El día 21 de Junio a las 11:44 comienza el Verano en la Península
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Felix Mendelssohn (1809-1847) fue un pianista, director de orquesta y compositor alemán de una perfección técnica y formal sobresalientes. Niño prodigio que a muy temprana edad dio muestras de sus extraordinarias capacidades y hermano de la pianista y compositora Fanny Mendelssohn, también niña prodigio. Comenzó recibiendo clases de piano de su madre; a los dieciocho años se adentró en las clases de composición tomando como base el Clave bien temperado de Bach. De este modo, las obras de Mendelssohn muestran una claridad tonal bien asentada y un dominio profundo del contrapunto. Su legado incluye música para piano, música para órgano, música de cámara, oberturas, sinfonías, conciertos, oratorios y música incidental.
A Midsummer Night's Dream (El sueño de una noche de verano) es una obra musical de Mendelssohn escrita en 1842 y basada en la obra homónima de teatro de Shakespeare (1564-1616). Se trata de una música incidental, que incluye la famosa Marcha nupcial, para una producción de la obra de teatro a la que incorporó la Obertura de concierto (op.21) que había escrito en 1821 La obra fue un encargo del rey Federico Guillermo IV de Prusia y está estructurada en 12 movimientos más una obertura previa y una coda final. Hoy ofrecemos el número 1, “Scherzo” en versión de la Mariinsky Theatre Orchestra conducida por el eminente maestro ruso Valery Gergiev.
Éric Satie (1866- 1925) fue un compositor y pianista francés, precursor del minimalismo y del impresionismo y figura influyente en la historia de la música. También es considerado precursor importante del teatro del absurdo y la música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, ingresó en el Conservatorio a los cuarenta años. Esto sorprendió a quienes lo conocían, ya que hasta ese momento su formación había sido irregular y se dedicaba, entre otras cosas, a la música de cabaret. Además de la música, Satie fue un pensador con un «gran sentido de la elocuencia», que dejó un notable conjunto de escritos. Su obra más conocida son las Gymnopédies, aunque el catálogo de su obra completa está compuesto por más de una centena de obras de casi todos los géneros.
«Gymnopédie» no era una palabra que se usase con frecuencia en el siglo XIX en Francia, hasta el punto de haber podido ser percibida como un neologismo por muchos. No obstante, ya se había mencionado en el Dictionnaire de musique escrito por Jean-Jacques Rousseau en 1768. Satie eligió el término gimnopedia que designa una danza practicada por jóvenes bailarines desnudos de Esparta. La palabra pudo ser elegida en alusión a las nociones de ascetismo y de austeridad que se refieren a todo lo que tiene relación con la civilización espartana, dos nociones cercanas a la estética de Satie.
Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888; son unas piezas breves que están escritas en compás de 3/4, obras atípicas que desafían deliberadamente las numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Las melodías de las piezas usan deliberadas, aunque suaves, disonancias; de esa manera producen un efecto picante y melancólico que encaja con las indicaciones de interpretación, como son "dolorosamente", "tristemente" o "gravemente". Hoy la pianista georgiana Khatia Buniatishvili nos ofrece al piano la Gymnopedia nº 1.
Tomás Bretón (1850-1923) fue un compositor y violinista español nacido en Salamanca. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy en su ciudad natal. A los 16 años, se trasladó a Madrid, donde tocó en orquestas de teatros de zarzuela y continuó su aprendizaje en el Real Conservatorio bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta. En 1872 recibió, junto con Ruperto Chapí, el primer premio de composición del Conservatorio. En 1880 fue becado para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. En 1901 asumió la dirección del Conservatorio de Madrid, puesto que mantuvo hasta su jubilación en 1921. Prolífico compositor en muy diferentes géneros y estilos, escribió, además, numerosas zarzuelas.
La Verbena de la Paloma, subtitulada El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos, es un sainete lírico en prosa con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón, que se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. Su título hace referencia a las fiestas madrileñas en torno al 15 de agosto, cuando se celebra la procesión de la Virgen de la Paloma. La Verbena consta de un solo acto, dividido en tres cuadros, siendo una zarzuela prototipo del género chico, de corta duración. En la obra aparecen personajes tan entrañables y recordad@s como don Hilarión, su amigo don Sebastián, la tía Antonia, las chulapas, el sereno, los guardias, el boticario y el tabernero; todos ell@s, personajes muy característic@s del viejo Madrid del siglo XIX.
