El 27 de Enero se conmemoran los nacimientos de Mozart y de Arriaga
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, componiendo siempre de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles.
En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».
Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.
Paola Hermosín (1995) es una guitarrista, cantante, compositora y escritora alcalareña (Sevilla) que ofrece su música en todas las plataformas digitales, contando en su canal de YouTube con más de 430.000 suscriptores. Comienza sus estudios musicales de guitarra en el Conservatorio Elemental García Matos de Alcalá de Guadaíra a los 8 años de edad, de la mano de Raquel Sanz. Continuó en el Conservatorio Profesional Francisco Guerrero de Sevilla obteniendo Premio Honorífico y finalizó en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla con Matrícula de Honor y Premio Fin de Carrera compaginando sus estudios musicales con el Grado en Educación Primaria con Mención Musical, finalizándolo con un brillante expediente, por lo que también se dedica a la docencia. Paola Hermosín finalizó en 2019 el Máster en Investigación y Análisis de Flamenco con las mejores calificaciones.
Hoy nos habla y nos ofrece su propia versión para guitarra de la Marcha Turca de Mozart, así conocida popularmente el tercer y último movimiento (“Rondò Alla Turca: Allegretto”) de la Sonata para piano nº 11. Su música imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros, música que estaba muy de moda en la época. Es éste uno de los trabajos más escuchados de Mozart y uno de los más versionados.
La serenata es una forma musical concebida para un instrumento o conjunto instrumental reducido, que puede constar de uno o varios movimientos. Fue un divertimento que alcanzó enorme popularidad durante el siglo XVIII; se tocaba al anochecer, muchas veces al aire libre, y hacía las delicias de las veladas en los jardines de los palacios de los aristócratas. El término serenata procede de los italianos será (velada) o al sereno (al aire libre); es decir, se trata de una música para ser interpretada al aire libre y al atardecer. El origen de la serenata está en las baladas que los enamorados cantaban al atardecer frente a las ventanas de la amada. Es un género musical que consta de varios movimientos; en el siglo XVIII, constaba de hasta diez movimientos.
La Serenata para cuerdas n.º 13 en sol mayor K. 525, conocida como Eine kleine Nachtmusik (Pequeña serenata nocturna), es una de las obras más populares de Mozart y un claro ejemplo del estilo del Clasicismo. Tenía en origen cinco movimientos, de los que sólo se han conservado cuatro y de los que hoy sólo visionaremos el primero, Allegro. Este movimiento ilustra de manera magistral la forma sonata (exposición-desarrollo-reexposición), tan emblemática del periodo clásico. Tal es la claridad de este primer movimiento, tanto en la escritura como en el planteamiento armónico y estructural, que se configura como ejemplo perfecto de las características del estilo musical de finales del siglo XVIII: una música agradable, elegante, refinada y transparente.
Les Dissonances (Las disonancias) es una orquesta de música clásica europea creada en 2004 por el violinista David Grimal. La orquesta, que reúne a músicos franceses y europeos, está compuesta por solistas internacionales, músicos de prestigiosas orquestas y jóvenes talentos.
Kathleen Battle es una soprano lírica de coloratura estadounidense, nacida el 13 de agosto de 1948, en Portsmouth, Ohio. Inicialmente fue conocida por su repertorio de conciertos con las orquestas más importantes del mundo a principios y mediados de los años 70, debutando en la ópera en 1975. Battle amplió su repertorio con registros de soprano lírica y soprano de coloratura durante los años 1980 y principios de los 90. Su carrera operística se desarrolló a lo largo de los años 1980, con directores renombrados como Herbert von Karajan, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Seiji Ozawa, Claudio Abbado, Georg Solti, Carlo Maria Giulini Ohio, James Levine... Intervino en el Concierto de Año nuevo en Viena de 1 de enero de 1987 por invitación de Karajan, la única vez que el director dirigió este acontecimiento y la primera vez que intervino una cantante como solista. A pesar de que en la actualidad ya no actúa en óperas, Battle se mantiene activa en conciertos y recitales.
Aria, del italiano aria ("aire"), es una pieza musical creada para ser cantada habitualmente por una voz solista sin coro, con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una zarzuela. Antiguamente, era cualquier melodía expresiva frecuentemente, aunque no siempre, ejecutada por un/a cantante.
