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Georg Friedrich Haendel​ (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco (1600-1750). Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera. Pasados tres años, viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se afinca bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759.  

El concerto grosso (en plural, concerti grossi) era una forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas (concertino) y una orquesta completa (ripieno o tutti). El concerto grosso data aproximadamente de 1670 y puede atribuirse a Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera obra musical en la cual un "concertino" y un "ripieno" se enfrentan de forma característica, a pesar de no usar el término concerto grosso. Giovanni Lorenzo Gregori es el primer compositor en utilizar el término concerto grosso y Arcangelo Corelli su representante principal. 

Los Concerti grossi, op. 6, son doce concerti grossi de Georg Friedrich Händel para un trío concertino formado por dos violines y violonchelo y un ripieno en cuatro partes, orquesta de cuerdas y clavecín, llevando el bajo continuo. Toma como modelos el antiguo concerto da chiesa y el concerto da camera de la tradición de Arcangelo Corelli, en lugar del último concierto veneciano de tres movimientos de Antonio Vivaldi favorecido por Johann Sebastian Bach. Fueron escritos para ser tocados como un interludio durante las representaciones de los oratorios y odas de Händel. Los conciertos se encuentran entre los mejores ejemplos del género del concerto grosso barroco.

Hoy nos los ofrecen The Academy of Ancient Music Orchestra bajo la dirección de su violín principal (concertino) Andrew Manze.

Amadeo Vives (1871-1932), compositor nacido en Barcelona es autor de numerosas canciones y de más de un centenar de obras escénicas entre las que se han de destacar Bohemios, Maruxa y, sobre todo, Doña Francisquita consideradas entre las obras cumbre del género. Comenzó a recibir clases de música de su hermano a los cinco años; más tarde con José Ribera estudiaría piano, armonía y composición; colaboró con Lluis Millet en la fundación del Orfeó Catalá que comenzaría su andadura con canciones catalanas armonizadas por Amadeo Vives. A los catorce años había compuesto varias sonatas y a los 24 años estrena en Barcelona su primera ópera. Más tarde se traslada a Madrid donde sus estrenos escénicos recogen exitosas respuestas y reconocido prestigio.

Doña Francisquita es una zarzuela, denominada «comedia lírica», en tres actos, con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, basada en la comedia La discreta enamorada de Félix Lope de Vega, con música del maestro Amadeo Vives; se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923. Se la considera como una de las más grandes obras de la zarzuela, sentando modelo dentro del género grande. El libreto retrata el Madrid romántico de una manera poética y fiel, creando cuadros de gran colorido y viveza, sin caer en la mera recreación histórica, siendo ésta una obra llena de frescura. Por sus características puede definirse también como una ópera cómica de gran calidad. 

María Bayo (1961 Fitero, Navarra/Nafarroa) es una soprano que ha desarrollado una destacada carrera internacional como intérprete de ópera, zarzuela y canción clásica. Aunque nació en un hospital de Tudela, considera a la localidad de Fitero, en la que reside su familia y con la que mantiene una estrecha vinculación, su ciudad natal. Ha sido galardonada con el primer premio en el concurso Belvedere de Viena, el Premio Nacional de la Música, el Premio Príncipe de Viana de la Cultura;  ha sido investida como miembro electo en Jakiunde, galardonada con el Premio de Humanidades de Eusko Ikaskuntza-Caja Laboral, con el Premio Traetta de la Traetta Society, con Premio Cadenas de Navarra... En 2020 recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.

Hoy nos ofrece la romanza de Doña Francisquita, Canción del ruiseñor acompañada al piano por Brian Zeger.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach  y Mozart  forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.

La Sinfonía n.º 2 en re mayor, op. 36, se abre con una introducción lenta y poderosa, I (0´25´´) ADAGIO MOLTO, llena de gesto dramático, que desemboca en un (3´14´´) ALLEGRO CON BRÍO lleno de energía. Sigue entonces un II (11´00´´) LARGHETTO, noble y pastoral en carácter, lleno de temas líricos, de gran serenidad y belleza. A continuación, en lugar del Minuetto-Trio, habitual, Beethoven introduce, por primera vez, un III (22´06´´) SCHERZO -«juego» o «broma» en italiano-, que dio a la composición una gran dimensión y energía. El conjunto se cierra con un explosivo IV (25´ 46´´) FINALE  ALLEGRO MOLTO,  un movimiento de tal profundidad y complejidad armónica que fue descrito, el día de su estreno, como un «monstruo repulsivo, una serpiente herida, dando golpes salvajes y furiosos mientras se conduce a su agonía mortal».​

