Sugerencias de iniciación a la música clásica
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde contactó con Haydn y Salieri dándose a conocer como compositor y pianista con notorio reconocimiento público. Sin embargo, su profesión de pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
Las Bagatelas, Op. 33, (“composición musical clásica de carácter ligero y poca duración”) para piano fueron compuestas por Ludwig van Beethoven en 1801-02 y publicadas en 1803, a través del editor vienés Bureau des arts et d'industrie. Las siete bagatelas son muy típicas del estilo inicial de Beethoven, conservando muchas características compositivas de la época clásica. La segunda bagatela, que es la que hoy presentamos, escrita en forma A–B–A, es quizás la segunda más difícil de la serie. contiene escalas en terceras, arpegios, y una escala continua en la mano izquierda.
Hoy nos lo ofrece la pianista de origen ucraniano Oksana Zotova
Jules Massenet (1842 - 1912) fue un compositor francés del Romanticismo conocido principalmente por sus óperas, que fueron muy populares durante finales del siglo XIX y principios del XX. Nacido en Montaud, cuando tenía once años su familia se traslada a vivir a París para que él pueda estudiar en el Conservatorio donde sería alumno de Ambroise Thomas. Obtiene un primer premio de piano en 1859 y en 1863 gana el Grand Prix de Roma gracias a su cantata David Rizzio; en 1878 es nombrado profesor de composición en el Conservatorio de París. Massenet ha dejado una obra esencialmente lírica (veinticinco óperas); pero también compuso ballets, oratorios y cantatas, obras orquestales y unas doscientas canciones, además de algunas obras pianísticas.
Méditation es un intermezzo sinfónico de la ópera Thaïs de Massenet . La ópera se estrenó en la Ópera Garnier de París el 16 de marzo de 1894 y el Intermedio está escrito para violín solo y orquesta, como un entreacto instrumental entre las escenas del Acto II. En la primera escena del Acto II, Athanaël, un monje cenobita, se enfrenta a Thaïs, una bella y hedonista cortesana y devota de Venus, e intenta persuadirla para que deje su vida de lujos y placeres y encuentre la salvación a través de Dios. Es durante un tiempo de reflexión posterior al encuentro cuando la Orquesta toca la Meditación. En la segunda escena del Acto II, después de la Meditación, Thaïs le dice a Athanaël que lo seguirá hasta el desierto.
Janine Jansen (1978) es una violinista neerlandesa. Comenzó a estudiar violín a los seis años; estudió con Coosje Wijzenbeek, Philipp Hirshhorn y Boris Belkin. Su padre y su hermano también son músicos. Jansen surgió, en 2001, como solista con la National Youth Orchestra de Escocia, donde ofreció el Concierto para violín de Brahms. Realizó la apertura de la BBC Proms, en el año 2005. Es muy aventurera en su ejecución, con énfasis en la comunicación, más que en la precisión o la adhesión al statu quo y trabaja habitualmente con las orquestas y directores/as más sobresalientes del mundo.
Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez, que a partir de entonces sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento la claridad, delicadeza y distinción de su música.
Fantasía para un gentilhombre es un concierto para guitarra y orquesta de Joaquín Rodrigo. Es su concierto más popular, después del Concierto de Aranjuez. Sus cuatro movimientos están basados en seis danzas cortas para guitarra solista del compositor español del siglo XVII Gaspar Sanz, tomadas de la obra conocida comúnmente como Instrucción de música sobre la guitarra española. La mayor parte de los movimientos conservan los nombres originales. Rodrigo amplió los temas de Sanz para producir una obra de más empaque, aunque siempre tuvo claro hasta dónde aportar con su trabajo para mantener claras las ideas de Sanz y la esencia propia de estas danzas "Todo un pasado de danzas, en las que tiempo viejo y nuevo acaban entroncándose, revive en estos títulos. Me propuse que el lenguaje armónico y el clima sonoro no estorbaran el espíritu de aquellos títulos".
Hoy ofrecemos el segundo movimiento de este concierto con Narciso Yepes (1927-1997) como solista: músico nacido en Lorca, Murcia, y conocido mundialmente por su trabajo como guitarrista clásico español.
El Góspel se origina en las regiones sureñas de USA en las Iglesias protestantes afroamericanas del siglo XVIII; nace de los espirituales negros, cantos inspirados en las plegarias de l@s esclav@s negr@s cristian@s, que se basaban en las músicas africanas. El/la cantante principal establece un diálogo con el coro a base de llamadas y respuestas con palmas y bailes participativos. Los espirituales evolucionan al góspel con la incorporación de instrumentos musicales y una armonía más compleja.
