El 17 de Junio de 1882 nace Stravinsky

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Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida compuso una gran cantidad de obras abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo. Eventualmente, el futuro musical de Stravinski fue encaminado por Serguéi Diáguilev, director de los Ballets Rusos en París, quien contrató a Stravinski para escribir un ballet para su compañía, que sería El pájaro de fuego; Stravinski dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir en París a su estreno por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimski-Kórsakov de quien fue alumno, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinski mencionó acerca de sus estrenos, su intención era «mandar todo al demonio» (y lo logró: el estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Para muchos, estos ballets atrevidos e innovadores prácticamente reinventaron el género. Posteriormente viaja a USA en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945 y donde continuó viviendo en hasta su muerte en 1971. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz; pero no sólo alcanzó fama como compositor, sino que ésta le siguió además como pianista y director, frecuentemente, de sus propias composiciones. Fue esencialmente un ruso cosmopolita, uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal; así mismo fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, pero principalmente de las ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). Seis estilos musicales principales dejaron su impronta en el tango: el tango andaluz, la habanera cubana, el candombe, la milonga, la mazurca y la polka europea. El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí. Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). El 30 de septiembre de 2009, la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.


Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en  Viena a los 35 años.

La Flauta mágica es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito  por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales. El aria Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (“La venganza del infierno hierve en mi corazón”), hoy ofrecida por la soprano de coloratura francesa Patricia Petibon, pertenece al segundo acto de la ópera La Flauta mágica en el que la Reina de la Noche expresa su ira y su afán de venganza.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en  Viena a los 35 años.

La Flauta mágica es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito  por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en la encarnación de los personajes, en el desarrollo de la acción y hasta en las estructuras musicales. El aria Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (“La venganza del infierno hierve en mi corazón”), hoy ofrecida por la soprano de coloratura francesa Patricia Petibon, pertenece al segundo acto de la ópera La Flauta mágica en el que la Reina de la Noche expresa su ira y su afán de venganza.


Alfredo Kraus (1927-1999) fue un tenor y profesor de canto español, considerado uno de los mejores tenores líricos ligeros de la segunda mitad del siglo XX. Su personaje más conocido fue Werther, de la ópera homónima de Jules Massenet. De madre española y padre austriaco, Kraus inició sus estudios musicales con lecciones de piano a los cuatro años de edad, y cantando en el coro de la parroquia Corazón de María, a los ocho. Debutó internacionalmente en el Teatro Real de El Cairo en 1956 con el papel del Duque de Mantua en la ópera Rigoletto, de Verdi; también fue un destacado intérprete de zarzuela. Recibió el Premio Canarias de Bellas Artes e Interpretación en 1985, y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1991. El Ayuntamiento de Bilbao le puso su nombre a una plaza en el barrio de Rekalde.

Hoy podemos asistir a la colección de canciones napolitanas de distintos autores italianos que nos ofrece, en la que podemos disfrutar de su delicada voz y brillante técnica.


José Antonio Donostia o Aita Donostia, en castellano Padre Donostia (1886-1956) fue un escritor, compositor, musicólogo y organista donostiarra, que comenzó sus estudios musicales en 1896 en la población de Lekaroz (Nafarroa). A los diez años ingresó como alumno en el Seminario de Lekaroz. En 1908, tras hacerse sacerdote, amplió su formación musical en Barcelona y en los años 1920 y 21 los perfeccionó en París con Eugenio Cools. En 1932 llegó a ser euskaltzain, es decir, miembro de la Real Academia de la Lengua Vasca (Euskaltzaindia). Como compositor produjo abundante música de cámara, piezas de órgano, numerosas obras corales, melodías y canciones con piano, que le aportaron merecido renombre. Como folclorista recogió más de un millar de canciones populares vascas.

