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El origen del Carnaval parece que proviene de las fiestas que se celebraban en el Imperio Romano en honor a Baco, dios del vino y la fiesta, para festejar la llegada de la primavera. En la cultura occidental, el Carnaval está asociado al catolicismo, pues con el Miércoles de Ceniza comienza la Cuaresma, tras la que viene la Semana Santa; días, todos ellos, de recogimiento y penitencia. De este modo, sabiendo la que se avecina, se celebra el último día de fiesta, el Martes de Carnaval; fiesta que comienza el jueves anterior, denominado Jueves Lardero o Jueves Gordo. Lo característico de estos días consiste básicamente en la celebración en la calle de un desenfreno festivo y colectivo expresado en disfraces, coplas, bailes, desfiles y cualquier ocurrencia surgida.

Jean Baptist Arban (1825 - 1889) fue un cornetista, director de orquesta y pedagogo francés. Estuvo influenciado por la técnica virtuosa del violín de Niccolò Paganini y realizó un intento de usar la corneta como un verdadero instrumento solista. Nació en Lyon (Francia) el 28 de febrero de 1825. Estudió trompeta con François Dauverné en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París de 1841 a 1845. Fue nombrado profesor de saxhorno (familia instrumental en la que, entre otros instrumentos, se agrupan la corneta, el bombardino y la tuba) en la Escuela militar en 1857 y profesor de corneta en el Conservatorio de París en 1869, donde Merri Franquin se encontró entre sus alumnos. Publicó Grande méthode complète pour cornet à pistons et de saxhorn en París en 1864 y es todavía usado por los intérpretes modernos.

Sus variaciones sobre el tema Carnaval de Venecia, que hoy ofrecemos, sigue siendo uno de los referentes para los solistas de corneta y trompeta modernos. Hoy lo ofrecemos en versión trompeta con Sergei Nakariakov como ejecutante solista.

Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, músico aficionado, a los siete años le impartió su primera clase de piano. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX; sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos.​

Liebesträume (sueño de amor) es un conjunto de tres nocturnos escritos para piano por Franz Liszt (1811-1886), de los que el nº 3, que hoy sugerimos, es el más conocido.

Hoy lo ofrecemos en versión violoncello-piano de la mano de la chelista Seeli Toivio acompañada por su hermano, el pianista Kalle Toivio

Gregorio Allegri (1582-1652) fue un sacerdote, cantante y compositor italiano; se inició musicalmente como niño soprano en la iglesia de San Luigi dei Francesi de Roma con el maestro di capella Giovanni Bernardino Nanino desde 1591 hasta 1596, año en que su voz mudó. Estudió música con Giovanni Maria Nanino, hermano de Bernardino y amigo de Giovanni Pierluigi da Palestrina. En 1629 ingresó en el Coro de la Capilla Papal, permaneciendo en él hasta su muerte; el cargo le proporcionó prestigio y seguridad económica. Su obra, fundamentalmente compuesta por música sacra, consta de numerosas misas, motetes, lamentaciones, magnificats, concertini para voz solista, etc. Compuso, además, una sonata en cuatro partes para cuerdas considerada prototipo del cuarteto de cuerdas.

Miserere. Su creación más conocida es la música compuesta para el salmo Miserere mei Deus, realizada hacia 1638. Desde entonces la obra es interpretada regularmente durante la Semana Santa en la Capilla Sixtina. Está escrita para dos coros, uno de cuatro voces y otro de cinco. Uno de los coros canta una versión simple del tema original y el otro coro, a cierta distancia, canta un comentario más elaborado. Es uno de los mejores ejemplos del estilo polifónico del Renacimiento, llamado en el siglo XVII stile antico o prima prattica, y denota las influencias combinadas de la escuela romana (Palestrina) y veneciana (Andrea y Giovanni Gabrieli, el coro doble).

En un principio se impuso la prohibición de ejecutar la obra fuera de la Capilla Sixtina, incluso se amenazaba con la excomunión a quien la copiara, pese a lo cual se hicieron algunas copias. En 1770 Wolfgang Amadeus Mozart, de tan solo 14 años, tras escucharla una sola vez, transcribió la obra al papel de memoria para luego introducir correcciones menores en una segunda ocasión. Este hecho es generalmente recordado como muestra del genio de Mozart, quien incluso fue nombrado Caballero de la Orden de la Espuela de Oro por el papa cuando se enteró del suceso. La copia de Mozart, que reflejaba las improvisaciones, no ha sido conservada.

Hoy lo ofrecemos en interpretación de The Choir of Clare College de Cambridge conducido por su titular Timothy Brown.

Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un  compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por su homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.