Oh Happy Day es un himno de música gospel de 1755 del clérigo Philip Doddridge arreglado por Edwin Hawkins (1943-2018), que fue un pianista y compositor estadounidense considerado como uno de los pioneros que evolucionaron el actual góspel urbano. Él con su coro Edwin Hawkins Singers fue quien arregló y popularizó la canción de Oh Happy Day, hasta hacerla mundialmente popular en 1969, alcanzando el nº 4 en la lista de singles de USA, n ° 1 en Francia, Alemania y los Países Bajos y el nº 2 en la lista de singles de Canadá, UK Singles Chart, y en la lista de singles irlandeses . Desde entonces se ha convertido en un estándar de la música góspel.
Sugerencias de música clásica
Johann Friedrich Fasch (1688 -1758). fue un compositor alemán nacido en el pueblo de Buttelstädt, a 11 km del norte de Weimar. Después de la muerte de su padre en 1700, Fasch vivió con su tío materno, el clérigo Gottfried Wegering de Göthewitz. Se presume que él fue quien lo puso en contacto con el compositor de ópera Reinhard Keiser. Perteneció al coro infantil de Weissenfels y tuvo como maestro de música a Johann Kuhnau en la Thomasschule de Leipzig. Viajó por Alemania, obteniendo el puesto de violinista en la orquesta de Bayreuth en 1714. En 1722 fue nombrado maestro de capilla en Zerbst, cargo en el que permaneció hasta su muerte. Entre sus obras principales se incluyen cantatas, conciertos para diferentes instrumentos, sinfonías y música de cámara.
La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales (como la cantata lo era para ser cantada por una o varias voces). A partir del clasicismo (1750-1810) se estabiliza su definición que se aplica a una composición para uno o dos instrumentos y que consta generalmente de tres movimientos (rápido-lento-rápido) a veces con una pequeña introducción. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) una exposición de los dos temas principales (normalmente dos temas contrastantes entre sí) b) desarrollo de los temas presentados y c) reexposición de los temas principales. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos.
Hoy, en interpretación del Ensemble Almira, podemos disfrutar de la Sonata para dos oboes, fagot y bajo continuo FaWV N:d2.
Nicolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) Fue un compositor ruso perteneciente al grupo de Los Cinco (Grupo compuesto por Balakirev, Borodin, Cui, Musorgsky y el propio Rimsky-Korsakov) que se marcaron como objetivo común impulsar la música peculiar rusa, apartándose de la dependencia musical europea y favoreciendo el nacionalismo musical. Las obras de Rimsky son consideradas como referentes de una orquestación variada, colorida y equilibrada y estimadas entre las más representativas del repertorio orquestal; todo ello dentro de su credo nacionalista que impulsaba la incorporación de motivos, ritmos y canciones del folklore ruso a sus creaciones.
Capricho español, Op. 34, es una obra orquestal compuesta en 1887 por Nikolái Rimski-Kórsakov, basada en melodías españolas. El título original en ruso es Каприччио на испанские темы (Kaprichchio na ispánskiye temy, literalmente Capricho sobre temas españoles). La inspiración de la obra residía en la música que descubrió, en parte, en sus viajes. Entre 1862 y 1865 el compositor había viajado mucho por el mundo debido a su cargo de oficial de la marina rusa; en España pasó varios días en Cádiz. La obra consta de una parte muy destacada a cargo de un violín solista, hasta el punto de que originalmente estaba concebida como una fantasía para violín y orquesta. Posteriormente, el compositor incorporó otros instrumentos solistas.
Estructura. Consta de cinco movimientos: I (0´16´´) ALBORADA. Es un baile festivo del noroeste peninsular (asturiano, en este caso) que celebra la salida del sol .-. II (1´26´´) VARIAZIONI (Variaciones). Comienza con una melodía de las trompas y posteriormente desarrolla diversas variaciones sobre el tema, con diferentes instrumentos y secciones de la orquesta asumiendo el protagonismo .-. III (6´44´´) ALBORADA. Presenta el mismo tema del primer movimiento de manera casi idéntica, a excepción de cambios en la instrumentación y en la tonalidad .-. IV (7´53´´) ESCENA Y CANTO GITANO. Comprende cinco secciones, cada una con un instrumento solista diferente: las trompas y trompetas, el violín, la flauta, el clarinete y el arpa. Estas partes para solistas interpretan la melodía sobre un fondo rítmico a cargo de diversos instrumentos de percusión .-. V (10´11´) FANDANGO ASTURIANO. Es un baile vivo de Asturias. La pieza finaliza con una reaparición (14´47´´), más enérgica que antes, del tema de la Alborada.
