A las 12 del mediodía del 6 de julio comienzan las Fiestas de San Fermín
Sugerencias de iniciación a la música clásica
La Biribilketa de Gainza es la primera pieza que se interpreta en los sanfermines tras el Txupinazo en el zaguán del Ayuntamiento, de la mano de La Pamplonesa y Txistularis de Pamplona y Navarra,
Manuel Gainza Músico guipuzcoano que nace en Tolosa el 18 de mayo de 1885 y muere en Getxo el 1 de abril de 1943. Discípulo de Gorriti y Mocoroa, fue además organista de la parroquia de Sestao, y director del Orfeón Trabajo y Cultura y de la Sociedad Coral de Portugalete (1906-1907). Su vinculación al mundo coral también se refleja en la fundación del Coro Biotz-Alai de Getxo en 1926. Por otro lado, compuso obras para banda y para txistu, siendo a su vez autor de diversas armonizaciones. Varias de sus composiciones y armonizaciones están publicadas en la revista Txistulari. (extractado de Auñamendi Eusko Entziklopedia)
Biribilketa Kalejira, Pasacalles, Martxa, Martxea, Karrikadantza, Marcha vasca, ... muchos nombres para expresar una única realidad: el significado de estos términos es muy común: una marcha ligera, normalmente escrita en compás de 6/8 (pero a veces en 2/4). Las frases son cuadradas, de dieciséis compases, aunque muchas veces constan de ocho compases repetidos, generalmente con una estructura de antecedente y consecuente. En general, cumplen todas las condiciones de la música erudita europea (extractado de Auñamendi Eusko Entziklopedia).
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios musicales. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.
El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken y revisado y completado por Robbins Landon y su mujer Christa, que ha sido adoptado universalmente, aunque actualmente se sabe que no refleja con exactitud la cronología la composición de las obras, criterio usado por Hoboken en el catálogo. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos corresponde con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob.
La sinfonía nº 44 en mi menor, Hoboken I/44, de Joseph Haydn, fue compuesta en 1772. Se la conoce popularmente con el nombre de Trauer (Fúnebre). La obre es característica del periodo Sturm und Drang (tempestad e ímpetu) de Haydn y consta de cuatro movimientos, de los cuales hoy ofrecemos el Primero, Allegro con brio, en 4/4; escrito en forma sonata, que empieza con un motivo de cuatro notas tocadas al unísono; motivo que aparece por todo el movimiento. Hoy la ofrecemos en interpretación de la London Symphony Orchestra conducida por la eminente maestra canadiense Barbara Hannigan.
Pablo Sarasate (1844-1908) Fue un compositor y virtuoso del violín nacido en Iruña/Pamplona. Niño precoz al que sus padres, conscientes de las aptitudes musicales de su hijo, le formaron en el estudio del violín; estudios que amplió en Madrid y París. En 1859 comenzó su carrera pública dando conciertos por toda Europa y América manteniéndose activo hasta su muerte. Su prestigio universal quedó patente con la dedicatoria con la que encabezaron algunas de sus partituras eminentes compositores como Max Bruch, Camille Saint-Saëns, Édouard Lalo, Henryk Wieniawski, Antonín Dvořák … y algunos otros. Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz en 1908, a los 64 años de edad.
Catálogo de las obras de Sarasate. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
La Jota navarra. Según publicó en el Diario de Navarra (1966) el escritor José María Iribarren: “La jota navarra empieza a calar en el alma navarra en la epidemia de cólera del año 1885. La ciudad de Tafalla tiene en la jota su medicina; junto a las fogatas de azufre, están las rondallas para templar los ánimos. De este modo, la jota se hace consustancial con Navarra, y especialmente, con la Ribera. A todo esto, Manuel García Matos añade: “La Jota Navarra tiene estrecho parentesco con la Jota Aragonesa; pero presenta una mayor ondulación lineal de las frases, con más abundantes y largos melismas, y no está sujeta a la regularidad métrica de ésta; tiene más preciosismo melódico que la aragonesa y también son diferentes la introducción y las variaciones instrumentales”.
