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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
Felix Klieser, de 31 años, es un trompista profesional alemán que nació sin brazos y toca la trompa usando su pie izquierdo para accionar las válvulas y sin colocar una extremidad dentro de la campana; lo que contrasta con la forma en que se toca tradicionalmente este instrumento. Este joven se ha ganado los aplausos del público y la crítica gracias a su espectacular talento a la hora de tocar, con el cual ha logrado sobresalir en todo el mundo, demostrando una vez más que una discapacidad no trunca los sueños. Fue galardonado con el premio ECHO Classic en la categoría de mejor artista joven en el 2014, publicó un libro autobiográfico y en 2016 recibió el premio Leonard Bernstein del Festival de Música de Schleswig-Holstein. (Extractado de un artículo de Mundiario)
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
La Quinta Sinfonía es una de las obras de la Historia de la Música más conocidas y populares; de los cuatro movimientos de los que consta, hoy visionaremos el primero. Este movimiento, tal como era habitual en esa época desde principios del Clasicismo, está escrito en modo rápido y en forma sonata: 1) exposición de dos temas contrapuestos por su carácter y tonalidad; 2) desarrollo de ambos temas contrastantes; 3) reexposición en la misma tonalidad de los dos temas principales. A veces puede haber una pequeña Introducción en modo lento y una Coda Final con carácter brillante.
Hoy nos visita Libi Lebel pianista y directora rusa, que como pianista ha sido premiada en importantes certámenes y concursos y como directora de orquesta ha dirigido importantes orquestas americanas, rusas y rumanas. Se caracteriza por su transparente técnica y su carácter dinámico y apasionado; actualmente es la titular de la Texas Medical Center Orchestra.
Mario Lanza (1921-1959) fue un tenor y actor estadounidense, hijo de padres inmigrantes italianos. A los dieciséis años, anunció su intención de convertirse en cantante. Su madre, entusiasmada con el sueño que ella no había podido cumplir, le dio todo el apoyo posible y le hizo tomar lecciones de canto. Fue descubierto por el director Sergei Koussevitzky que quedó tan impresionado con su voz que le garantizó una beca. Fue entonces cuando decidió usar Mario Lanza como sobrenombre artístico, reivindicando el apellido de su madre. Murió en Roma el 7 de octubre de 1959 a los treinta y ocho años de una embolia pulmonar. La corta carrera de Lanza abarca ópera, radio, conciertos, grabaciones y películas. Fue el primer artista en vender dos millones y medio de álbumes.
La Canción napolitana es una composición generalmente en idioma napolitano para voz masculina solista y acompañamiento instrumental, característica de la ciudad de Nápoles y su región. Sus letras hacen referencia a asuntos amorosos o al paisaje del Sur de Italia. Algunas de las canciones más famosas son O sole mio, Torna a Surriento, Funiculì funiculà o Santa Lucia. La popularidad internacional de las canciones napolitanas se debió, en parte, a la emigración italiana al resto de Europa y a América entre 1880 y 1920. También contribuyó el interés de intérpretes de ópera como Enrico Caruso, quien recurría a estas canciones para interpretarlas como propina en sus actuaciones en el Metropolitan Opera House de Nueva York y grabarlas en disco.
Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.
El Dúo de las flores (título original en francés: Duo des fleurs o Sous le dôme épais) es un dúo para soprano y mezzosoprano de la famosa ópera Lakmé de Léo Delibes. Lakmé está ambientada en la época del dominio de la India Británica y el dúo se interpreta en el primer acto, entre Lakmé, la hija de un brahmán, y su criada Mallika, cuando van a recoger flores cerca de un río; se trata de una barcarola que los anuncios comerciales de British Airways hicieron familiar al público general. Para la interpretación de hoy, nos visitan dos sobresalientes cantantes de ópera: la soprano rusa Ana Netrebko y la mezzo letona Elīna Garanča.
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El compositor austríaco Franz Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.
Sturm und Drang (tormenta y asalto) es un término que no procede de la música sino de la literatura; entendido este término como una reacción en contra del Barroco. En música, se critica la estructura polifónica y la especulación o el simbolismo matemático, las fórmulas que no permiten una expresión adecuada y sencilla, el método objetivo, racional y comprensible. Se cambia de la concepción del término afecto (en el sentido objetivo del Barroco) al término sentimiento (en el sentido subjetivo del StudD). En el Sturm und Drang el origen de la música se busca en la naturaleza interior del hombre; ahora ya no es sólo la música vocal capaz de expresar algo a través de las palabras, ahora también la música instrumental en sí misma es capaz de expresarse.
La Sinfonía n.º 49 fue escrita en 1768 por Joseph Haydn. Se cree que su sobrenombre de "La Pasión" proviene directamente de las características musicales de la composición: estructura de la arcaica Sinfonia da Chiesa (lento, rápido, lento, rápido), en modo menor y la asociación con el período Sturm und Drang del autor. Según H. C. Robbins Landon es una obra de «colores oscuros, sombría, e incluso trágica». La sinfonía se compone de cuatro movimientos: I ADAGIO .-. II (11´39´´) ALLEGRO DI MOLTO .-. III (18´47´´) MENUET E TRIO .-. IV (24´02´´) FINALE. PRESTO. Hoy nos la ofrece, la Orchestre philharmonique de Radio France conducida por la maestra canadiense Barbara Hannigan.