Ennio Morricone (1928-2020) director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión, además de otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, de niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco, para películas de cine. Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.
Hoy presentamos un florilegio de algunas de sus bandas sonoras más conocidas conducidas por el mismo Morricone. I (0:00) The Ecstasy of Gold (The Good, the Bad and the Ugly) .- . II (3:22) The Good, the Bad and the Ugly . -. III (6:04) Once upon a Time in the West .- . IV (9:15) For a Few Dollars More . -. V (13:05) A Fistful of Dynamite .-. VI (17:43) Cinema Paradiso - Main Theme .-. VII (20:13) Chi Mai (Maddalena & Le professionel) .-. VIII (23:48) . La Califfa - The Lady Caliph / The Queen .-. IX (26:27) My Name is Nobody .-. X (29:37) L'arena (Il Mercenario - The Mercenary / A Professional Gun) .-. XI (34:23) Un Monumento (I Crudeli – The Hellbenders) .-. XII (36:55) Misterioso e Ostinato (Faccia a Faccia - Face to Face) .-. XIII (39:17) Un Amico (Revolver) .-. XIV (41:55) Love Theme for Nata (Cinema Paradiso) .-. XV (46:03) Romanzo (1900 - Novecento) .-. XVI (50:12) Romanza Quartiere (Quartiere) .-. XVII (53:51) Il Figlio e la Nostalgia (The Law of the Desert) .-. XVIII (57:41) Ninna Nanna per Adulteri (Cuore di Mamma) .-. XIX (01:00:45) Watch Chimes - Carillon's Theme (For a Few Dollars More) .-. XX (01:01:57) Tradimento Primo (Tepepa) .-. XXI (01:04:13) Run, Man, Run (The Big Gundown)
Sugerencias de música clásica
Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.
Las Cuatro Estaciones son un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín solista y orquesta de cuerdas; cada concierto está dividido en tres movimientos (I Rápido, II Lento, III Rápido); es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo de lo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva.
El Concierto n.º 2, Verano está estructurado en tres movimientos: I (0´10´´) ALLEGRO NON MOLTO “Bajo la dura estación por el sol encendida languidecen el hombre y el rebaño, y arde el pino. Suelta el cuco la voz y cuando la entienden cantan la torcaz y el jilguero...“ .-. II (6´05´´) ADAGIO E PIANO-PRESTO E FORTE “Roba a sus miembros laxos el reposo, el miedo al relámpago, y los fieros truenos ¡y de las moscas, y moscones, el tropel furioso!” .-. III (8´10´´) PRESTO “¡Ah, que son sus temores verdaderos! Truena y fulmina el cielo y granizoso, trunca las cabezas de las espigas y los granos altera”. Hoy nos lo ofrece la violinista noruega Mari Samuelsen.
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
Capricho italiano, es una obra orquestal de un solo movimiento que recoge distintas melodías italianas que Chaikovski tuvo la ocasión de conocerlas en un viaje que realizó a Roma en 1880. Consta de tres secciones ininterrumpidas: ANDANTE UN POCO RUBATO (0´4´´), precedido de unos toques de trompeta es el tema principal de la obra basado en una melodía misteriosa y profunda .-. POCHISSIMO PIÙ MOSSO (4´00´´) consta de una serie de melodías italianas graciosas y ligeras que terminan enlazando con el tema principal que da paso al ALLEGRO MODERATO (10´10´) basado en una tarantela de aire vivo y alegre que nos llevará al recuerdo del tema principal para terminar con un final brillante y entusiasta.
La versión de hoy nos la ofrece la Sinfónica de la Ciudad de Moscú bajo la batuta del maestro ruso Michail Jurowski.
Manuel Ponce (1882 - 1948) fue un músico y compositor mexicano, considerado el padre del nacionalismo musical mexicano. Inició sus estudios de piano con su hermana Josefina. En 1901, ingresó en el Conservatorio Nacional de Música y más tarde en Bolonia, Italia, y en París con Paul Dukas. En su vuelta a la ciudad de México, fue nombrado director del Conservatorio Nacional de Música y titular de la cátedra de piano. Compuso obras para diversos instrumentos, especialmente para guitarra, gracias a la amistad que mantuvo con el guitarrista español Andrés Segovia, así como con otros compositores de este instrumento. En 1947 se le otorgó el Premio Nacional de Ciencias y Artes, convirtiéndose en el primer músico en recibir esa distinción. Murió en la ciudad de México un año después.