Nuestro vídeo de hoy: I (00:00) W.A. Mozart - Il Re Pastore - L'amero, saro costante (Kathleen Battle, Royal Philharmonic Orchestra, André Previn) .-. II (07:09) W.A. Mozart - Le nozze di Figaro - Porgi amor, qualche ristoro (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. III (11:23) W.A. Mozart - Zaide - Ruhe sanft, mein holdes Leben (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. IV (17:54) W.A. Mozart - Die Entführung aus dem Serail - Ach ich liebte (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. V (23:08) W.A. Mozart - Cosi fan tutte - Una donna a quindici anni (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. VI (26:35) W.A. Mozart - La clemenza di Tito - S'altro che lacrime (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. VII (29:28) W.A. Mozart - Don Giovanni - Vedrai, carino (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. VIII (33:14) W.A. Mozart - Die Zauberflöte - Ach, ich fühl's, es ist verschwunden (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. IX (37:16) W.A. Mozart - Die Zauberflöte - Bald prangt, den Morgen zu verkünden (Kathleen Battle, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine) .-. X (43:05) W.A. Mozart - Le nozze di Figaro - Deh Vieni, Non Tardar (Kathleen Battle, Wiener Philharmoniker, Riccardo Muti)
Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826) , conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua (Bizkaia), se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo enviándole con tan sólo 15 años a París a proseguir unos estudios musicales que a la edad de 3 años había comenzado con él y proseguido con el violinista Faustino Sanz; en París seguiría con los estudios de violín además de adentrarse en los de armonía, contrapunto y composición.
Pronto llamaría la atención de sus profesores por lo que al año siguiente fue nombrado professeur repetiteur de contrapunto y fuga. Murió en París 10 días antes de cumplir los 20 años; tras el triste suceso, se envió a casa de sus padres un baúl con algunos de sus objetos personales. Su legado musical, lo podemos clasificar en dos grandes apartados: a) música instrumental y b) música vocal. En el primer apartado destacaremos los Tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1 y la Sinfonía en Re. En el capítulo de música vocal, escribió varias arias y cantatas además de música religiosa y una ópera, Los esclavos felices, escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura.
Obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no; aunque algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores. Las primeras óperas que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas; pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII; fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck uno de los primeros que usó material de sus óperas para las oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que seguía.
La composición de la Obertura de Los Esclavos felices sigue el modelo francés compuesta de dos partes: una breve y lenta en ritmo ternario y a modo introductorio, y una segunda parte, rápida, más desarrollada. La ejecución nos la ofrece la Orquesta Clásica Santa Cecilia conducida por su concertino Florian Donderer.
Sugerencias de música clásica
Mozart y la masonería. La masonería apareció en Europa a finales del siglo XVII como una agrupación selectiva de carácter filantrópico, de estructura federal y con unos objetivos humanistas, como son la búsqueda de la verdad, el estudio de la conducta humana, de las ciencias y de las artes y el desarrollo social y moral de las personas y de la sociedad; todo ello fundamentado en un sentimiento de fraternidad, cuyas enseñanzas son simbolizadas con elementos de la albañilería. Con 28 años Mozart ingresó como aprendiz en la Logia Masónica de Viena; al mes siguiente ascendió al grado de Compañero y a los cuatro meses es nombrado Maestro masón. Influenciado por la Ilustración perseguía el racionalismo, aunque sin sumarse al carácter ocultista de muchos de sus compañeros.
Die Zauberflöte (La Flauta mágica) es una ópera que fue estrenada en Viena dirigida por el mismo Mozart dos meses antes de su muerte. El libreto fue escrito por un compañero de su logia masónica, Emanuel Schikaneder, con un argumento que apunta a la lucha entre el bien y el mal, la luz y las tinieblas, el conocimiento y la ignorancia; planteamientos todos, fundamentales en la doctrina masónica. Una narración repleta de simbología masónica en los personajes, en la acción y hasta en las estructuras musicales comenzando con los primeros sonidos de la orquesta: tres toques orquestales que reflejan los tres toques que el candidato masón realiza en la puerta para solicitar su admisión.