Hoy nos lo ofrece la Filarmónica de Berlín conducida por el gran maestro indio Zubin Mehta (1969)
Antonín Dvořák (1841-1904), nacido en Nelahozeves (entonces Bohemia y ahora Chequia), está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 fue exaltado con todo tipo de importantes galardones internacionales por su colección de Danzas eslavas. A lo largo de su vida escribió abundante música vocal, de cámara, sinfónica y operística. Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.
El duende de las aguas (en checo: Vodník) es un poema sinfónico, op. 107 (B. 195), compuesto por Antonín Dvořák en 1896. La fuente de inspiración fue un poema que se encuentra en una colección publicada por Karel Jaromír Erben bajo el título Kytice. Cuatro de los seis poemas sinfónicos que compuso Dvořák se inspiraron en obras de poesía que se encuentran en esa colección. Vodník cuenta una historia de un duende de agua travieso que atrapa almas que se ahogan en tazas de té volcadas. La pieza sinfónica de Dvořák, compuesta en forma de rondó, sigue muy de cerca los versos escritos de Erben; en muchos lugares la música se ajusta literalmente al texto. Esto bien puede deberse al hecho de que Dvořák derivó sus temas de poner música a las palabras de Erben.
La interpretación corre a cargo de la Sinfónica de RTVE bajo la batuta del maestro alemán Jun Märkl.
Gustav Holst (1874-1934) fue un trombonista, arreglista, compositor y profesor británico. Es principalmente conocido por su suite orquestal Los planetas, pues aunque compuso muchas otras obras en una variedad de géneros, ninguna logró un éxito comparable. Su estilo compositivo distintivo fue el producto de muchas influencias, siendo Richard Wagner y Richard Strauss las más cruciales al principio de su desarrollo. El resurgimiento posterior de la canción popular inglesa de principios del siglo XX y el ejemplo de compositores modernos emergentes como Maurice Ravel llevaron a Holst a desarrollar y refinar su estilo personal. Sus composiciones tuvieron una marcada influencia en varios compositores ingleses más jóvenes, como Edmund Rubbra, Michael Tippett y Benjamin Britten.
Los Planetas es su obra más conocida y se trata de una suite que consta de siete movimientos personificados en siete planetas; está expuesta al modo de un poema sinfónico con significados frecuentes a los de la astrología y a los de la mitología grecorromana.
Marte es el primer movimiento de la suite y el movimiento en el que hoy centraremos nuestra atención. Marte es el dios de la guerra, el “Portador de la Guerra” como Holst lo subtitula, concretado en una marcha intensa, perturbadora y amenazante. Hoy nos lo ofrece la BBC Symphony Orchestra bajo la batuta de la maestra finlandesa Susanna Mälkki.
Sugerencias de música para todos los gustos
Alton Glenn Miller (1904-1944) fue un trombonista, compositor y director de Big Band estadounidense. A los 33 años fundó Glenn Miller Orchestra con la que interpretaba, grababa y vendía sus creaciones que obtenían clamorosos éxitos; sólo entre 1939 y 1942 tuvo 16 discos número uno en USA. En 1942 en plena Segunda Guerra Mundial se alistó en el ejército con la misión de actuar ante las compañías de soldados americanos; en uno de estos viajes, mientras cruzaba el Canal de la Mancha, desapareció su avión sin que nunca más se supiera de él. La Glenn Miller Orchestra actual se fundó en 1956 con las mismas ideas y objetivos que tuvo en sus inicios.
Christina Perri (1986) es una cantante estadounidense, que ha saltado a la fama a los 24 años cuando la cadena Fox utilizó en 2010 su sencillo Jar of Hearts en el programa So You Think You Can Dance, y la revista Rolling Stone la reconociese como "Band of the Week". Christina, de ascendencia italiana, se crió en Bensalem, un pequeño suburbio de Filadelfia. Se mudó a Los Ángeles cuando cumplió 21 años, se casó y comenzó a producir vídeos musicales. A los 18 meses se divorció y volvió a Filadelfia a finales del año 2009. La canción de Perri Jar of Hearts " vendió 48.000 copias digitales, debutando en Billboard Hot 100 en el número 17 y llegando al número 28 en Hot Digital Songs. Al cabo de un mes había vendido unas 100.000 copias.
