El 14 de Julio se celebra en Francia su Día Nacional
Sugerencias de iniciación a la música clásica
La Marsellesa (“La Marseillaise”) es oficialmente, desde el 14 de julio de 1795, el himno nacional de Francia. El himno, titulado en principio Chant de guerre pour l'armée du Rhin («Canto de guerra para el ejército del Rin»), fue escrito en 1792 por Claude Joseph Rouget de Lisle, capitán de ingenieros de la guarnición de Estrasburgo, como un canto patriótico de la Francia revolucionaria en su guerra contra Austria. Los parisinos lo acogieron con gran entusiasmo y lo bautizaron como La Marsellesa. Fue prohibido durante el Imperio y la Restauración y volvió a oficializarse en la III República. Durante 1940-1945 fue nuevamente prohibido, y su canto era considerado como un símbolo de resistencia a la ocupación alemana y al régimen colaboracionista de Vichy.
El Himno desde el momento de su creación, aparece asociado a la lucha contra la tiranía. Hoy lo visionaremos en una orquestación de Hector Berlioz interpretado por el esplendoroso tenor francés Roberto Alagna.
Frédéric Chopin (1810-1849) fue un virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado uno de los más importantes de la historia y como compositor, uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.
Anastasia Huppmann (1988) es una pianista rusa nacida en Tver que comenzó sus estudios de piano a los cinco años; a los seis años fue tratada como superdotada adentrándose en los estudios de teoría musical, piano y composición; a los siete, apareció en televisión tocando sus propias composiciones y a los ocho, ganó su primer concurso de piano al que, a lo largo de su carrera, seguirían unos cuantos más, lo que le ha valido para actuar en las más importantes salas de Europa y Asia. Hoy nos ofrece la Fantasia-Impromptu, op 66 en do sostenido menor de Chopin
El Txistu pertenece a la familia europea comúnmente denominada como “Flauta de tres agujeros”. Se toca con una sola mano (normalmente la izquierda), de modo que la otra quede libre para poder tocar el tamboril que cuelga del brazo utilizado para tocar el txistu (afinado actualmente en Fa). A la misma familia pertenecen el silbote o txistu haundi, instrumento más grave, afinado en Sib y la txirula, instrumento más agudo, que es acompañada habitualmente por el ttun ttun (tambor de cuerdas). El txistu se utiliza en romerías, pasacalles, homenajes, actos institucionales y en distintos tipos de conciertos tanto como instrumento solista acompañado de una orquesta, como formando parte de una Banda de txistus, que interpretan obras escritas a tres voces (txistu 1º, txistu 2º y silbote) con acompañamiento del tamboril y de la caja clara o redoblante.
Donostiako hiru damatxo es una canción popular vasca de autor desconocido que ha sido arreglada por distintos compositores para agrupaciones de diversos colores. La versión que hoy ofrecemos para txistu solista, es obra de José Ignacio Ansorena, profesor de Txistu en el Conservatorio Superior de San Sebastián, y está protagonizada por Alfonso Iturria como txistulari solista acompañado por una guitarra, una orquesta de txistus y un coro de voces mixtas conducid@s por el propio autor del arreglo musical.
Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) fue un virtuoso pianista, compositor, profesor y director austrohúngaro, considerado como uno de los mejores compositores y pianistas de su época. En 1786, a la edad de ocho años, la familia se mudó a Viena, convirtiéndose en alumno de Mozart. En 1819 aceptó la plaza de Kapellmeister en Weimar, posición que conservó hasta su muerte en 1837. Como compositor, Hummel está situado en la frontera del clasicismo y del romanticismo y su obra abarcó todos los géneros del cambio de siglo: óperas, singspiele, misas sinfónicas, obras de música sacra, música de cámara, conciertos, canciones y música para piano solo.
La trompeta es un instrumento musical que pertenece a la familia de viento metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire) del ejecutante. La trompeta tiene tres pistones que dirigen el sonido por diferentes partes de la tubería que forma el instrumento y de esta manera alarga o acorta el recorrido del sonido. Además, el trompetista puede seleccionar la ejecución de una gama de armónicos modificando la apertura y tensión del labio ejercida sobre la boquilla. La tesitura básica de la trompeta tiene una extensión de dos octavas y media, aunque en la actualidad el registro aumenta hasta tres octavas.