El Concierto del Sur para guitarra y orquesta, es una obra concertante escrita por el compositor mexicano Manuel M. Ponce para el guitarrista español Andrés Segovia, quien lo estrenó en 1941 con el propio Ponce como director. El concierto tiene referencias a la música española, referencias provenientes sobre todo del estilo árabe-andaluz; razón por la cual lleva el título del Sur en alusión al sur de España, Andalucía. El primer movimiento (0´24´´), ALLEGRO MODERATO, comienza con un patrón rítmico tipo de las sevillanas y finaliza con una cadenza extensa a cargo de la guitarra. El segundo movimiento (13´14´´) ANDANTE, es un intermezzo florido y grácil. En cambio, el tercer movimiento (19´19´´) ALLEGRO MODERATO E FESTIVO, es una pieza en forma de danza; un festivo Allegro en compás de 3/8.
Hoy nos lo presenta la guitarrista cordobesa Mabel Millán acompañada por la ORTVE conducida por el maestro Francisco Valero Terribas.
Kalevi Ensio Aho (nacido en Forssa, Finlandia, 9 de marzo de 1949) es un compositor finlandés, que estudió composición en la Academia Sibelius bajo Einojuhani Rautavaara, recibiendo un diploma en 1971 y continuando sus estudios durante un año en Berlín con Boris Blacher. Sus puestos en docencia incluyen teoría musical en la Universidad de Helsinki entre 1974–88, y una cátedra en la Academia Sibelius desde 1988–93. Fue nombrado compositor en residencia para la Orquesta Sinfónica de Lahti en 1992, y el director de orquesta Osmo Vänskä ha grabado muchos de sus últimos trabajos de gran escala. Aho ha trabajado como compositor independiente, con una beca estatal, desde 1993. En la actualidad vive en Helsinki.
Los sieidis son elementos culturales, generalmente una roca con una forma inusual, que se encuentran en la naturaleza en ciertos lugares sagrados, por ejemplo en el mar o en las playas fluviales o en la montaña. Cada piedra es diferente de las demás, y pueden variar en forma y tamaño. la mayoría de los sieidis que aún se conocen en la actualidad se recuerdan debido a tradiciones escritas u orales, pero es probable que otros sitios de sieidis hayan sido olvidados. Muchos sacrificios ocurrieron en los sitios sieidis, y estos siempre estuvieron conectados con la vida de la población que solía hacer ofrendas y sacrificios para pedir ayuda a los sieidis, por ejemplo durante la enfermedad, pero también para asistencia en las tareas y deberes cotidianos.
Hoy ofrecemos el concierto para percusión y orquesta, Sieidi, escrito por Kalevi Aho en interpretación del percusionista austríaco Martin Grubinger acompañado por la Finnish Radio Symphony Orchestra conducida por el maestro valenciano Gustavo Gimeno.
Sugerencias de música para todos los gustos
Norah Jones (Nueva York, 1979) es una cantante, compositora, pianista y actriz estadounidense. Junto con su madre, vivió en Nueva York hasta que cumplió cuatro años. Entonces, se mudaron a Grapevine (Texas), donde estuvo hasta los veinte. Su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas; a pesar de lo cual, para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. Ganadora de nueve premios Grammy, ha vendido como cantante más de 40 millones de discos. Su música combina elementos de jazz, blues, soul, country y pop.
El Quinteto Contrapunto, o simplemente Contrapunto, fue un quinteto vocal venezolano, que alcanzó fama nacional e internacional en la década de 1960. Se formó en 1962 y desapareció en 1971 con la muerte de su fundador, director y arreglista, el músico margariteño Rafael Suárez. En pocos meses, el grupo se convirtió en un éxito a nivel nacional. En 1962 se habían vendido 50.000 copias de su primer álbum Quinteto Contrapunto Vol. 1. Su estilo, único en el momento, fusionó la música popular y folclórica con la metodología, técnicas y tratamiento de la música académica. Si bien, para aquel momento, era poco común la existencia de conciertos de música popular y folclórica en Venezuela, el grupo, llegó a ser ampliamente conocido en América Latina y Europa.
