Sugerencias de iniciación a la música clásica
Claudio Monteverdi (1567-1643), fue un compositor, violagambista, cantante, director de coro y sacerdote italiano. Compuso tanto música secular como sacra y marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es una figura crucial en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Nacido en Cremona, donde realizó sus primeros estudios musicales y composiciones a los 16 años publicó sus primeras obras. Desarrolló su carrera primero en la corte de Mantua y luego, hasta su muerte, en la República de Venecia.
El madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto profano, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, posee una letra en lengua italiana de temática profana, carácter popular y armonía contrapuntística; compuestos en su mayoría para voces a capella y en algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales.
Los Madrigales de Monteverdi, ocupan un lugar destacado en la historia de la música, principalmente de la música coral, y representan la culminación del género madrigalesco. A lo largo de estos libros es posible apreciar la evolución de la música de Monteverdi, desde el estilo polifónico de la música del Renacimiento hasta la utilización de la monodia acompañada característica del Barroco. Los cuatro primeros libros de madrigales, compuestos para cinco voces a capella, se sitúan dentro de la Prima pratica, el estilo polifónico tradicional, aunque Monteverdi utiliza un lenguaje armónico cada vez más innovador, con disonancias más audaces conforme avanza la serie.
El Quinto Libro de Madrigales se publicó en 1605 dedicado a su mecenas, el Duque Vicenzo Gonzaga de Mantua y constituye el punto de inflexión hacia la Seconda pratica, donde la música se subordina a la expresión emocional del texto poético, en consonancia con la naciente ópera y los principios del humanismo florentino, con combinaciones más variadas de las voces y partes solistas, y con el acompañamiento instrumental del bajo continuo, donde "las palabras son dueñas de la armonía, no esclavas". Por otra parte, el tradicional madrigal a cinco voces se transforma en este libro en madrigale concertato, introduciendo el acompañamiento instrumental del bajo continuo
I. Cruda Amarilli (00:00) II. O Mirtillo, Mirtill'anima Mia (03:01) III. Era L'anima Mia (05:45) IV. Ecco, Silvio, Colei (09:21) V. Ch'io T'ami (24:43) VI. Che Dar Più Vi Poss'io? (33:16) VII. M'è Più Dolce Il Penar Per Amarilli (36:37) VIII. Ahi, Come A Un Vago Sol Cortese Giro (40:18) IX. Troppo Ben Può Questo Tiranno Amore! (45:13) X. Amor, Se Giusto Sei (48:52) XI. T'amo, Mia Vita! (52:41) XII. E Così, A Poco (55:42) XIII. Questi Vaghi Concenti (59:08)
Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, músico aficionado, a los siete años le impartió su primera clase de piano. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX; sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos.
La Rapsodia húngara n.º 2 forma parte de las diecinueve Rapsodias húngaras de Lizt. Ofrece al pianista la oportunidad de mostrar su virtuosismo al mismo tiempo que atrae enormemente al público. La obra consta de dos partes distintas: el Lassan y el Friska (del húngaro: lassú - lento; friss - fresco, rápido). Está escrita en Do sostenido menor y está dedicada al conde Ladislas Teleky ("au Comte Ladislas Teleky"). Fue compuesta en 1847 y publicada por primera vez como pieza para piano solo en 1851. Esta rapsodia se ha utilizado en dibujos animados, en diversas películas y ha servido como base para varias canciones populares. Hoy la ofrecemos en versión para violín y orquesta con la violinista húngara Katica Illényi, acompañada por la Győr Philharmonic Orchestra, conducida por István Silló.
Jesús Guridi (1886-1961) nació en Vitoria-Gazteiz en una familia musical. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores/as, por lo que se movieron a Bilbao, donde gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum para estudiar piano, órgano, contrapunto y composición. Tras terminar sus estudios, pasó por Bélgica, Colonia y Munich para profundizar en los mismos. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 vuelve a Madrid, como director del Conservatorio, donde fallecería a los 75 años.
El Caserío es una zarzuela de principios del siglo XX escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, con música de Jesús Guridi. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 11 de noviembre de 1926. El Caserío, comedia lírica en tres actos con buena parte de su música inspirada en el folclore vasco, es una de las composiciones más importantes de Guridi; de carácter costumbrista, en ella se nos expone la vida cotidiana de una aldea campesina imaginaria, Arrigorri, con sus estereotipados típicos personajes: el cura, el alcalde, el secretario, el indiano rico, la tabernera... Hoy ofrecemos su Preludio conducido por el ilustre maestro toresano Jesús López Cobos.