Daniel Barenboim (Buenos Aires, 15 de noviembre de 1942) es un pianista y director de orquesta argentino nacionalizado español, israelí y palestino e hijo de músic@s con quienes  comenzó sus estudios de piano a la edad de cinco años. Luego estudió con Nadia Boulanger, Igor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma. Su debut como director de ópera tuvo lugar en 1973. Entre 1975 y 1989 fue director musical de la Orquesta de París. En 1981, debutó en el Festival de Bayreuth. Desde 1991 hasta el 17 de junio de 2006, fue director de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Desde 1992 es además director musical general de la Ópera Estatal de Berlín y ha dirigido las orquestas más importantes del mundo. En 2009 y 2022 dirigió el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.

Felix Mendelssohn (1809-1847) fue un pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades y hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn, también niña prodigio. Comenzó recibiendo clases de piano de su madre; a los dieciocho años se adentró en las clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y un dominio profundo del contrapunto. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.  

Elijah (Elías) Op. 70, MWV A 25, es un oratorio con música de Mendelssohn y libreto de Julius Schubring. Describe eventos de la vida del profeta bíblico Elías, extraídos de los Libros de los Reyes del Antiguo Testamento. En 1829 Mendelssohn había organizado la primera interpretación pública desde la muerte del compositor de la Pasión según San Mateo de Bach y fue un impulsor que difundió y popularizó los trabajos de Bach. En cambio, los oratorios de Händel nunca pasaron de moda en Inglaterra. Mendelssohn preparó una edición erudita de algunos oratorios de Händel para su publicación en Londres. Elías está inspirado en los oratorios de estos dos maestros barrocos; aun así, en su lirismo, color orquestal y coral, refleja el estilo del propio Mendelssohn y las peculiaridades  del Romanticismo.

El Oratorio, estructurado en dos partes (1´04´´y  1h 10´04´´), nos lo ofrecen las sopranos Liz Baldwin y Kira Winter, la mezzosoprano Penelope Bitzas, el tenor Martin Bakari, el barítono James Demler con la Orquesta y Coro Sinfónico de la Boston University College; tod@s ell@s conducid@s por la maestra Ann Howard Jones.

Stanley Turrentine (1934- 2000) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor. Figura legendaria de su instrumento, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la jazz fusion. Su manera de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. En 1950 y 1951, tocaba con Ray Charles en la banda del guitarrista de blues Lowell Fulson.​ Más tarde, se uniría a la banda liderada por Charles. ​ ​A comienzos de la década de 1970, Turrentine se convirtió en un puntal del sello CTI,3​4​ orientado a la jazz fusion; Por lo demás, siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los 80 y en los 90.

Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras; posteriormente colaboró con Fosforito y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Grabó 38 discos, realizó exitosas giras por Europa, América y Japón  y recibió numerosos e importantes galardones.

Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana, del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina  y el Triunfo de Afrodita; su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición; por lo que desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, con música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras.

Catulli Carmina (Canciones -o Palabras- de Catulo), de la que hoy ofrecemos una selección, es una cantata escénica compuesta por Carl Orff, estrenada en 1943 en Múnich y basada en los textos del poeta latino Cayo Valerio Catulo (84-54 A.C.). Está escrita para dos solistas, coro mixto, un amplio grupo de percusión y cuatro pianos. La obra experimenta con la repetición de frases y ritmos sincopados, en la línea ya utilizada en Carmina Burana, llevando ese juego aún más lejos. Esta composición es otro ejemplo del brillante uso de la orquesta, la percusión y la acción escénica por parte de Carl Orff, mostrando un interesante juego escénico cantado. Hoy presentamos una selección de la obra cuya dirección musical corre a cargo de Roman Válek, mientras la coreografía la realiza Ladislava Košíková.

El San Juanito es el baile nacional de Ecuador. Esta danza tiene sus orígenes mucho antes de la época de la colonización española  y se dice que era practicada por los Incas como un tipo de ritual para honrar al dios Inti. Tal vez en sus inicios esta danza no tuviera este nombre, puesto que esta denominación tiene herencia cristiana y es un ejemplo de las tantas prácticas de apropiación cultural, dado que este nombre es en honor a  San Juan Bautista (Extractado de Factory Claqué). Hoy nos lo escenifica el conjunto de Profesores del Colegio Rafael María Carrasquilla.