Oñazez (dolor), preludio para piano nº 6, “reproduce la melodía de una canción popular tradicional de encantadora belleza y sencillez en su melodía. Su armonización es novedosa pero adecuada a la línea. Presenta dificultades pianísticas ajenas al virtuosismo tradicional y, a pesar de encontrar en ella variadas influencias estilísticas, mantiene el sello personal del compositor y el perfil del folklore vasco” (Taringa). Hoy nos la ofrece la catedrática de piano de la Universidad de San Juan, Argentina, Ana Inés Aguirre.

José Antonio Donostia o Aita Donostia, en castellano Padre Donostia (1886-1956) fue un escritor, compositor, musicólogo y organista donostiarra, que comenzó sus estudios musicales en 1896 en la población de Lekaroz (Nafarroa). A los diez años ingresó como alumno en el Seminario de Lekaroz. En 1908, tras hacerse sacerdote, amplió su formación musical en Barcelona y en los años 1920 y 21 los perfeccionó en París con Eugenio Cools. En 1932 llegó a ser euskaltzain, es decir, miembro de la Real Academia de la Lengua Vasca (Euskaltzaindia). Como compositor produjo abundante música de cámara, piezas de órgano, numerosas obras corales, melodías y canciones con piano, que le aportaron merecido renombre. Como folclorista recogió más de un millar de canciones populares vascas.

Oñazez (dolor), preludio para piano nº 6, “reproduce la melodía de una canción popular tradicional de encantadora belleza y sencillez en su melodía. Su armonización es novedosa pero adecuada a la línea. Presenta dificultades pianísticas ajenas al virtuosismo tradicional y, a pesar de encontrar en ella variadas influencias estilísticas, mantiene el sello personal del compositor y el perfil del folklore vasco” (Taringa). Hoy nos la ofrece la catedrática de piano de la Universidad de San Juan, Argentina, Ana Inés Aguirre.


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La Cantata es una pieza musical escrita para ser “cantada”, por una o más voces solistas con acompañamiento instrumental, articulada generalmente por varios movimientos y en ocasiones, con un coro. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, nace hacia finales del siglo XVII compuesto para voz solista sobre un texto profano, mientras la cantata religiosa se creó para ritos religiosos. Estas cantatas  estaban generalmente articuladas con un coro inicial en que las sopranos iniciaban el tema musical, completado por una sucesión de arias, recitativos y corales, a veces con pasajes de instrumentos solistas que tocaban la melodía preparada para la voz. La diferencia fundamental con el oratorio es que éste tiene un argumento que lo sustenta.

Las bodas (en francés, Les noces; en ruso, Свадебка, Svádebka) es una cantata bailada o ballet con solistas con música de Ígor Stravinski. Como ballet se estrenó el 13 de junio de 1923 en el Théâtre de la Gaîté en París, por los Ballets Rusos. Stravinski concibió por vez primera escribir esta cantata en 1913 y lo terminó en una partitura abreviada para octubre de 1917. Durante el largo período de gestación, cambió drásticamente la orquestación; al principio concebida para una orquesta sinfónica ampliada, debido a diversos incidentes, terminó estableciendo la siguiente dotación: soprano, mezzosoprano, tenor, y bajo solistas, coro mixto y dos grupos de Instrumentos de percusión, incluyendo cuatro pianos. La versión de hoy está conducida por el eminente maestro ruso Valeri Guérguiev (1953).


Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX. Desde su llegada a USA, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana y así su Sinfonía del Nuevo Mundo, que hoy sugerimos; su éxito fue total desde el mismo estreno de la obra que fue recibida con una total adhesión lo mismo en USA que en Europa;  sus temas fueron ampliamente utilizados por la música popular, como lo hizo el grupo Mocedades  en su Más allá. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. 

Hoy podemos visionar la Sinfonía del Nuevo Mundo, conjunción de melodías autóctonas con temas de su originaria Bohemia tratados con los recursos propios de la orquestación moderna y articulada en cuatro movimientos: I (0´4´´) ADAGIO- ALLEGRO MOLTO .-. II (9´00´´) LARGO .-. III (20´02´´) SCHERZO: MOLTO VIVACE-POCO SOSTENUTO .-. IV (26´50´´) ALLEGRO CON FUOCO. Nos lo ofrece la Peabody Symphony Orchestra dirigida por la maestra Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense actualmente la titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.

Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX. Desde su llegada a USA, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana y así su Sinfonía del Nuevo Mundo, que hoy sugerimos; su éxito fue total desde el mismo estreno de la obra que fue recibida con una total adhesión lo mismo en USA que en Europa;  sus temas fueron ampliamente utilizados por la música popular, como lo hizo el grupo Mocedades  en su Más allá. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas. 

Hoy podemos visionar la Sinfonía del Nuevo Mundo, conjunción de melodías autóctonas con temas de su originaria Bohemia tratados con los recursos propios de la orquestación moderna y articulada en cuatro movimientos: I (0´4´´) ADAGIO- ALLEGRO MOLTO .-. II (9´00´´) LARGO .-. III (20´02´´) SCHERZO: MOLTO VIVACE-POCO SOSTENUTO .-. IV (26´50´´) ALLEGRO CON FUOCO. Nos lo ofrece la Peabody Symphony Orchestra dirigida por la maestra Marin Alsop (1956), violinista y directora de orquesta estadounidense actualmente la titular de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, lo que le ha convertido en ser la primera mujer que ocupa un puesto de este nivel en USA; es además, directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo.


George Gershwin (1898 –1937), compositor estadounidense conocido y apreciado por haber sabido conjugar el jazz con la música clásica. Desde joven empezó a escribir sus primeras canciones llegando a estrenar en Broadway su primer musical con su hermano Ira como letrista, compañía que nunca abandonaría. A partir de los veinte años empezó a componer, además, obras pensadas para salas de conciertos con las que obtenía renombrados éxitos. A pesar de ello y consciente de sus déficits formales viajó a París a completar su formación con Stravinski, quien tras preguntarle por el dinero ganado en un año le contestó que era él quien debiera tomar clases con Gershwin. Con Ravel le sucedió algo parecido, pues le espetó aquello de “¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?”

Rhapsody in Blue. La obra que hoy presentamos, fue escrita en principio para piano solista y banda de jazz y arreglada para piano y orquesta en 1946 por Ferde Grofé (1892-1972), que es la versión que habitualmente, y hoy, se ofrece. La obra despertó cierta polémica en su estreno; pero en poco tiempo se impuso su frescura e imaginación llegando a ocupar uno de los primeros puestos de preferencia de l@s mejores pianistas y orquestas. La solista de hoy, Lola Astanova, (1982) es una pianista nacida en Uzbekistán (antes perteneciente a Rusia). A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de l@s principales directoras/es de orquesta.


Kaija Saariaho (1952) es una compositora finlandesa con sede en París desde 1982. En una encuesta de compositores de 2019 realizada por BBC Music Magazine, Saariaho fue clasificada como el/la mejor compositor/a viv@. Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París. Sus texturas polifónicas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. En 1982, comenzó a trabajar en IRCAM investigando análisis informáticos del espectro sonoro de notas individuales producidas por diferentes instrumentos, alejándose del estricto serialismo hacia el espectralismo. Ha recibido encargos para el Kronos Quartet, para el Ensemble Intercontemporain, la BBC, la Filarmónica de Nueva York, el Festival de Música de Salzburgo y el Théâtre du Châtelet de París, entre otros.

L'amour de loin (El amor de lejos) es una ópera en cinco actos, la primera de Kaija Saariaho, con libreto de Amin Maalouf. La sensibilidad y experiencia de Amin Maalouf, un autor y periodista franco-libanés radicado en París, y Saariaho, ambos exiliados voluntarios, los unieron colaborando en tornar “a una historia aparentemente simple una historia compleja, pero contada muy simplemente. ... L’amour de loin gira ansiosamente alrededor de temas más profundos – la obsesión y la dedicación, la realidad y la ilusión, la soledad del artista, la necesidad de pertenencia”. Tuvo su estreno mundial el 15 de agosto de 2000, en el Festival de Salzburgo. Hoy la ofrecemos en versión de la Orquesta y Coro de la Ópera Nacional de Finlandia conducid@s por el maestro finlandés Esa-Pekka Salonen (1958).

