El Titán de la Salsa", es uno de los artistas más representativos de la música colombiana a nivel internacional, artista que tiene una amplia trayectoria como productor musical, compositor, arreglista, trombonista y cantante. Con tan solo 14 años comenzó sus estudios de música en el Conservatorio de la Universidad del Atlántico, posteriormente viajó a la Medellín para desarrollar sus estudios de armonía y orquestación. En el año 2017 es nominado a la 18a. entrega del Latín Grammy Awards como "Mejor álbum de salsa". Anteriormente, Barros había sido nominado siete veces al “Grammy Latino”  habiendo ganado tres de ellas. Ha grabado siete producciones de los Tributos a la Salsa Colombiana y cuatro Tributos a la Cumbia Colombia, de los que hoy presentamos el nº 1.

La Cumbia es un ritmo musical y baile folclórico tradicional de Colombia. Posee contenidos de tres vertientes culturales: indígena, africana y, en menor medida, blanca (española), fruto del largo mestizaje entre estas culturas. En la música están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (caña de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española. En cuanto al baile, es de destacar la presencia de movimientos sensuales, galantes y seductores, característicos de los bailes de origen africano. Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blanco, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.

Alberto Barros (1957), apodado "El Titán de la Salsa", es uno de los artistas más representativos de la música colombiana a nivel internacional, artista que tiene una amplia trayectoria como productor musical, compositor, arreglista, trombonista y cantante. Con tan solo 14 años comenzó sus estudios de música en el Conservatorio de la Universidad del Atlántico, posteriormente viajó a la Medellín para desarrollar sus estudios de armonía y orquestación. En el año 2017 es nominado a la 18a. entrega del Latín Grammy Awards como "Mejor álbum de salsa". Anteriormente, Barros había sido nominado siete veces al “Grammy Latino”  habiendo ganado tres de ellas. Ha grabado siete producciones de los Tributos a la Salsa Colombiana y cuatro Tributos a la Cumbia Colombia, de los que hoy presentamos el nº 1.

La Cumbia es un ritmo musical y baile folclórico tradicional de Colombia. Posee contenidos de tres vertientes culturales: indígena, africana y, en menor medida, blanca (española), fruto del largo mestizaje entre estas culturas. En la música están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (caña de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española. En cuanto al baile, es de destacar la presencia de movimientos sensuales, galantes y seductores, característicos de los bailes de origen africano. Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blanco, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.


Birkin Jane (Londres 1946) es una cantante y actriz anglo-francesa. Después de sus inicios cinematográficos en Inglaterra, a finales de los sesenta se establece en Francia gracias al apoyo del que sería su socio, el cantante, compositor y director de cine Serge Gainsbourg. Su presentación en París la hizo precisamente con canciones de Gainsbourg escritas para ella, canciones que se irían sumando a lo largo de su carrera. Hoy asistimos a un recital público acompañada por la Orquesta Sinfónica Lamoureux bajo la batuta del maestro Didier Benetti.


La Niña de La Puebla (Dolores Jiménez Alcántara, 1908-1999) fue una actriz y una de las cantaoras más grandes de flamenco que ha habido. A los tres días de nacer perdió su vista por un desgraciado accidente. Con ocho años comenzó a recibir enseñanza especial y musical. Según sus propias declaraciones decidió dedicarse al cante profesional cuando oyó cantar al Niño de Marchena. A los 20 años actuó por primera vez en un festival de Morón de la Frontera, tras lo que su carrera empezaría plena de éxitos. Estuvo casada con otro notable cantaor, Luquitas de Marchena (1913-1965) y de este matrimonio nacieron otros dos conocidos artistas del folklore andaluz: Adelfa Soto y Pepe Soto. Realizó numerosas giras por todo el estado y trabajó con las figuras más importantes del momento.

La Niña de La Puebla (Dolores Jiménez Alcántara, 1908-1999) fue una actriz y una de las cantaoras más grandes de flamenco que ha habido. A los tres días de nacer perdió su vista por un desgraciado accidente. Con ocho años comenzó a recibir enseñanza especial y musical. Según sus propias declaraciones decidió dedicarse al cante profesional cuando oyó cantar al Niño de Marchena. A los 20 años actuó por primera vez en un festival de Morón de la Frontera, tras lo que su carrera empezaría plena de éxitos. Estuvo casada con otro notable cantaor, Luquitas de Marchena (1913-1965) y de este matrimonio nacieron otros dos conocidos artistas del folklore andaluz: Adelfa Soto y Pepe Soto. Realizó numerosas giras por todo el estado y trabajó con las figuras más importantes del momento.