Navarra, op.33 es una Jota Navarra escrita por Sarasate para dos violines y orquesta que hoy la interpretan Matjaž Bogataj y Oksana Pečeny acompañad@s por la Orquesta Sinfónica Gymnasium Kranj dirigidos tod@s ell@s por el maestro Primož Zevnik
Emilio Arrieta (1821-1894) fue un compositor navarro, con una destacada producción teatral (más de 50 zarzuelas). Tras sus estudios en Italia, en 1846 se da a conocer en Madrid como director de orquesta en el Teatro del Circo; trabaja como compositor de la Corte, como profesor de composición en la Escuela Nacional de Música de Madrid y como director de la misma sucediendo a otro navarro, Hilarión Eslava, cargo que ocupó hasta su muerte. Entre sus alumnos más destacados se encontraron Tomás Bretón y Ruperto Chapí. El crítico musical Fernando Pérez Ollo escribe de Arrieta: «Su gloria se funda en el papel decisivo que representó en la consolidación de la zarzuela como género, gracias a su sentido melódico, y a los recursos técnicos —armónicos e instrumentales— que le dio su formación italiana.»
Marina fue concebida inicialmente como una zarzuela en dos actos con libreto de Francisco Camprodón, y así fue estrenada ante un público que reaccionó con una absoluta indiferencia y frialdad. La transformación en ópera fue propiciada dieciséis años después por el tenor Enrico Tamberlick que quería cantar la obra en el Teatro Real. Considerando que Camprodón ya había muerto, Arrieta confió la adaptación del libreto a Ramos Carrión. La transformación requirió la composición de nuevas piezas y también la eliminación de algún número. De esta forma, la ópera, en su reestreno, obtuvo un éxito indiscutible; se tuvieron que repetir diversos fragmentos y Arrieta recibió una de las mayores ovaciones de su carrera.
La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro valenciano Cristóbal Soler.
Sugerencias de música clásica
Fernando Remacha Villar (1898-1984), nacido en Tudela, fue probablemente el compositor navarro más relevante del siglo XX. Inició los estudios de violín en Tudela y más tarde en Pamplona. Se trasladó posteriormente a Madrid, donde asistió a las clases de violín con José del Hierro y de composición con Conrado del Campo. En 1923 gana el Premio Roma, beca que le permite trasladarse y estudiar allí con Gian Francesco Malipiero. En 1928 regresa a Madrid y obtiene por oposición una plaza de viola en la Orquesta Sinfónica de Arbós y se hace cargo, además, de poner música a varias películas de José Luis Sáenz de Heredia o de Luis Buñuel. En 1930 se convirtió en uno de los músicos más representativos de la Generación del 27. En 1957 pone en marcha el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona.
Cuarteto con piano. Es un cuarteto escrito para violín, viola, violonchelo y piano con el que Remacha consiguió en 1932 el primero de los tres Premios Nacionales de Música que recibiría en vida. Está estructurado en tres movimientos: I (0´00´´) ALLEGRO MODERATO .-. II (10:00) ANDANTE .-. III (16:48) ALLEGRO VIVO y hoy nos lo actualizan Ricardo Odriozola violín, Uzeyir Makhmudbaily viola, Georgy Imanov cello y Signe Bakke piano.
Michael Praetorius (1571-1621), de nombre real Michael Schultze, fue un compositor y organista alemán del Renacimiento tardío. Nació en Creuzburg (cerca de Eisenach, Turingia), en el seno de una estricta familia luterana, lo que determinó el curso de su carrera musical. Su padre había sido alumno de Martín Lutero y le había asistido en la confección del Himnario Luterano original. De 1613 a 1616 trabajó en la corte sajona en Dresde, donde fue influido por los músicos de la Escuela de Venecia, como Giovanni Gabrieli, así como de los compositores contemporáneos, como Samuel Scheidt y Heinrich Schütz. Praetorius, compositor muy prolífico, es conocido hoy en día por su obra Terpsícore, una colección de más de 300 danzas y melodías francesas que él arregló.
Terpsícore o Terpsícora (en griego, 'La que deleita en la danza') es en la mitología griega una de las nueve musas, hija de Zeus y Mnemósine, asociada desde la época clásica con la poesía ligera y la danza.
Voices of Music (VOM) es un conjunto musical estadounidense sin fines de lucro con sede en San Francisco, que se especializa en la interpretación de música antigua, especialmente música renacentista , y composiciones barrocas , utilizando instrumentación y prácticas de interpretación musical históricamente informadas.
Dances from Terpsichore. “Para este concierto, hemos seleccionado seis bailes de la colección y los hemos agrupado en forma de suite”: Ballet, 0:00 .-. Courante 1:47 .-. Spagnoletta 3:11 .-. Volte 5:12 .-. Pavane 6:10 .-. Bourée 7:40
Piotr Chaikovsky (1840-1893) compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Por desgracia su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
Obertura 1812. La obra comienza con una melodía religiosa de la Iglesia Ortodoxa Rusa, ejecutada por ocho violonchelos y cuatro violas, (en ocasiones, como en la que hoy asistimos, esta parte de la obertura la canta un coro a capella). Continúa con una mezcla de melodías tradicionales y militares, que representan la angustia creciente del pueblo ruso al saberse invadidos por el ejército francés. La pieza continúa con una marcha presentada por los metales, donde se oye cargar a los ejércitos para enfrentarse en la batalla de Borodinó. Un fragmento repetitivo y triunfal del himno nacional francés, La Marsellesa, sirve para representar al ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos.