La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) se estabiliza su definición, que se aplica a una composición para uno o dos instrumentos y que consta generalmente de tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro, con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) exposición, b) desarrollo, c) reexposición. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos.
La Sonata Nº 14 op 27 nº 2 de Beethoven popularmente conocida como “Claro de luna” es una de sus obras más famosas junto con “Para Elisa” y las sinfonías quinta y novena. Fue compuesta en 1801 y publicada al año siguiente en Viena; consta de tres movimientos que rompen el modelo tradicional del modo siguiente: I (0´00´´) ADAGIO SOSTENUTO (lento).-. II (5´23´´) ALLEGRETTO (bastante rápido) .-. III (7´55´´) PRESTO AGITATO (muy rápido). Hoy presentamos el primer movimiento al que Hector Berlioz llamó "lamento" añadiendo que «el Adagio es uno de esos poemas que el lenguaje humano no acierta a calificar». Carl Czerny, lo llamó «una escena nocturna, en la que una lastimera voz fantasmal suena en la distancia». La interpretación de hoy corre a cargo de Valentina Lisitsa.
Valentina Lisitsa (1973) es una pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en You Tube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.
Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, músico aficionado, a los siete años le impartió su primera clase de piano. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX; sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos.
Un Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género; género que rápidamente se generalizaría a partir del romanticismo.
Los Preludios es un poema sinfónico compuesto por Franz Liszt en 1848. Es el tercero de su ciclo de trece Poemas sinfónicos. La "nota de programa" escrita por Liszt a su creación reza lo siguiente: ¿Qué es nuestra vida sino una serie de preludios a una canción desconocida, de la cual la primera nota solemne es la que hace sonar la muerte? El amanecer encantado de toda existencia está anunciado por el amor, y sin embargo, ¿en el destino de quién no están interpretados los primeros latidos de la felicidad por tormentas cuyas violentas ráfagas disipan las más caras ilusiones del Ser, consumiendo su altar con un fuego fatal? ¿Y dónde debe hallarse el alma cruelmente golpeada, que habiéndose convertido en juguete de una de esas tempestades, no busca olvido en la dulce quietud de la vida rural? Sin embargo, el hombre pocas veces se entrega a la calma beneficiosa que al principio lo encadenó al regazo de la naturaleza. Tan pronto como la trompeta hace sonar la alarma, corre él al puesto del peligro, aunque sea la guerra la que lo convoque a sus filas, pues hallará nuevamente en la lucha completa autorrealización y plena posesión de sus fuerzas.
Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana, del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición; por lo que desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, con música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras.
Carmina Burana es una cantata escénica compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto una selección de los poemas goliárdicos medievales encontrados en los Carmina Burana; de esta colección, Orff escogió veinticinco canciones y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en la Alte Oper de Fráncfort del Meno dirigida por Oskar Wälterlin. Orff subtituló la composición: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis («Canciones laicas para cantantes y coralistas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas»).
La conducción de hoy corre a cargo de Seiji Ozawa (1935), director de orquesta japonés particularmente conocido por sus versiones de obras postrománticas para gran orquesta. Poseedor de un estilo de dirección muy heterodoxo, Ozawa se ha destacado como un director hábil, de gran ingenio y con un profundo conocimiento de las estructuras de las obras a ejecutar, gracias a su minuciosidad, clarificación y desmenuzamiento en el análisis de cualquier partitura.
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Stan Getz (1927-1991) fue un saxofonista estadounidense considerado como uno de los más importantes saxofonistas tenores de la historia del jazz. Su sonido redondo y cautivador llegaba al público que le puso el sobrenombre de “El Sonido”. Con sus discos ganó varios Grammy y está considerado como uno de los saxos tenores más prominentes de la historia del jazz. Comprendió perfectamente el lenguaje de la bossa-nova y sonó completamente natural en las grabaciones que llevó a cabo con los músicos brasileños. En 1967 y posteriores años, Getz se empezó a interesar más por la fusión jazz-rock y otras tendencias post bop, haciendo música cada vez más personal, y grabando álbumes con Chick Corea, Stanley Clarke o Gary Burton.
Birdy (1996) es una cantante y compositora inglesa. Birdy ganó el concurso de talentos musicales Open Mic UK en 2008 con 12 años. Debutó con una versión de la canción Skinny Love, de Bon Iver, que triunfó en Europa y recibió seis veces el disco de platino en Australia. Su álbum debut, titulado Birdy, fue publicado el 7 de noviembre de 2011 y tuvo un éxito similar, ya que llegó al número 1 en Australia, Bélgica y Países Bajos. Su segundo álbum de estudio, titulado Fire Within fue lanzado el 23 de septiembre de 2013 en Reino Unido y otros países. Beautiful Lies, su tercer álbum de estudio, fue lanzado el 26 de marzo de 2016; mientras su cuarto álbum de estudio se publicó el 30 de abril de 2021 con 16 nuevas canciones.