Yann Tiersen (1970), es un multifacético compositor francés, que, entre otras músicas, ha compuesto la banda sonora de las películas Amélie, Good Bye, Lenin! y Tabarly. Se caracteriza por su faceta multinstrumentista, tocando violín, piano, acordeón y guitarra eléctrica, a la que ha convertido en el instrumento principal de sus conciertos. Durante su infancia estudió en diversos conservatorios de Rennes, Nantes y Boulogne violín y piano y más tarde, composición. Desarrolló su juventud influenciado por el rock (llegando a tener un grupo de rock en su adolescencia), la chanson y la música clásica. Esta mezcla fue base esencial para una comprensión adecuada de su música, llegando a compaginar e incluso unir el rock instrumental con partituras más clásicas durante toda su carrera.
Lola Astanova (1982) es una pianista nacida en Uzbekistán (país asiático, en su momento perteneciente a la antigua República Soviética). A la edad de los ocho años realizaba ya giras como concertista asombrando al público de media Europa por su técnica e imaginación infantil. Ha actuado en las mejores salas del mundo tanto sola como bajo la batuta de los principales directores de orquesta. Hoy nos ofrece esta delicada pieza de Tiersen.
Sugerencias de música clásica
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca, reemplazando a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa. La obra lírica de Rameau constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Barroco francés con su obra más conocida, la ópera-ballet Les Indes galantes. A pesar de todo, sus obras líricas fueron olvidadas hasta mediados del siglo XX al beneficiarse del movimiento de redescubrimiento de la música antigua; sus obras para clavecín, sin embargo, siempre estuvieron presentes. Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX; falleció en 1764 a los 81 años.
Castor et Pollux (Cástor y Pólux, en castellano) es una ópera barroca estructurada en un prólogo y cinco actos con música de Jean Philippe Rameau y libreto en francés de Pierre-Joseph Bernard (Gentil-Bernard). Fue estrenada en la Académie Royale de Musique de París el 24 de octubre de 1737. Esta tragédie en musique tuvo sendas versiones posteriores en 1754 y 1764; fue un gran éxito, con numerosas reposiciones en la Ópera de París. Rameau hizo cortes sustanciales y modificaciones, añadiendo nuevo material a la ópera para su reposición en 1754. En la actualidad esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 928 de las óperas representadas en el período 2005-2010, siendo la 128.ª en Francia y la novena de Rameau, con 2 representaciones.
Hoy lo ofrecemos en versión de John Tessier, Castor; Edwin Crossley-Mercer, Pollux; Omo Bello, Télaïre; Michèle Losier, Phoebe; Jean Teitgen, Jupiter; acompañad@s por Le Concert Spirituel et le Choeur du Concert Spirituel, bajo la dirección de su titular, el maestro francés Hervé Niquet.
Frédéric Chopin (1810-1849) fue un virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado uno de los más importantes de la historia y como compositor, uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.
Catálogo de las obras de Chopin. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
La Sonata para violonchelo en sol menor, op. 65, fue escrita por Frédéric Chopin en 1846-1847. Es una de las nueve obras de Chopin publicadas durante su vida que fueron escritas para instrumentos distintos del piano (aunque el piano todavía aparece en todas las obras que escribió). Chopin compuso cuatro sonatas, las otras tres son sonatas para piano. La Sonata para violonchelo fue la última de las obras de Chopin que se publicó durante su vida. La sonata destaca por la concentración de su material: gran parte de la música del primer movimiento surge de la declaración inicial del violonchelo, y ciertas formas temáticas aparecen en todos sus movimientos.
Estructura. La composición consta de cuatro movimientos: I (0´10´´) ALLEGRO MODERATO en Sol menor .-. II (15´17´´) SCHERZO en Re menor, TRÍO en Re mayor.-. III (20´04´´) LARGO en Si bemol mayor .-. IV (23´36´´) FINALE. ALLEGRO en Sol menor, terminado en Sol mayor.
Hoy nos lo ofrecen Miklós Perényi al chelo y András Schiff al piano.
Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del siglo XX. Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, de donde se toma la Danza de los caballeros, Pedro y el lobo... Creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Tras su muerte en 1953, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».
Romeo y Julieta es un ballet en tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales. La dificultad de la partitura impidió el disfrute del compositor del éxito que años después tendría su pieza; fue criticado por la falta de lirismo y la naturaleza sinfónica, al igual que le sucedió a Chaikovski.
Hoy podemos visionar la suite del ballet bajo la conducción de Xian Zhang (1973), directora de orquesta chino-estadounidense, y la primera mujer en ser directora titular de la Orquesta Sinfónica de la BBC en Gales.