A continuación, un diminuendo en la música representa la retirada rusa, que evita la confrontación directa con las tropas francesas al tiempo que dejan tierra arrasada. Vuelve a sonar la marcha de los metales y el fragmento de La Marsellesa, para indicar la entrada de los franceses en una Moscú incendiada. El fragmento de La Marsellesa sigue sonando, ahora en diminuendo, lo que indica la retirada de las tropas francesas, al tiempo que un crescendo indica el asedio ruso. Cinco disparos de cañón acompañan el avance de los rusos expresado en los instrumentos de cuerda y los metales, que preparan el campo para el cierre triunfal con el contrapunto entre el leitmotiv que representa al ejército ruso y el himno imperial ruso Dios salve al zar, apoyado por once disparos de cañón y un repique de campanas.
Hoy nos la ofrecen la Orquesta Sinfónica de Bolshoi con el Coro de la Capilla Yuriov conducidos ambos por la maestra japonesa Tomomi Nishimoto.
Franck Angelis (1962) es un compositor francés que ganó varios concursos internacionales de acordeón, como The Grand Prix en 1979 y el Trofée Mondiale en 1981. La reputación de Franck como compositor de literatura moderna de acordeón se inició cuando su composición "Boite à Rythme" se interpretó y ganó en el concurso internacional de acordeón en Klingenthal, Alemania. Las composiciones de Angelis requieren virtuosismo técnico, gran expresividad y sensibilidad del intérprete; sus obras muestran el genio creativo y el arte de su compositor y sus composiciones forman parte de los programas de los más grandes acordeonistas internacionales. (Accordeonworld)
El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento.
Hoy ofrecemos el Díptico para acordeón de Franck Angelis en interpretación de Maÿlis Arrat.
Sugerencias de música para todos los gustos
Las Fiestas de San Fermín, popularmente conocidas como Sanfermines, son una Fiesta de Interés Turístico Internacional en honor a San Fermín de Amiens, que se realiza anualmente en Iruña/Pamplona capital de Nafarroa/Navarra de la que es copatrón. Los festejos comienzan con el lanzamiento del chupinazo desde el balcón del Ayuntamiento, a las 12 del mediodía del 6 de julio, y terminan a las 24 horas del 14 de julio con el Pobre de mí..., la canción de despedida.
Tommy Dorsey (1905 –1956) fue un músico estadounidense de jazz, trombonista y director de big band. Comenzó su carrera musical a los 16 años en el oeste de su ciudad tocando en la big band "The Scranton Sirens", cubriendo el puesto que había dejado Russ Morgan. Tommy y su hermano Jimmy trabajaron en varias orquestas (entre ellas, las de Fred Rich, Rudy Vallee, Vincent López y, especialmente, la de Paul Whiteman) antes de formar la Dorsey Brothers Orchestra en 1934. Problemas suscitados entre los propios hermanos, llevaron a Tommy Dorsey a abandonar el grupo para formar su propia orquesta en 1935, justo en el momento en que los hermanos estaban obteniendo un gran éxito con el tema "Every Little Movement".