Alison Balsom (1978) es una trompetista inglesa que en 2009 actuó como solista en las noches de los Proms de Londres y en 2013 fue nombrada como Artista del año por la Gramophone Awards. Ha sido galardonada con doctorados honorarios de la Universidad de Leicester y la Universidad Anglia Ruskin y es miembro honorario de la Guildhall School of Music and Drama. Hoy nos ofrece el tercer movimiento del Concierto para trompeta de Hummel.
Sugerencias de música clásica
Claude Debussy (1862-1918) fue un compositor francés considerado como el primer compositor del Impresionismo. En 1884, con la cantata L'enfant prodigue ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Premio de Roma. De vuelta a París le impresionó la ópera Tristán e Isolda de Wagner, “lo mejor que he escuchado”. Posteriormente se dejaría influenciar por las estructuras de la música javanesa, por la libertad armónica de Rimski-Korsakov y por Erik Satie, afín a sus planteamientos. En 1894 estrenó su Prélude à l'après-midi d'un faune; cuatro años más tarde es cuando alcanzó su fama internacional con su única ópera conclusa Pelléas et Mélisande; tenía entonces 37 años. En la actualidad, Debussy está considerado como uno de los compositores más importantes del siglo XX.
Jeux ( Juegos ) es un ballet escrito por Claude Debussy . Descrito como un "poema bailado", fue escrito para los Ballets Russes de Diaghilev. Jeux se estrenó el 15 de mayo de 1913 en el Théâtre des Champs-Élysées de París, bajo la dirección de Pierre Monteux . La obra no fue bien recibida y pronto fue eclipsada por La consagración de la primavera de Stravinsky, que fue estrenada dos semanas después. Hay alrededor de sesenta marcas de tempo diferentes en la obra, suficientes para que Émile Vuillermoz describa la partitura como cambiando "velocidad y matiz cada dos compases". Los motivos temáticos de Jeux son igualmente muy cortos, a menudo de dos compases de largo o construidos a partir de dos bloques de construcción de un solo compás.
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nacido en Halle, Alemania, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco (1600-1750). Escribió numerosas óperas, cantatas y oratorios, entre las que hemos de destacar su obra cumbre, el Oratorio El Mesías. A la edad de 18 años se trasladó a Hamburgo donde entró a formar parte de la Orquesta de la Ópera. Pasados tres años, viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se afinca bajo la tutela de distintos mecenas. Aunque siempre se mostró muy celoso de su vida privada, hay innumerables indicios que nos hacen suponer su inclinación homosexual. En Londres adquiere su nacionalidad británica y es nombrado gerente del Teatro de Ópera hasta su muerte en 1759.
El Concierto para arpa de Handel se publicó como un concierto para órgano en el Opus 4 en 1738, y es posible que originalmente se haya compuesto de esa forma. De hecho, tal como se publicó, el Concierto funciona en ambos instrumentos. Los conciertos para órgano de Handel se escribieron como interludios para que él los tocara durante sus oratorios, en el órgano que tenía disponible en el teatro, un órgano de cámara con un teclado y sin pedalera, por lo que no incluyen una parte para tocar con el pies además de las manos derecha e izquierda. (Extractado y traducido del articulo de La Phil de la Filarmónica de Los Ángeles).
Está estructurado en tres movimientos: I (0´29´´)ANDANTE-ALLEGRO .-. II (5´02´´) LARGHETTO con la CADENZA (8´50´´) al final del 2º movimiento (cosa rara en aquella época) y III (12´26´´) ALLEGRO MODERATO e interpretado por la jovencísima (tenía entonces 17 años) Morgan Mackenzie Short.
Umberto Giordano (1867 - 1948) fue un compositor italiano dedicado principalmente a la creación de óperas. Su obra más conocida es Andrea Chénier, ópera romántica de estilo verista compuesta a finales del siglo XIX. Nació en Foggia, Italia, y a pesar de la oposición de su padre se matriculó en el Conservatorio de Nápoles en 1882. Fue alumno de Paolo Serrao y escribió su primera ópera, Marina, para un concurso académico. Posteriormente escribió Mala Vita. Más tarde intentó un acercamiento más romántico con su siguiente ópera Regina Diaz (1894); pero ésta fue un fracaso. Entonces probó suerte en Milán, de nuevo con un tema verista, con su trabajo más conocido, Andrea Chénier (1896) que fue, y sigue siendo, un éxito. Su trabajo posterior es menos conocido..