Cuatro sonidos, cuatro panderos, cuatro voces… cuatro mujeres, que son Alaitz Telletxea, Maixa Lizarribar, Amaia Oreja y Kris Solano. Un grupo cuyo nombre está compuesto con la primera letra de sus propios nombres y que, además, son madres (“amak”). Cuatro experimentadas músicas y creadoras que han pisado gran parte de las plazas de Euskal Herria agitando sus trikitixas y panderos. Durante el florecimiento de la trikitixa de los años 90, conquistaron con sus proyectos el mundo de la trikitixa, hasta entonces muy masculino. Se han convertido en un referente para muchos. Aunque siempre han estado ligadas al mundo de la música, después de varios años fuera de los escenarios, la casualdad les juntó en el Festival de Trikitixa de Oñati. Tras esta casual coincidencia se sintieron satisfechas y decidieron seguir unidas.
(Extractado de la Web de Amak https://amaktaldea.eus/biografia/)
Paolo Conte (1937) es un músico y compositor italiano, reconocido cantautor de música de variedades. Nacido en Asti (Piamonte, Italia) empezó a tomar lecciones de piano cuando era niño, con su hermano Giorgio, cuatro años más joven. Licenciado en Derecho (motivo por el que se ganó el sobrenombre de Avvocato) se acercó al mundo del jazz como aficionado al vibráfono en algunos grupos de Asti. En los años 1980, publicará diversos álbumes al mismo tiempo que recorre Europa en diversas giras. El mundo poético de Conte muestra un collage desordenado de clichés tomados del cine, el circo o el cabaret, un imaginario onírico de estilo surrealista, mezclado con aires musicales que rescatan sonidos del blues, la música de jazz, el tango, la música africana o sudamericana (rumba y salsa) y cierto experimentalismo.
Sugerencias de videos peculiares
El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores.
Sleeping Beauty (La Bella durmiente) es un cuento de hadas/ballet en tres actos al que pertenece la escena que hoy presentamos, Rose Adagio, que es uno de los momentos más comprometidos del ballet clásico debido a la dificultad de mantener el equilibrio en distintos momentos de la actuación. Cada uno de los cuatro pretendientes de Aurora le entrega una rosa y con cada uno de ellos realiza los mismos pasos con los que pretende elegir a su preferido.
La interpretación de hoy corre a cargo de Lauren Cuthbertson (1984) primera bailarina del Royal Ballet de Londres.
Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Fue hijo del renombrado pianista y profesor del Conservatorio de París, Lois Adam, con quien comenzó sus estudios musicales. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas. En total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el ballet Le Corsaire y el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night.
Pas de deux (en español, paso a dos) es aquél que es realizado conjuntamente por dos personas. Usualmente consiste en una entrée (entrada de la pareja), adagio, dos variaciones (una para cada bailarín, por lo general es un allegro), y una coda. También es conocido como Grand pas de deux (Gran paso a dos).
El Pas de deux que hoy ofrecemos perteneciente al ballet en tres actos, Le Corsaire tiene como protagonistas a la ucraniana Svetlana Zajárova (1979) y al ruso Igor Zelensky (1969) considerad@s amb@s como un@s de l@s bailarines/as más importantes de su generación.
El cuándo es un estilo musical y una danza folklórica nativa originaria de las provincias andinas y centrales de Argentina. En 1817, el libertador José de San Martín llevó esta danza a Chile, donde tuvo un gran desarrollo. El historiador chileno José Zapiola, dice al respecto: “La danza se caracteriza por alternar una etapa lenta y formal en ritmo de minué, seguido de una etapa ligera y desenfadada, con la forma estilística de gato (danza argentina). Es esta segunda parte la que otorga a la danza sus elementos característicos y donde el hombre pregunta a la mujer: «Ay, ¿cuándo, mi vida, cuándo?», con evidente doble sentido y significación amorosa. De este modo, la lentitud del minué, funciona como un preludio para el hombre, que explota humorísticamente en el gato, donde realiza la irrespetuosa pregunta... “
La danza del vientre, danza egipcia o correctamente llamada danza oriental es la evolución escénica de diversas danzas antiguas tradicionales de Oriente Próximo, junto con otras del Norte de África y Grecia. El raqs baladi (danza del pueblo) es una danza muy elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos principalmente de pelvis. La evolución de esta danza es la moderna Danza oriental o raqs sharqi, que incluye movimientos del folclore egipcio, danza occidental clásica y contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos de todas las partes del cuerpo, pero sobre todo de la pelvis. En países de habla inglesa se ha traducido como belly dance, en español danza del vientre y en francés danse du ventre.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