Lista de temas: 00:00 - Marie .-. 02:28 - The Night We Called It a Day .-. 05:26 - Let's Have a Party .-. 08:13 - Silk Stockings .-. 11:03 - Rumba Montevideo .-. 14:20 - Who .-. 17:00 - Granada .-. 19:43 - The Tender Trap .-. 23:16 - This Is Romance .-. 26:12 - Our Love Is Here to Stay .-. 30:21 - The Left Hand Corner .-. 33:38 - Will You Still Be Mine ? .-. 36:59 - Chloe .-. 40:12 - There Are Such Things .-. 42:53 - Well Git It .-. 45:55 - Trombonology
Mariah Carey (1969) es una cantante, compositora, productora musical, actriz y filántropa estadounidense. Conocida como el «ave cantora suprema» por el Libro Guinness de los récords, es reconocida por su registro vocal de cinco octavas, su poder, su estilo melismático y por el uso del registro de silbido. Bajo la dirección del productor ejecutivo del sello Columbia Records, Tommy Mottola, Carey lanzó su álbum debut homónimo, Mariah Carey (1990). De este se desprendieron cuatro sencillos que llegaron al primer puesto en la lista Billboard Hot 100. En 2012 se ubicó en el segundo puesto de la lista de VH1 de las «100 mujeres más grandes en la música», solo detrás de Madonna. Aparte de sus logros comerciales, Carey ha ganado cinco premios Grammy, 21 World Music Awards, 11 American Music Awards y 15 Billboard Music Awards
Alka Yagnik es una cantante guyaratí (en el oeste de la India) de la India. Ha ganado 7 Premios a la Mejor Cantante de Playback y ha cantado en más de 700 películas. Alka Yagnik cantaba bhayans (canciones religiosas hinduistas) para Radio Calcuta a los 6 años de edad. Estudió con el director de música Laxmikant a instancias de Raj Kapoor. Debutó como cantante de playback con la película Payal Ki Jhankaar (1979). Se convirtió en estrella con la canción «Ek Do Teen» de la película de Bollywood Tezaab (1988). Después se dedicó a la música del cine. Ha cantado en muchos idiomas, el gujaratí, el asamés, el oriya, el meitei, el nepalés, el bengalí, el bopurí, el panyabí, el maratí, el telugú, el tamil y el malayalam.
Sugerencias de videos peculiares
Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que caben destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, músico aficionado, a los siete años le impartió su primera clase de piano. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX; sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos.
La Rapsodia húngara n.º 2, forma parte de las diecinueve Rapsodias húngaras del compositor Franz Liszt. La obra consta de dos partes distintas: el Lassan y el Friska (del húngaro: lassú - lento; friss - fresco, rápido). Fue compuesta en 1847 y fue publicada por primera vez como pieza para piano solo en 1851 por Senff and Ricordi. Esta rapsodia se ha utilizado en dibujos animados y ha sido objeto de numerosas modificaciones y versiones, además de servir como base para numerosas canciones populares.
Hoy ofrecemos un arreglo orquestal coreografiado por el Mariinsky Ballet
Colombia viva. Es un recorrido de norte a sur y de oriente a occidente por la diversidad cultural del país, llevando a escena la majestuosidad de bailes como San Agustín, la cumbia, el pasillo, el sanjuanero, el currulao, el joropo, el mapalé, entre otros, mostrando una Colombia mágica, exuberante y diversa. (Extractado de la Web del Ballet Folklórico de Antioquía).
El espectáculo Colombia Viva ha dado la vuelta al mundo, emocionando a miles de personas en Perú, Ecuador, Panamá, México, Honduras, Estados Unidos, España, Alemania, Polonia, Francia, Italia, Finlandia, Holanda, Rusia, Japón, China... (Extractado del pie de página del mismo vídeo).
La danza de las mil manos la llevan a cabo 21 bailarinas, todas ellas sordomudas. Se realiza sólo por las señales de cuatro entrenadores situados a las esquinas del escenario. Esta danza es en honor de Guan Yin, la bodhisattva de la composición y que es venerada por los budistas en Asia del Este. Bohdhisattva es un termino propio del budismo que se refiere a alguien que está en el camino del Buda de manera significativa. Es un baile estudiado al milímetro para que su perfecta coordinación te deje los sentidos embobados; danza llena de exotismo y precisión, es una verdadera obra de arte que se estrenó en Atenas en 2004 en la clausura de las Olimpiadas Paralímpicas. Esta danza lleva un lema: "En tanto que seas amable y haya amor en tu corazón, mil manos vendrán naturalmente en tu ayuda.” (Extractado del artículo de “Va de bailes”)
Lesakako Zubigaineko dantza (El Baile sobre el puente de Lesaka) es uno de los bailes más populares del País Vasco. Coincidiendo con la festividad de San Fermín, el día 7 de julio, los espatadantzaris de Lesaka bailan el Zubigain (“Sobre el puente”) en el pretil de la orilla del río Onin. Es un gran día para los lesakarras; y para los que bailan el Zubigain, sin duda el momento más emotivo de la fiesta. Parece ser que esta danza es un recuerdo del pacto de paz entre los barrios de esta localidad en el siglo XV. Sin embargo, fuera de la historia, algunos especialistas lo han visto muy relacionado con los rituales del solsticio de San Juan. En realidad, puede que sea un ritual surgido de tradiciones diferentes. Es de destacar que el día de San Fermín de 2019, por primera vez en la historia, tres mujeres actuaron como espadachines/as después de varios años de ensayos.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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