Kaija Saariaho (1952) es una compositora finlandesa con sede en París desde 1982. En una encuesta de compositores de 2019 realizada por BBC Music Magazine, Saariaho fue clasificada como el/la mejor compositor/a viv@. Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París. Sus texturas polifónicas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. En 1982, comenzó a trabajar en IRCAM investigando análisis informáticos del espectro sonoro de notas individuales producidas por diferentes instrumentos, alejándose del estricto serialismo hacia el espectralismo. Ha recibido encargos para el Kronos Quartet, para el Ensemble Intercontemporain, la BBC, la Filarmónica de Nueva York, el Festival de Música de Salzburgo y el Théâtre du Châtelet de París, entre otros.

L'amour de loin (El amor de lejos) es una ópera en cinco actos, la primera de Kaija Saariaho, con libreto de Amin Maalouf. La sensibilidad y experiencia de Amin Maalouf, un autor y periodista franco-libanés radicado en París, y Saariaho, ambos exiliados voluntarios, los unieron colaborando en tornar “a una historia aparentemente simple una historia compleja, pero contada muy simplemente. ... L’amour de loin gira ansiosamente alrededor de temas más profundos – la obsesión y la dedicación, la realidad y la ilusión, la soledad del artista, la necesidad de pertenencia”. Tuvo su estreno mundial el 15 de agosto de 2000, en el Festival de Salzburgo. Hoy la ofrecemos en versión de la Orquesta y Coro de la Ópera Nacional de Finlandia conducid@s por el maestro finlandés Esa-Pekka Salonen (1958).


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Herbie Hancock (Chicago, 1940), es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. A excepción del free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop, fusión, jazz modal, jazz funk, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a la música de baile. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con sus propios rasgos armónicos urbanos y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, estuvo perfectamente preparado para la electrónica. Fue autor de dos de las obras jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man"  y "Cantaloupe Island".


Natasha Bedingfield  (1981) Es una cantante inglesa que debutó en 1990, con sólo nueve años, como miembro de un grupo cristiano de dance/electrónica; a lo largo de esa década realizó distintas grabaciones para instituciones religiosas. En 2004 lanzó su primer álbum, Unwritten, álbum que hoy sugerimos, con una venta de más de dos millones de ejemplares y que le valió un Premio Grammy. Durante estos años ha realizado distintas giras por Europa y USA y lanzado distintos sencillos, mientras sigue preparando su cuarto álbum

Natasha Bedingfield  (1981) Es una cantante inglesa que debutó en 1990, con sólo nueve años, como miembro de un grupo cristiano de dance/electrónica; a lo largo de esa década realizó distintas grabaciones para instituciones religiosas. En 2004 lanzó su primer álbum, Unwritten, álbum que hoy sugerimos, con una venta de más de dos millones de ejemplares y que le valió un Premio Grammy. Durante estos años ha realizado distintas giras por Europa y USA y lanzado distintos sencillos, mientras sigue preparando su cuarto álbum


Celia Cruz (1925- 2003) cantante cubana apodada «La Reina de la Salsa» y «La Guarachera de Cuba», es ampliamente considerada como una de las artistas latinas más populares e importantes del siglo XX y un icono de la música latina; fue una de las máximas exponentes de su género, así como una de las artistas más influyentes de la música de su país. A lo largo de su carrera, Celia Cruz interpretó y popularizó internacionalmente los ritmos tropicales más peculiares; sin embargo, el género que le llevó al estrellato fue la salsa, género musical bailable resultante de la fusión del son cubano con el mambo, la guaracha, el chachachá o el guaguancó; género que se ha extendido no sólo por la cuenca del Caribe, sino por gran parte de la América Latina y hoy día, por todo el mundo.


Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras; posteriormente colaboró con Fosforito y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Grabó 38 discos, realizó exitosas giras por Europa, América y Japón  y recibió numerosos e importantes galardones.