Kaija Saariaho (1952) es una compositora finlandesa con residencia en París desde 1982. En una encuesta de compositores de 2019 realizada por BBC Music Magazine, Saariaho fue clasificada como el/la mejor compositor/a viv@. Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París. Sus texturas polifónicas a menudo se crean combinando música en vivo y electrónica. En 1982, comenzó a trabajar en IRCAM investigando análisis informáticos del espectro sonoro de notas individuales producidas por diferentes instrumentos, alejándose del estricto serialismo hacia el espectralismo. Ha recibido encargos para el Kronos Quartet, para el Ensemble Intercontemporain, la BBC, la Filarmónica de Nueva York, el Festival de Música de Salzburgo y el Théâtre du Châtelet de París, entre otros.
Circle Map es una composición para orquesta y electrónica de la compositora Saariaho. El trabajo fue comisionado conjuntamente por la Royal Concertgebouw Orchestra y otras importantes orquestas europeas y americanas; su estreno tuvo lugar en el Gashouder de Ámsterdam el 22 de junio de 2012, por la Royal Concertgebouw Orchestra bajo la dirección de Susanna Mälkki. La obra está articulada en seis movimientos que llevan el título de seis poemas del poeta y teólogo persa Muhammad Rūmī: I VIENTO DE LA MAÑANA (0´43´´) .- II CIERRE DE MUROS (5´45´´) .- III CÍRCULOS (9´45´´) .- IV LOS DÍAS SON TAMICES (15´25´´) .- V DIÁLOGO (20´00´´) .- VI DÍA Y NOCHE, MÚSICA (26´20´´).
Hoy nos la ofrece la KMH Symphony Orchestra conducida por la maestra austríaca Nazanin Aghakhani.
Sugerencias de música para todos los gustos
Kellylee Evans (1975) es una vocalista canadiense de música soul y jazz. Educada en la Universidad de Carleton (1993-2000), fue allí donde descubrió el jazz cuando "se perdió en los ascensores del edificio Loeb y encontró el departamento de música". Pasó siete años allí y obtuvo dos licenciaturas antes de comenzar su maestría en derecho en 1997. Esos estudios quedaron en suspenso mientras se concentraba en su carrera musical. Más tarde regresó a Carleton como artista residente de la universidad. En 2004, ganó el segundo lugar en el Concurso Internacional de Voces de Jazz Thelonious Monk. En 2006, lanzó su álbum debut Fight or Flight? por el cual fue nominado para un premio Juno 2007. Tras unos años de desgracias personales, en 2019 ofreció su primer concierto en Francia y una gira de conciertos en 2020.
Oasis fue una banda de rock inglesa icono del Britpop, formada en Mánchester en 1990. Debido a las 15 millones de copias vendidas de su álbum debut Definitely Maybe, a las 30 millones de copias vendidas de su segundo álbum (What's the Story) Morning Glory? y al hecho de que su tercer álbum Be Here Now se convirtiera en el disco más rápidamente vendido en la historia del Reino Unido con 520.000 copias vendidas tan sólo el día de su puesta a la venta, Oasis ha sido considerado como uno de los grupos musicales más importantes en la historia musical de Reino Unido, habiendo entrado en varias ocasiones en el Libro Guinness de los récords. Publicaron 33 singles, de los cuales 9 alcanzaron el puesto n.º 1 de las listas británicas y 2 el puesto n.º 1 de las listas estadounidenses.
Christina Rosenvinge Hepworth (1964) es una cantautora española de música rock/pop e indie. Nació en Madrid, de padres daneses, Hans Jørgen Christian Rosenvinge (fallecido en 1991) y Daphne Ankerstjerne Hepworth (mitad de ascendencia británica), emigrados a España en los años cincuenta. Vinculada a la música desde la adolescencia, posee una de las carreras más singulares en la música pop española. Exintegrante de Ella y Los Neumáticos, Magia Blanca, Álex & Christina y Christina y Los Subterráneos, ha pasado del éxito comercial que obtuvo a finales de los ochenta y principios de los noventa a facturar un estilo confesional y arriesgado que la sitúa como una figura de referencia en el pop de autor actual.
La Música de Camerún. La música popular más antigua registrada en Camerún data de la década de 1930, cuando los estilos más populares eran la música pop importada y la chanson de estilo francés. Ekambi Brillant y el primer gran éxito camerunés, "N'Gon Abo", sentaron las bases para el desarrollo del makossa. Después de la independencia en 1960, la urbanización de Camerún ha tenido una gran influencia en la música del país. La migración a la ciudad de Yaundé, por ejemplo, fue una de las principales causas de la popularización de la música bikutsi. Las orquestas de balafones (instrumento idiófono de teclado de madera, con resonadores de calabaza), que constan de 3 a 5 balafones y varios instrumentos de percusión se hicieron comunes en los bares.
En la década de 1990, tanto el makossa como el bikutsi perdieron popularidad a medida que una nueva ola de géneros ingresó al público general. Éstos incluían la nueva rumba y el makossa-soukous con influencia congoleña, así como formas más nativas como el bantowbol, la nganja del Norte de Camerún y una música callejera urbana llamada bend-skin.