Franz Welser-Möst (1960) es un director de orquesta austriaco nacido en Linz, Austria, que durante su juventud estudió violín y mostró bastante interés en dirigir. Después de resultar herido en un accidente de coche, dejó sus estudios de violín y se dedicó por completo a los estudios de dirección. Su debut se produjo en el Festival de Salzburgo en 1985. A partir de entonces ha ocupado relevantes cargos como son: director principal de la Orquesta Filarmónica de Londres, director general de la Ópera de Zúrich, director musical (Generalmusikdirektor) de la Ópera Estatal de Viena... En 2011 y 2013 dirigió la orquesta Filarmónica de Viena en el Concierto de Año Nuevo (Neujahrskonzert) y actualmente es el director musical de la Orquesta de Cleveland.
Sinfonía. La palabra sinfonía deriva del latín symphonĭa y ésta a su vez, del griego συμφωνία (symphōnía), que significa “consonancia” en oposición a διαφωνία (diaphōnia), que significa «disonancia». En la Edad Media y más tarde, la palabra sinfonía se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente en el sentido de «sonar juntos». La palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores del siglo XVI y del XVII; y a finales del siglo XVIII la palabra ya había adquirido el significado común que en la actualidad se le asigna: una obra que generalmente consta de varias secciones o movimientos distintos y compuesta la mayoría de las veces para orquesta.
La Sinfonía nº 41, “Júpiter”, que hoy ofrecemos, es la última sinfonía que compuso Mozart. Parece que fue el empresario musical Johann Peter Salomon quien añadió el epíteto de “Júpiter” a la sinfonía, dando a entender que ésta tenía idénticas características a la del dios supremo y triunfal. Consta de cuatro movimientos, tal como marcaba la costumbre habitual de aquellos tiempos: I (0´3´´) ALLEGRO VIVACE .-. II (11´15´´) ANDANTE CANTABILE .-. III (23´12´´) MINUETTO: ALLEGRETTO .-. IV (27´32´´ ) MOLTO ALLEGRO.
La dirección de la sinfonía corre a cargo de Simone Young, directora de orquesta australiana, que ha sido directora general de la Ópera de Australia en Sídney, directora ejecutiva de la Ópera Estatal de Hamburgo y directora principal de la Philharmoniker Hamburg; ha sido, además, la primera mujer en dirigir la Filarmónica de Viena y recientemente ha sido nombrada directora musical de la Orquesta Sinfónica de Sydney.
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata, mientras el segundo y el tercer movimiento se construyen bajo diversas formas libres y puntuales. Frecuentemente, al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia, muchas veces escrita expresamente por el autor con motivos del mismo movimiento, con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
El Concierto para clarinete en La mayor, K. 622 de Wolfgang Amadeus Mozart fue compuesto en Viena en 1791 para el clarinetista Anton Stadler, gran amigo y cofrade masón de Mozart. A diferencia de todos los demás conciertos de Mozart, éste no prevé una cadencia para el solista en su primer movimiento, sino en el segundo (15´44´´-- 16´07´´). Por otro lado, está compuesto, al igual que todos los conciertos para solistas de la época, de tres movimientos. I (0´19´´) ALLEGRO - Al ser el primer movimiento está en la tonalidad de la obra: La mayor.-. II (12´20´´) ADAGIO - Como marca la norma, este movimiento está en la tonalidad subdominante en relación a la tonalidad principal de la obra; es decir, Re mayor .-. III (18´45´´) RONDÓ - En la misma tonalidad que el primer movimiento, La mayor.
Sabine Meyer (1959), la solista de hoy, es una clarinetista alemana de música clásica, que comenzó a tocar el clarinete desde muy joven. Su primer maestro fue su padre, también clarinetista. Estudió con Otto Hermann en Stuttgart, y luego con Hans Deinzer en la Escuela Superior de Música y Teatro de Hannover. Comenzó su carrera como miembro de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, y la Orquesta Filarmónica de Berlín, donde fue uno de los primeros miembros de sexo femenino. Además de su trabajo como solista, Sabine Meyer es una intérprete comprometida con la música de cámara, y ha interpretado todos los estilos de música clásica. Desde 1993 es catedrática en la Escuela Superior de Música de Lübeck.