El verismo aparece como una tendencia literaria surgida entre 1875 y 1896 en Italia para referirse a un tipo de personajes, situaciones y emociones reales, caracterizándose por sus tramas sórdidas. En el mundo de la ópera el verismo está asociado a compositores tales como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano y Giacomo Puccini, quienes defendían traer el naturalismo a la ópera.
Andrea Chénier es una ópera verista de ambiente histórico con música de Umberto Giordano y libreto en italiano de Luigi Illica, basada libremente en la vida del poeta francés André Chénier (1762-1794), quien fue ejecutado durante la Revolución Francesa. Estrenada en La Scala de Milán el 28 de marzo de 1896, en la actualidad es la ópera más famosa del compositor. Durante la primera mitad del siglo XX fue producida con cierta frecuencia y entró en el repertorio operístico estándar. Una de las razones que contribuyó a su popularidad fue la espléndida música lírico-dramática del tenor principal, que provee a un cantante con talento muchas oportunidades para lucirse en escena.
Paul Hindemith (1895-1963) fue un violinista y prolífico compositor alemán que escribió para todos los géneros musicales. Realizó sus estudios de violín, composición y dirección de orquesta en el Conservatorio de Frankfurt. En 1915 fue admitido como violinista de la Ópera de Frankfurt y en 1917, nombrado concertino. Mientras tanto, estrena distintas obras que le valen el nombramiento de profesor de composición en la Escuela Superior de Música de Berlín. Su estilo musical pasa por distintas tendencias de todos los estilos; aunque, en sus últimos años se muestra profundamente contrario a las nuevas tendencias del dodecafonismo y, sobre todo, del serialismo integral. Su influencia en la primera mitad del siglo XX fue notable, aunque tras la segunda guerra mundial se vio superado por la Escuela de Viena.
La Symphonic Metamorphosis of Themes by Carl Maria von Weber es una suite dividida en cuatro movimientos compuesta por indicación de la bailarina Léonide Massine, quien le sugirió la idea de arreglar la música de Weber para un ballet.
Hoy visionaremos su segundo movimiento bajo la dirección de Victoria Sánchez (1986 ) pianista y directora de orquesta venezolana surgida del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e infantiles de Venezuela en el que ingresó a los nueve años tras estudiar unos años en el Conservatorio de Música Simón Bolívar. Unas veces como pianista y otras como directora, ha actuado en Venezuela, México, Alemania, España, Holanda, Rusia, República Checa, Italia, Inglaterra, Noruega, China y Corea del Sur. Actualmente combina la gerencia con la de dirección musical y la docencia del Núcleo La Vega – Fundación Carlos Delfino perteneciente al Sistema de Orquestas de Venezuela
Sugerencias de música para todos los gustos
Édith Piaf (1915- 1963) es el nombre artístico de Édith Giovanna Gassion, una de las cantantes francesas más célebres del siglo XX a la que se le deben numerosas canciones del repertorio francófono como «La vie en rose», «Non, je ne regrette rien», «Hymne à l'amour», «Mon légionnaire», «La Foule» o «Milord», conocidas mundialmente. Personalidad destacada, Piaf inspiró a numerosos compositores y fue la mentora de jóvenes artistas que alcanzaron fama internacional. Édith Piaf también destacó como actriz de cine y teatro, participando en numerosas películas y obras de teatro. En la década de 1950 Édith, famosa en muchos países, se convirtió en una especie de icono parisino. El público norteamericano la consagró en 1956 en el Carnegie Hall de Nueva York, al que regresó con frecuencia,
John Coltrane (1926-1967), fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y saxo soprano y ocasionalmente, saxo alto y flauta; se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Se casó, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007). Su trayectoria musical estuvo marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La obra de Coltrane está conscientemente vinculada a la lucha por los derechos civiles de los negros y, en muchas ocasiones, hacia una trascendencia como se puede advertir en la que es considerada su obra maestra, A Love Supreme.
Sade, es una cantante y compositora nigeriana nacionalizada británica. De madre británica y padre nigeriano, a los cuatro años se fue con su madre a vivir a Inglaterra cuando aquella se separó de él. Durante su adolescencia no paraba de escuchar discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. En aquella época no pensaba todavía en cantar, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decide a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crean un grupo "hasta que encuentren una cantante". En poco tiempo pasó a ser una de las pocas artistas que han aparecido en la portada de la revista Time. En el año 2002 fue galardonada con el ingreso en la Orden del Imperio Británico, en reconocimiento a sus logros artísticos y su defensa de los valores que sostienen a la sociedad.