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Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.

Sylvia, originalmente Sylvia ou La Nymphe de Diane (“Sylvia o la ninfa de Diana”) es un ballet en tres actos, con coreografía de Louis Mérante y música de Léo Delibes, estrenado el 14 de junio de 1876 en París. Sylvia es un notable ballet clásico, con unas peculiaridades que lo hacen único por el escenario mitológico de la Arcadia, sus creativas coreografías, su amplia escenografía, su gran influencia en las artes y, sobre todo, su notable partitura. Cuando Sylvia fue estrenada el 14 de junio de 1876 en el Palais Garnier, fue ignorada ampliamente; fue con su recuperación en 1952, con una coreografía nueva de Sir Frederick Ashton, cuando se popularizó. Hoy ofrecemos el ballet entero con Marie-Agnès Gillot, José Martínez y el Ballet de la Ópera Nacional de París.


Amilcare Ponchielli  (1834-1886) fue un compositor italiano nacido en  Paderno Fasolaro (hoy Paderno Ponchielli), Cremona. Comenzó a estudiar con su padre, que era organista y a los nueve años ingresó en el Conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue maestro director de las Bandas Municipales de Piacenza y Cremona, y para ellas compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado Maestro de Capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán. Entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Sus óperas, representadas con mucho éxito, son óperas italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet e importante participación del coro.

Su obra más conocida es la ópera La Gioconda, de la que hoy ofrecemos su pieza más conocida, la Danza de las Horas, un ballet miniatura romántico que es más conocido, incluso, que la ópera de la que proviene. Dicho ballet fue utilizado por Walt Disney en su película Fantasía, para hacer bailar a elefantes, avestruces, cocodrilos e hipopótamos con tutú.

Amilcare Ponchielli  (1834-1886) fue un compositor italiano nacido en  Paderno Fasolaro (hoy Paderno Ponchielli), Cremona. Comenzó a estudiar con su padre, que era organista y a los nueve años ingresó en el Conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue maestro director de las Bandas Municipales de Piacenza y Cremona, y para ellas compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado Maestro de Capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán. Entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Sus óperas, representadas con mucho éxito, son óperas italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet e importante participación del coro.

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Artes marciales chinas. A lo largo de los siglos en China se han desarrollado cientos de estilos de lucha que tienen sus propias escuelas de artes marciales con ejercicios físicos inspirados en los movimientos de determinados animales o en antiguas creencias chinas. Su origen data de hace más de 4000 años como modo de autodefensa frente al ataque de otros pueblos, para la que la lucha cuerpo a cuerpo era inevitable y el entrenamiento militar, indispensable. Hoy, convertido en asombroso espectáculo artístico, podemos visionar los movimientos de miles de jóvenes con una precisión y sincronización milimétrica, jóvenes de Henan Shaolin Tagou Martial Arts SCHOOL, la escuela de Kung Fu más grande del mundo, ubicada en la provincia de Henan, en el área del templo Songshan Shaolin.c


Kukai Dantza es una compañía que nace y reside en Errenteria (Guipúzcoa-País Vasco), creada por iniciativa del bailarín y coreógrafo Jon Maia Sein, en el año 2001. Teniendo como sello la creación contemporánea a partir de la danza tradicional, ha creado numerosos espectáculos y colaboraciones de éxito. Ha impulsado encuentros con numerosos lenguajes artísticos (teatro, cine, artes plásticas, arquitectura, gastronomía…) y sus espectáculos se han representado en teatros y festivales de más de veinticinco países, habiendo recibido destacados premios: Premio Nacional de Danza 2017, PREMIOS MAX a las artes escénicas 2009, 2015, 2017 y 2019, Premio de la Critica de Catalunya 2016, Premio Donostia de Teatro, Premios en Festivales Internacionales de Huesca, Valladolid, Premio de Honor Umore Azoka…

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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.