Romeo y Julieta, obra que hoy ofrecemos, es una “obertura/fantasía”, tal como la subtitula el propio autor, basada en la obra homónima de William Shakespeare; en ella nos retrata los estados de ánimo de los personajes que han de vivir entre el amor y la violencia enfrentados una y otra vez hasta que el tema del amor aparece lángido y mortecino anunciando el suicidio de los dos protagonistas.

Hoy lo podemos visionar en interpretación de Sian Edwards (1959) directora inglesa que inicia su carrera volcada fundamentalmente en la ópera y siendo la primera mujer contratada por la Royal Opera House, Covent Garden para al año  siguiente volver a ser invitada. Ha trabajado con muchas de las orquestas más importantes del mundo como son la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Berlín, la Sinfónica de Radio Frankfurt, la Filarmónica de San Petersburgo, la Sinfonietta de Londres, etc.

La samba​ es un género musical de raíces africanas surgido en Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la identidad nacional. (No debe confundirse con la Zamba, género musical completamente distinto, de origen argentino). Si bien en algunos países se utiliza la voz femenina (la samba), en Brasil y en algunos países como Argentina y Uruguay, se utiliza la voz masculina (el samba). Fue en la antigua capital de Brasil donde la danza de los esclavos libertos entró en contacto con otros géneros musicales y los incorporó, adquiriendo un carácter singular. De esta forma, fue el samba carioca el que alcanzó la condición de símbolo de la identidad nacional brasileña difundiéndose en todo Brasil, asociada al Carnaval.

Hoy ofrecemos esta colección de obras musicales carnavalescas de Brasil.

Daniela Romo (1959), de nombre real Teresa Presmanes Corona, es una cantante, actriz y presentadora mexicana. A los once años ingresó en un coro; posteriormente estudió teatro en la Academia Andrés Soler y luego viajó a Los Ángeles para estudiar canto. Como intérprete, Daniela grabó su primer disco en 1979. En 1983 firmó con Hispavox un contrato para grabar su disco Daniela Romo. En 1984 participa en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile teniendo gran éxito. En 1985 participó en el Festival Mundial de la Canción Popular en Tokio, representando a México. En 40 años como cantante ha grabado más de 20 discos y vendido más de 18 millones de copias.​ Es la segunda cantante mexicana más exitosa en las listas de Billboard, tan solo detrás de Ana Gabriel.

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético, considerado como uno de los principales compositores del siglo XX y creador de numerosas obras maestras en distintos géneros musicales. Sus obras incluyen obras tan populares como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, Pedro y el lobo... Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Tras su muerte, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguirá siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea». 

Romeo y Julieta es un ballet basado en la obra homónima de William Shakespeare y estructurado en tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales. La dificultad de la partitura impidió el disfrute del compositor del éxito que años después tendría su pieza; fue criticado por la falta de lirismo y la naturaleza sinfónica, al igual que le sucedió a Chaikovski.

Hoy ofrecemos el ballet entero en versión del Ballet de la Ópera Nacional de París.

La chirigota es una agrupación musical coral de carácter carnavalesco que canta principalmente por las calles ofreciendo coplas humorísticas a la ciudad. También se denomina genéricamente chirigotas a las canciones interpretadas por estas formaciones corales. Las chirigotas son coplillas recitativas y monólogas y poseen unas formas musicales muy simples procedentes del pasodoble, la rumba, el tanguillo, la seguidilla, la jota, la isa canaria, etc. Las letrillas inventadas ad-hoc se acoplan a esta música y tratan de muy diversos temas, centrándose sobre todo en la actualidad, tanto política como de la prensa del corazón. En muchos carnavales se celebran concursos donde los grupos compiten por diversos premios, valorándose principalmente tres aspectos: el vestuario o presentación, la calidad de las voces y la agudeza de las letras. El objetivo principal de la chirigota es hacer reír al público a través de la crítica satírico-humorística.

La chirigota de Cádiz está compuesta por un máximo de 12 componentes y un mínimo de 7, que interpretan el repertorio como mínimo a dos voces. La voz que suele usar la chirigota es el tenor, que lleva la melodía. Esta voz se acompaña de segundas voces (tercera descendente) y a veces con bajos. La chirigota se acompaña musicalmente de un bombo, una caja, dos guitarras y de los güiros. El repertorio que interpretan las chirigotas que se presentan al Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas consta de una presentación (no necesariamente con música inédita) que esté relacionada con el tipo (disfraz) que lleva esa agrupación, dos pasodobles (con música original de la agrupación), dos cuplés (con música original), un estribillo (cantados al final de cada cuplé y también originales) que esté relacionado con el tipo de la agrupación y con un popurrí (dividido en cuartetas) que también hace referencia al tipo de forma burlesca y humorística. En la chirigota, a diferencia de las comparsas y los coros de carnaval, lo que más puntos da a la agrupación son los dos cuplés más el estribillo.