La Sinfonía en re menor, que hoy ofrecemos, es una de las obras más paradigmáticas y representativas del legado artístico de Juan Crisóstomo de Arriaga. El año exacto de su composición se enmarca hacia 1824, momento en el que Arriaga se encontraba en Francia, en plena etapa parisina. En cuanto a la tonalidad principal en la que está compuesta la sinfonía, también hay dudas. En este caso, siguiendo una lectura de Víctor Estapé y Aurelio M. Seco, la Sinfonía está en la tonalidad de Re menor, por mucho que la introducción en Re mayor pueda despistar. La sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: I (0´30´´) ADAGIO. ALLEGRO VIVACE (3´39´´) .-. II (10´25´´) ANDANTE .-. III (18´50´´) MENUETTO: ALLEGRO .-. IV (23´05´´) ALLEGRO CON MOTO.
La interpretación de hoy nos la ofrece Jesús López Cobos (1940-2018) director de orquesta español que tuvo sus primeros contactos con la música como integrante de coro de la Catedral de Málaga; sus primeros estudios los realizó en el Conservatorio de Madrid para continuarlos en Alemania y Nueva York. A lo largo de su carrera fue director de la Ópera de Berlín, de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, de la Orquesta de Cámara de Lausana y director musical del Teatro Real de Madrid; dirigió distintas óperas en La Scala de Milán, en el Covent Garden de Londres, en el teatro de la Ópera de París y en el Metropolitan de Nueva York; como director invitado, dirigió las principales orquestas del mundo.
Sugerencias de música para todos los gustos
Mambo es un ritmo musical y danza oriundo de Cuba. La palabra “mambo” es un afronegrismo, de manera similar a otros términos musicales afroamericanos como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bambulá, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, que denotan un origen africano, y particularmente congolés. El mambo fue creado a finales de los años 1930 por los hermanos Israel Cachao y Orestes López, cuando formaban parte de la orquesta de Arcaño y sus Maravillas, acelerando el danzón e introduciendo una sincopa en la percusión.
Antonio Arcaño fue el primero en denominar a una sección del Danzón cubano como Mambo. Fue el chelista de Arcaño, Orestes López, el que creó el primer Danzón llamado Mambo en 1938. En esa pieza se combinaban algunos motivos sincopados, tomados del estilo del Son, con improvisaciones de la flauta. Antonio Arcaño describió el Mambo de la siguiente manera: “El mambo es un tipo de Montuno sincopado que posee la sabrosura rítmica del cubano, su informalidad y su elocuencia. El pianista ataca en el mambo, la flauta lo oye y se inspira, el violín ejecuta un ritmo acordes de dobles cuerdas, el bajo le adapta el “tumbao”, el timbalero repica con el cencerro, el güiro rasquea y hace el sonar de las maracas, la indispensable tumba corrobora el tumbao del bajo y fortalece el timbal.”
Sarah Willis ( 1969) Es una trompista estadounidense que creció en Maryland, Tokio, Boston, Moscú y Londres. Comenzó a tocar la trompa a los 14 años; a los 22, ingresó en la Ópera estatal de Berlín y a los 32, en la Filarmónica de Berlin donde continúa en la actualidad. En 2017 viaja por primera vez a Cuba a impartir una clase magistral de trompa, momento en el que queda prendado de la musicalidad desbordante de sus habitantes y de la alta preparación técnica de sus músicos; vuelve en tres ocasiones más a impartir otras tantas clases magistrales; de esa convivencia con músic@s cuban@s surge Mozart y Mambo que es una selección musical que combina conciertos para trompa de Mozart con música tradicional cubana. El disco se publicó en 2020 y en él aparece también la Pequeña serenata nocturna en versión mambo.
Y del disco, a la actuación: Rondó alla Mambo! Inspirado en el tercer movimiento del tercer concierto de trompa K. 447 es un flashmob (actuación insólita de un grupo de personas que aparecen y desaparecen repentinamente) escrito por Joshua Davis y Yuniet Lombida Prieto que hace su aparición en las calles de La Habana; el flashmob está interpretado por Sarah Willis e integrantes de la Orquesta Lyceum de la Habana como colofón a la experiencia del “Mozart y Mambo”.
Louis Armstrong (1901-1971), también conocido como Satchmo o Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile, en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
Kalakan es un grupo de música vasco de Ipar Alde (Sur de Francia) compuesto por Jamixel Bereau, Xan Errotabehere y Pierre Sangla. Se caracteriza por sus arreglos minimalistas (voces, percusiones) del repertorio tradicional vasco. Después de haber colaborado y hecho giras en Europa con las pianistas Katia y Marielle Labèque, el trío se da a conocer ampliamente en 2012 durante su gira mundial The MDNA Tour; la gira que realizan con Madonna dura siete meses con más de 80 conciertos por Oriente Medio, Europa, América del Norte y América del Sur. En euskera, Kalakan significa "charlando"; al trío le gusta efectivamente la música que lleva el idioma vasco.