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La consagración de la primavera (Le Sacre du printemps) es un ballet de Ígor Stravinski, escrito para la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando fue estrenado, en el Teatro de los Campos Elíseos el 29 de mayo de 1913, el carácter vanguardista de la música y la coreografía causó sensación y un casi disturbio en la audiencia. Posteriormente, su música alcanzó igual o incluso mayor reconocimiento como pieza de concierto, y es ampliamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX. La obra, subtitulada «Imágenes de la Rusia pagana en dos partes», describe la historia, sucedida en la Rusia antigua, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, la cual debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación.

La composición está estructurada en dos partes del siguiente modo: Primera parte, Adoración de la tierra: I (4´35´´) INTRODUCCIÓN (Lento. Più Mosso. Tempo I) .-. II (7´40´´) AUGURIOS PRIMAVERALES. DANZA DE LAS ADOLESCENTES (Tempo giusto) .-. III (11´00 ´) JUEGO DEL RAPTO (Presto) .-.  IV (12´12´´) RONDAS PRIMAVERALES (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo) .-. V (16´05´´) JUEGO DE LAS TRIBUS RIVALES (Molto allegro) .-. VI (17´32´´) CORTEJO DEL SABIO .-. VII (18´56´´    33´´) ADORACIÓN DE LA TIERRA (El Sabio) (Lento) .-. VIII (18´55´´) DANZA DE LA TIERRA (Prestissimo).......... Segunda parte, El sacrificio: I (20´02´´) INTRODUCCIÓN (Lento) .-. II (24´19´´) CÍRCULOS MISTERIOSOS DE LAS ADOLESCENTES (Andante con moto - Più Mosso - Tempo I) .-. III (27´34´´) GLORIFICACIÓN DE LA ELEGIDA (Vivo) .-. IV (29´06´´) EVOCACIÓN DE LOS ANTEPASADOS .-. V (29´59´´) ACCIÓN RITUAL DE LOS ANTEPASADOS (Lento); VI (33´31´´) DANZA SAGRADA (La Elegida) (Allegro). Hoy nos la ofrecen el Ballet y Orquesta del Teatro Mariinsky bajo la batuta del eminente maestro Valery Gergiev.


Carl Maria Von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa  Der Freischütz  (El cazador furtivo); compuso, también, otras dos óperas Euryanthe  y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas.

Michel Fokine (1880-1942) fue un bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director de compañía ruso, nacionalizado estadounidense. Estudió danza en la Escuela Imperial y fue bailarín del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Su concepto total de la danza y sus innovaciones en el terreno de la coreografía, que revolucionaron el ballet clásico ruso, tuvieron repercusión internacional. El espectro de la rosa, que hoy sugerimos,  es una obra de ballet creada por Michel Fokine para una pareja mixta de bailarines sobre una música escrita por Carl Maria von Weber para piano. Invitación a la danza es el título de la obra para piano que escribió Weber y que posteriormente sería orquestada por Hector Berlioz. Hoy nos la ofrecen Los Ballets Rusos.

Carl Maria Von Weber (1786-1826) fue un compositor alemán. Desde muy niño aprendió a cantar y a tocar el piano y a los 12 años recibió en Salzburgo clases gratuitas de Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. En 1812 murió su padre y al año siguiente fue nombrado director de la orquesta de Praga y posteriormente de la de Dresde, mientras trabajaba en su ópera más famosa  Der Freischütz  (El cazador furtivo); compuso, también, otras dos óperas Euryanthe  y Oberon; las tres óperas son consideradas por much@s crític@s como obras maestras del género escénico. Compuso además de otras óperas, numerosas canciones, obras para piano, obras de cámara, dos sinfonías, varias oberturas, conciertos y obras concertantes para distintos instrumentos, tres misas y ocho cantatas.