Ace of Base es una de las bandas más famosas de Suecia. El grupo en principio fue conformado por l@s tres herman@s Berggren y su amigo Ulf Ekberg. Tras sus fallidos intentos de editar sus canciones en Suecia, fue una discográfica danesa, la compañía Mega Records, la que les publicó sus primeros sencillos con los que empezarían a ser conocid@s primero en los países escandinavos y más tarde en Europa. Contratad@s por la compañía Arista Records llegaron al público de USA y Asia; el álbum The Sign vendió más de 23 millones de discos, a partir del cual los éxitos se han sucedido masiva e ininterrumpidamente.
Izaro Andrés Zelaieta (1993), Izaro, es una cantante y compositora vasca, nacida en Mallabia, Bizkaia. Inició sus estudios en San Sebastián, pero los interrumpió para ir a los Estados Unidos. A su vuelta, y compaginando con la publicación de sus primeras canciones, se graduó en Comunicación en la Universidad de Deusto en 2016. El primer tema que compuso y con el que se dio a conocer fue Paradise y en 2017 salió su primer LP, Om, con temas en euskera, inglés y español y ese mismo año saca una colección de EPs en euskera con el nombre Hankapuntetan. En 2018 estrena su segundo disco con el título Eason en el Teatro Arriaga de Bilbao. Su trabajo, Limones en invierno se publicó en 2020 con 10 canciones multilingües.
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Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores mas eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.
Death of the Rose. Por primera vez, después de décadas de prohibición, la compañía de ballet líder de la Unión Soviética invitó a un coreógrafo extranjero: Roland Petit (1924-2011) de Francia. Admirador de nuestra protagonista de hoy, Maya Plisetskaya (1925), primera bailarina del Teatro Bolshoi, Petit llevó al escenario de Moscú para ella un fragmento de su ballet La Rose Malade con música de Mahler, convirtiendo el dúo de los dos héroes, Rose y Youth, en una obra independiente, Death of the Rose. El papel de la juventud fue interpretado por el solista del Bolshoi Alexander Godunov (1949-1995), quien en 1971 se convirtió en solista del Teatro Bolshoi.
Johann Strauss (hijo)(1825-1899) fue un compositor austríaco hijo de Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss. Conocido en vida como “el rey del vals”, fue factor esencial en la evolución y sofisticación del vals pasando de ser una danza campesina a una danza de entretenimiento de la Corte Imperial. Es el más conocido de la familia por sus valses, sus polcas y sus marchas; compositor, además, de varias operetas. Su padre quería evitar que su hijo pasase por las estrecheces de vida de un músico, por lo que fue su madre quien le ayudó y animó a centrarse en la música. Su obra constituye la base del repertorio que se ofrece anualmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.
El Murciélago es una opereta cómica en tres actos con música de Johann Strauss (hijo) y libreto en alemán de Carl Haffner y Richard Genée. Se estrenó el 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien en Viena, Austria. La obra se basa en una comedia alemana de Julius Roderich Benedix llamada Das Gefängnis (La prisión), que a su vez se basa en un vodevil, Le Réveillon, de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Fue traducida al alemán por Carl Haffner como una obra de teatro producida en Viena, Le Réveillon (Un banquete de medianoche); pero, en el contexto del conflicto franco-prusiano y sus secuelas, causó problemas por sus características francesas, que fueron resueltas al adaptarse como un libreto para Johann Strauss, quien trasladó Le Réveillon a una fiesta vienesa.
Hoy ofrecemos una escena de la mencionada opereta en versión coreografiada por Roland Petit y protagonizada por Alessandra Ferri (1962), considerada como la más grande bailarina italiana desde Carla Fracci), y Massimo Murru (etoile del Teatro de la Scala de Milán)
La danza del dragón es una forma de danza y actuación tradicional en la cultura china. El baile es realizado por un equipo de bailarines experimentados que manipulan un títere gigante largo y flexible de un dragón utilizando postes colocados a intervalos regulares a lo largo del dragón. El equipo de baile simula los movimientos imaginarios de este espíritu del río de manera sinuosa y ondulante. La danza del dragón se realiza a menudo durante el Año Nuevo chino. Los dragones chinos son un símbolo de la cultura china, y se cree que traen buena suerte a las personas; por lo tanto, cuanto más tiempo esté el dragón en la danza, más suerte traerá a la comunidad. Sus movimientos en una actuación simbolizan tradicionalmente el poder y la dignidad del dragón.
El theremín es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos que se controla sin necesidad de contacto físico del intérprete o thereminista con el instrumento; podríamos decir que es el único instrumento que “se toca sin tocarlo”. Su nombre deriva de la versión occidentalizada del nombre de su inventor ruso Léon Theremin (Термен), que lo desarrolló en 1920 y lo patentó en 1928. El instrumento está formado por dos antenas metálicas que detectan la posición relativa de las manos del thereminista y los osciladores para controlar la frecuencia con una mano y la amplitud (volumen) con la otra.
Hoy presentamos la melodía de la obra originariamente pianística Claro de luna, tercer movimiento de la Suite bergamasque del compositor impresionista Claude Debussy.
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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.