Sugerencias de videos peculiares
Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un compositor brillante e imaginativo.
Carmen es una ópera dramática en cuatro actos con música de Georges Bizet y libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, basado en la novela Carmen de Prosper Mérimée; la acción transcurre en la Sevilla de 1820 protagonizada por una bella e impulsiva gitana de fuerte carácter. Hoy presentamos una selección coreografiada de Carmen interpretada por dos prominentes figuras del ballet mundial. Roberto Bolle (1975). es un bailarín italiano que en 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre. Por otra parte, Polina Semiónova (1984) es una bailarina rusa que ha recibido importantes galardones y reconocimientos desde que con sólo 18 años fue la primera bailarina del Staatsballett Berlin.
Marius Petipa (1818-1910) fue un coreógrafo, maestro de ballet y bailarín francés, radicado en la Rusia imperial; con él se dio por terminada la época del ballet romántico para inaugurar la del grand ballet ruso. Entre sus obras destacadas se cuentan El lago de los cisnes, La bella durmiente, El cascanueces, Raymonda, Don Quijote, Paquita y La bayadera.
Riccardo Drigo (1846-1930) fue un director de orquesta y compositor italiano nacido en Padua. Tras conseguir cierta notoriedad tanto como director como compositor, se trasladó a San Petersburgo donde dirigió distintas óperas y ballets. Permaneció en Rusia durante 40 años escribiendo distintas óperas y ballets en colaboración con notables coreógrafos como Marius Petipa, Lev Ivanov y Michel Fokine con los que colaboraría estrechamente.
Le Reveil de Flore (El Despertar de Flora), es un ballet anacreóntico en un acto con coreografía de Marius Paipa y música de Riccardo Drigo, que se basa en el mito greco-romano antiguo de Flora. En la mitología romana, Flora, es la diosa de las flores, los jardines y la primavera. Su festividad, la Floralia, se celebraba en abril o principios de mayo y simbolizaba la renovación del ciclo de la vida.
Según nos narra el poeta romano Ovidio, Flora era originalmente una ninfa griega llamada Chloris. Un día, Chloris estaba vagando en un campo cuando Zephyrus, el dios del viento del oeste, la ve y se enamora de ella. Luego, Zephyrus secuestra a la ninfa y se casa con ella; como prueba de su amor, le otorga a su nueva novia el poder de gobernar las flores, las plantas, los árboles y los huertos, por lo que Chloris se convirtió en Flora, la diosa de la primavera y las flores. Los dioses y las diosas al final se unen para celebrar el ascenso de Flora a la inmortalidad (Extractado del artículo publicado por el Centro de Danza de Puerto Rico)
Hoy ofrecemos el Pas de Quatre de dicho ballet.
Mikis Theodorakis (1925- 2021) fue un compositor e intelectual griego, conocido también por su militancia política, especialmente como opositor a la Junta de los Coroneles en 1974. Nacido en la Isla de Quíos y criado dentro del folklore griego y la liturgia ortodoxa, desde su infancia comenzó a componer antes de recibir lecciones de música o saber tocar algún instrumento. Con apenas diecisiete años, eran los años de la Segunda Guerra Mundial, el joven Mikis se unió a la resistencia, primero contra la Italia fascista y después contra la Alemania nazi; aunque es igualmente cierto que antes había pertenecido a grupos fascistas del régimen de Ioannis Metaxas. Ayudando a familias judías a escapar de las autoridades germanas, fue detenido y torturado por los italianos en 1943.
En 1954, obtuvo una beca para completar estudios en París, donde se inscribe en el conservatorio y estudia análisis musical, bajo la dirección de Olivier Messiaen y dirección de orquesta con Eugène Bigot; en 1957 obtuvo el primer premio del Festival de música de Moscú por su Suite n.º 1 para piano y orquesta.
Sirtaki (Sirtáki o Syrtáki - en griego συρτάκι) es una danza creada para la película Zorba el griego, en la que se mezclan las versiones lentas y rápidas de la danza de Hasapiko (Hasápikos, Chasápikos); una característica distintiva de la danza y de la música de Sirtaki es su aceleración: la danza comienza lenta, transformándose gradualmente en más rápida; en general no incluye saltos. Hoy ofrecemos una suite de danzas griegas encabezada por Sirtaki realizada por el Ballet Igor Moiseyev.
Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde su padre le compró un bandoneón. A los trece años conoce a Carlos Gardel, quien le muestra los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde sus innovaciones se consideraron como el asesinato del tango. En París contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en la posible conjunción del tango con la música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que sigue con su actividad hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.
Hoy el maestro Piazzola nos habla del bandoneón.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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