Alberto Cortez (1940-2019) Fue un cantautor argentino nacido en La Pampa. De niño recibió clases de piano que le crearían su apego a la música y al piano en particular, que le acompañaría en sus actuaciones públicas. En 1960, para evitar el servicio militar, se trasladó a España actuando por primera vez en el Teatro La Zarzuela de Madrid donde residiría en vida. Fue un gran amigo de Facundo Cabral con quien actuó en repetidas ocasiones y con quien grabó cuatro discos y realizó exitosas giras por América Latina; colaboró también con Mª Dolores Pradera, Mercedes Sosa, Joan Manuel Serrat y otr@s renombrad@s artistas. Murió en Móstoles, Madrid, a los 79 años.
Sugerencias de videos peculiares
La Péri es un ballet en un acto con música del compositor francés Paul Dukas, originalmente coreografiado por Ivan Clustine y estrenado en París en 1912. Iskender (el nombre de Alejandro Magno en persa ) mientras trata de hallar el secreto de la inmortalidad se encuentra con una Peri (divinidad, especie de hada, de la mitología persa). En efecto, al final de sus días de juventud y tras constatar que la estrella de los Magos se había desvanecido, Iskender viaja por todo Irán en busca de la Flor de la Inmortalidad. Después de tres años de búsqueda, Iskender encuentra una Peri que lleva la Flor de la Inmortalidad que él la roba mientras ella duerme. El estilo de su música se puede describir como una mezcla de una armonía tonal romántica con unas técnicas de orquestación cercanas al impresionismo.
Fancy Free es un ballet de Jerome Robbins, con partitura de Leonard Bernstein, escenografía de Oliver Smith, vestuario de Kermit Love e iluminación de Ronald Bates . El estreno tuvo lugar el martes 18 de abril de 1944 en la antigua Metropolitan Opera House de Nueva York. Fancy Free fue la inspiración para un exitoso musical, On the Town, y una parte de la partitura también se usó en las escenas iniciales de La ventana trasera de Alfred Hitchcock. La escena es en un bar y la acera exterior de la ciudad de Nueva York, en tiempos de guerra. Tres marineros en libertad llegan ruidosamente, toman una copa (dos de ellos engañan al tercero para que pague) y se dirigen afuera en busca de compañía femenina, lo que origina variopintas incidencias de distinta índole.
La interpretación corre a cargo del New York City Ballet.
La Danza gitana es la expresión de un pueblo denominado gitano cuyo origen es una gran incógnita para los historiadores. ¿Quiénes son los gitanos? La teoría más aceptada es que el pueblo gitano es un conjunto de tribus originario del norte de la India que migró por distintas vías y en distintos períodos hasta llegar a Turquía, donde se dividieron en dos corrientes migratorias, unas hacia Europa en dirección a España y otras por el Magreb llegando hasta Andalucía. Las danzas gitanas se fueron gestando en ese período durante todo el proceso migratorio. Incluso llegó mucho después a Latinoamérica en una migración posterior. Generalmente se asocia la danza gitana con la de Europa del Este o con el flamenco, pero hay muchas otras danzas gitanas en Turquía, Rusia (Balcanes), Macedonia e incluso en los Países Árabes.
Características. Si consideramos su origen al Norte de la India, parte de la danza Kathak (del período mongol) y Kalbelia (la de los encantadores de serpientes) son una danza donde se gira y se trabaja con las plantas de los pies en una especie de zapateo descalzo. Otra particularidad podría ser su expresividad musical: trabajan rítmicamente con la síncopa, el zapateado, el palmeo y la percusión corporal que es algo de lo que se traslada también al flamenco. (Extractado del artículo de Gabriel Vaudagna Arango en la Revista Balletin Dance)
Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde su padre le compró un bandoneón. A los trece años contacta con Carlos Gardel y los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera y forma parte de distintas formaciones, desde donde sus innovaciones se consideraron como el asesinato del tango. En París contactó, sin embargo, con Nadia Boulanger quien le hizo creer en la posible conjunción del tango con la música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que sigue con su actividad hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.
Hoy el maestro Piazzola nos habla del bandoneón.
Sugerencias de música para niñ@s
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