Michel Fokine (1880-1942) fue un bailarín, coreógrafo, maestro de ballet y director de compañía ruso, nacionalizado estadounidense. Estudió danza en la Escuela Imperial y fue bailarín del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Su concepto total de la danza y sus innovaciones en el terreno de la coreografía, que revolucionaron el ballet clásico ruso, tuvieron repercusión internacional. El espectro de la rosa, que hoy sugerimos,  es una obra de ballet creada por Michel Fokine para una pareja mixta de bailarines sobre una música escrita por Carl Maria von Weber para piano. Invitación a la danza es el título de la obra para piano que escribió Weber y que posteriormente sería orquestada por Hector Berlioz. Hoy nos la ofrecen Los Ballets Rusos.


Igor Moiseyev (1906-2007), coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios de el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico.

Kryzhachok es una danza folclórica popular de Bielorrusia. Este nombre proviene de la palabra bielorrusa con la que se denomina al ganso salvaje, kryzhak, ya que la danza imita los movimientos de los pájaros. La danza folclórica también tenía otros nombres como Kryzhik, Pauluchok, Antoshka que dependían de la canción. Esta danza de Bielorrusia es ornamental, realizada en parejas por un gran grupo de bailarines, en el caso presente, de la Compañía de Ballet Igor Moiseyev


Samuel Barber (1910- 1981) fue un compositor estadounidense de música de cámara y orquestal. Considerado un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. En 1958 se representó su primera ópera, Vanessa, en el Metropolitan Opera House de Nueva York; su éxito le supuso el encargo de una segunda obra lírica, Anthony and Cleopatra, estrenada en la inauguración de la nueva Metropolitan Opera en el Lincoln Center. La música de Barber es elegíaca, lírica y refinada; sin abandonar nunca el ámbito de la tonalidad, utiliza un lenguaje disonante, politonal a veces; su orquestación se caracteriza por hacer cantar a los instrumentos. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neorromántica. Falleció de cáncer en Nueva York en 1981.

Leopold Stokowski (1882- 1977) fue un director de orquesta británico, de ascendencia polaca e irlandesa. Se le conocía especialmente por dirigir con un estilo particular a manos libres, eliminando la batuta tradicional y obteniendo exquisitos sonidos de las orquestas que dirigía. Stokowski dominaba todos los aspectos del complejo rol de director de orquesta que abordó siempre a través del trabajo detallista, de una programación inteligente adaptada a las posibilidades de la orquesta de que se tratara y a los gustos del auditorio, convenientemente educados por él si era posible, con gran atención a las últimas tendencias de composición de su tiempo. También era un maestro de las transcripciones orquestales. Hoy podemos asistir a uno de sus ensayos, concretamente al ensayo del Adagio de Barber

Samuel Barber (1910- 1981) fue un compositor estadounidense de música de cámara y orquestal. Considerado un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. En 1958 se representó su primera ópera, Vanessa, en el Metropolitan Opera House de Nueva York; su éxito le supuso el encargo de una segunda obra lírica, Anthony and Cleopatra, estrenada en la inauguración de la nueva Metropolitan Opera en el Lincoln Center. La música de Barber es elegíaca, lírica y refinada; sin abandonar nunca el ámbito de la tonalidad, utiliza un lenguaje disonante, politonal a veces; su orquestación se caracteriza por hacer cantar a los instrumentos. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neorromántica. Falleció de cáncer en Nueva York en 1981.

Leopold Stokowski (1882- 1977) fue un director de orquesta británico, de ascendencia polaca e irlandesa. Se le conocía especialmente por dirigir con un estilo particular a manos libres, eliminando la batuta tradicional y obteniendo exquisitos sonidos de las orquestas que dirigía. Stokowski dominaba todos los aspectos del complejo rol de director de orquesta que abordó siempre a través del trabajo detallista, de una programación inteligente adaptada a las posibilidades de la orquesta de que se tratara y a los gustos del auditorio, convenientemente educados por él si era posible, con gran atención a las últimas tendencias de composición de su tiempo. También era un maestro de las transcripciones orquestales. Hoy podemos asistir a uno de sus ensayos, concretamente al ensayo del Adagio de Barber


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