Ken Zazpi es un conjunto vasco de música pop-rock creado en 1996 en Gernika (Bizkaia). En 1996 sacaron a la calle el tema Bi eta bat y en el 2000 empezaron a dedicarse a la música de manera profesional. Ese año, grabaron una maqueta en Muxika (Bizkaia) con la ayuda del guitarrista José Alberto Bátiz (entonces en Fito & Fitipaldis). Su disco acústico, Gelditu denbora ("Detén el tiempo") les llevó a una gira de conciertos por la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y Cataluña. Hoy proponemos el álbum lanzado en 2010 y que hasta el momento es su último disco de estudio, Ortzemugak begietan; en las letras contaron con la colaboración de Joseba Sarrionandia, Maialen Lujanbio, Jon Maia, Julen Gabiria y Uxue Alberdi.
Yvonne Catterfeld (1979) es una cantante y actriz alemana. A la edad de 15 años comienza a estudiar simultáneamente piano, flauta, canto y danza; tras la educación secundaria, ingresa en la Academia de Música de Leipzig para estudiar jazz y música pop durante dos años. Tras varios intentos fallidos, su cuarto sencillo Für Dich llegó a ser hit #1 en Alemania, Austria y Suiza, mientras con su primer álbum obtiene un disco platino. En la actualidad alterna su profesión de cantante con la de actriz.
Sugerencias de videos peculiares
Georges Bizet (1838- 1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses del mismo de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un referente del siglo XIX y un compositor brillante e imaginativo.
L'Arlesienne (La chica de Arlés) Es una obra de música incidental compuesta por Georges Bizet para voz, coro y orquesta de cámara, conformada por 27 números de distinta duración, de los que hoy asistiremos a cinco números coreografiados por Roland Petit e interpretados por Jérémie Bélingard y Eleonora Abbagnato y el Ballet Nacional de la Ópera de París
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
El lago de los cisnes, primer ballet de Chaikovsky, es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos; fue un encargo del Teatro Bolshói estrenado en 1877. La obra, en principio coreografiada por Julius Reisinger, no fue bien aceptada ni por el público ni por la crítica; lo que obligó a Chaikovsky a un nuevo planteamiento y a una nueva coreografía, esta vez de Marius Petipa y Lev Ivanov; su reestreno en el Teatro Mariinski de San Petersburgo logró su primer gran éxito, que ha continuado hasta el momento presente en el que se ha convertido en uno de los títulos más reputados del ballet mundial. El argumento trata de una historia de amor entre el Príncipe Sigfrido y la Princesa Odette contra los que el malvado mago Rothbart utilizará sus pérfidas artimañas que habrán de ser salvadas por el Príncipe.
Hoy ofrecemos el Dúo de amor del segundo acto en interpretación de Ulyana Lopatkina y Danila Korsuntsev acompañad@s por el Cuerpo de baile y la Orquesta del Teatro Mariinski bajo la batuta del eminente maestro Valery Gergiev
Amadeo Vives (1871-1932), compositor nacido en Barcelona, es autor de numerosas canciones y de más de un centenar de obras escénicas entre las que se han de destacar Bohemios, Maruxa y, sobre todo, Doña Francisquita consideradas entre las obras cumbre del género. Amadeo comenzó a recibir clases de música de su hermano a los cinco años; más tarde con José Ribera estudiaría piano, armonía y composición; colaboró con Lluis Millet en la fundación del Orfeó Catalá que comenzaría su andadura con canciones catalanas armonizadas por Amadeo Vives. A los catorce años había compuesto varias sonatas y a los 24 años estrena en Barcelona su primera ópera. Más tarde se traslada a Madrid donde sus estrenos escénicos recogen exitosas respuestas y reconocido prestigio.
El Fandango es un baile de movimiento vivo y compás ternario que deriva en múltiples formas; baile localizado tanto en el estado español como en la comunidad latinoamericana; mientras que Doña Francisquita es una zarzuela en tres actos basada en La discreta enamorada de Lope de Vega. Así pues, hoy asistimos al fandango de Dª Francisquita gracias al Ballet Eurolírica
La caja o caja clara es un instrumento de percusión de sonido indeterminado. Según la clasificación Hornbostel-Sachs, pertenece a la familia de los membranófonos. Es un tambor, usualmente de poca altura, con hebras llamadas bordones dispuestas diametralmente en la membrana inferior, las cuales le proporcionan su característico timbre más estridente y metálico que el del tambor común. Al músico que toca la caja se le llama a su vez, por asociación, caja, y tiene formación de percusionista. Este instrumento se usa en orquesta, en bandas de música y es una parte fundamental de la batería.
Sugerencias de música para niñ@s
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