Kalakan trabaja mucho el repertorio tradicional vasco y propone una lectura contemporánea del mismo, utilizando por ejemplo la estructura verso-estribillo del pop o del rock'n'roll. Se inspira también en las técnicas de percusión de grupos de música tradicional como: Dakha Brakha (Ucrania), Barbatuques (Brasil) o Berrogüetto (Galicia). El trío toca percusiones vascas (pandereta, txalaparta, tobera, ttun-ttun, atabal), percusiones corporales y tambores gordos hechos a mano. Limitando los arreglos a las percusiones y a las voces, los miembros de Kalakan quieren volver a la esencia de la música: ritmo y melodía. Así, dando ritmo a las viejas melodías o interpretando a capella cantos más recientes, marcan una ruptura en el canto vasco que se desarrolla desde los años 70 en el País Vasco.
Elissa (1972) nacida en Líbano de padre libanés y madre siria, es una de las cantantes árabes más reconocidas. Comenzó su carrera a los 20 años ganando la medalla de plata del concurso libanés LBC; después, en 1998, lanzó el sencillo Baddi Doub, música árabe fusionada con flamenco, cuyo éxito le llevó a participar en el Festival de Cannes del 2000. Ha recibido importantes reconocimientos en Hollywood, Londres y en el mundo árabe.
Sugerencias de videos peculiares
Il Giardino degli Amanti. Se trata de una suite creada por el coreógrafo romano Massimiliano Volpini con fracciones de composiciones de Mozart en las que van apareciendo distintos personajes de sus obras que bailan las misteriosas e íntimas músicas a las que son invitados.
Roberto Bolle (1975) es un bailarín italiano de ballet clásico que ha actuado con las compañías de ballet más renombradas del mundo. En 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre.
Así mismo, Nicoletta Manni (1991) es la primera bailarina del Ballet del Teatro La Scala.
Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.
Sylvia, originalmente Sylvia ou La Nymphe de Diane (“Sylvia o la ninfa de Diana”) es un ballet en tres actos, con coreografía de Louis Mérante y música de Léo Delibes, estrenado el 14 de junio de 1876 en París. Sylvia es un notable ballet clásico, con unas peculiaridades que lo hacen único por el escenario mitológico de la Arcadia, sus creativas coreografías, su amplia escenografía, su gran influencia en las artes y, sobre todo, su notable partitura. Cuando Sylvia fue estrenada el 14 de junio de 1876 en el Palais Garnier, fue ignorada ampliamente; fue con su recuperación en 1952, con una coreografía nueva de Sir Frederick Ashton, cuando se popularizó.
Hoy ofrecemos el ballet entero con Marie-Agnès Gillot, José Martínez y el Ballet de la Ópera Nacional de París.
Belén Maya (1966) es una bailaora de flamenco que nació en Nueva York en 1966, durante una gira de sus padres (ambos artistas flamencos). A los 18 años comienza a estudiar sevillanas, baile flamenco, danza clásica española, jazz y danza contemporánea. Más tarde ingresó en la Escuela del Ballet Nacional Español y después, en la Compañía Mario Maya donde en tres años pasó de ser integrante del conjunto a convertirse en la bailarina principal de la compañía. Pasó seis meses en Tokio y a su regreso era ya la directora de la Compañía de Baile de Andalucía. Trabajó con Carlos Saura en su película de renombre mundial, Flamenco. Su último trabajo, Bipolar', es un encuentro entre tradición y modernidad en el que viaja a través de la historia de esta danza.
El tango (“por tangos”) es un palo del flamenco con copla, de tres o cuatro versos octosílabos. Es un baile alegre y animado. Está considerado como uno de los palos básicos del flamenco, existiendo variadas modalidades, entre las que destacan las de Granada, Cádiz, Triana o Jerez. Algunas teorías indican que el origen del tango flamenco han de repartirse entre Cádiz y Sevilla, desde donde desplegó su influencia hacia Sudamérica, donde cristalizó en el posterior tango rioplatense.
En unos minutos Gioconda Toscano nos explica de modo sencillo este trabajo de artesanía.
Sugerencias de música para niñ@s
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