Sugerencias de iniciación a la música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. Fallece a los 74 años en su casa.
El catálogo de las obras de Georg Friedrich Händel, que se conoce con las siglas HWV y significan Handel Werke Verzeichnis (en alemán, Catálogo de obras de Händel) no está ordenado cronológicamente sino temáticamente, por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental. Abarca 612 obras más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas, siendo elaborado entre 1978 y 1986 en tres volúmenes. El número exacto de composiciones es por tanto difícil de precisar. Su autor es el musicólogo Bernd Baselt.
Giulio Cesare In Egitto es una ópera en tres actos compuesta para la Royal Academy of Music de la que Haendel, una vez instalado en Londres, era director y para la que compuso otras trece óperas. El argumento trata del amor entre Julio César y Cleopatra.
Hoy asistiremos a la ejecución de su Obertura en interpretación de Le Concert d'Astrée conducido por la maestra francesa Emmanuelle Haïm.
Francisco Tárrega (1852-1909). Fue un virtuoso guitarrista y compositor (“el Sarasate de la guitarra”), nacido en Villarreal (provincia de Castellón), al que un accidente marcó su infancia, cuando, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico. Más tarde, en 1874, ingresó en el Conservatorio de Madrid, donde estudió composición con Emilio Arrieta. Para los dieciocho años ya impartía clases de guitarra y ofrecía conciertos habitualmente. A partir de 1880 comenzó sus giras internacionales, visitando ciudades como París, Lyon o Londres, mientras sus recitales por el estado fueron innumerables.
Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. Se le considera el creador de los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital. Falleció el 15 de diciembre de 1909 en Barcelona a causa de un derrame cerebral a los 57 años.
Hoy ofrecemos su Gran Jota Aragonesa en versión de Aldo Lagrutta a la guitarra.
Léo Delibes (1836 -1891) fue un compositor romántico francés. Su madre era música y su abuelo, cantante de ópera. Su sobrino Frédéric fue el abuelo paterno del escritor español Miguel Delibes. Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de París en 1847, donde fue alumno de Adolphe Adam. Como compositor, alcanzó verdadera fama en 1870 con el éxito de su ballet Coppélia; entre sus otros ballets es de destacar también Sylvia, escrito conjuntamente con Léon Minkus; el Pizzicato de este ballet es muy popular, uno de los mayores éxitos de Delibes. También compuso varias óperas y operetas, una misa, una cantata y música ocasional para el teatro, tal como danzas y aires antiguos.
El Dúo de las flores (título original en francés: Duo des fleurs o Sous le dôme épais) es un dúo para soprano y mezzosoprano de la famosa ópera Lakmé de Léo Delibes. Lakmé está ambientada en la época del dominio de la India Británica y el dúo se interpreta en el primer acto, entre Lakmé, la hija de un brahmán, y su criada Mallika, cuando van a recoger flores cerca de un río; se trata de una barcarola que los anuncios comerciales de British Airways hicieron familiar al público general.
Para la interpretación de hoy, nos visitan dos sobresalientes cantantes de ópera: la soprano rusa Ana Netrebko y la mezzo letona Elīna Garanča.
Ennio Morricone (1928-2020) fue un director de orquesta y compositor italiano de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, de niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco, para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.
Hoy presentamos un florilegio de algunas de sus bandas sonoras más conocidas conducidas por el mismo Morricone. I (0:00) The Ecstasy of Gold (The Good, the Bad and the Ugly) .- . II (3:22) The Good, the Bad and the Ugly . -. III (6:04) Once upon a Time in the West .- . IV (9:15) For a Few Dollars More . -. V (13:05) A Fistful of Dynamite .-. VI (17:43) Cinema Paradiso - Main Theme .-. VII (20:13) Chi Mai (Maddalena & Le professionel) .-. VIII (23:48) . La Califfa - The Lady Caliph / The Queen .-. IX (26:27) My Name is Nobody .-. X (29:37) L'arena (Il Mercenario - The Mercenary / A Professional Gun) .-. XI (34:23) Un Monumento (I Crudeli – The Hellbenders) .-. XII (36:55) Misterioso e Ostinato (Faccia a Faccia - Face to Face) .-. XIII (39:17) Un Amico (Revolver) .-. XIV (41:55) Love Theme for Nata (Cinema Paradiso) .-. XV (46:03) Romanzo (1900 - Novecento) .-. XVI (50:12) Romanza Quartiere (Quartiere) .-. XVII (53:51) Il Figlio e la Nostalgia (The Law of the Desert) .-. XVIII (57:41) Ninna Nanna per Adulteri (Cuore di Mamma) .-. XIX (01:00:45) Watch Chimes - Carillon's Theme (For a Few Dollars More) .-. XX (01:01:57) Tradimento Primo (Tepepa) .-. XXI (01:04:13) Run, Man, Run (The Big Gundown)
Sugerencias de música clásica
Giovanni Battista Pergolesi (1710 -1736) fue un compositor, violinista y organista italiano del Barroco (1600-1750). Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas se extendió pronto. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La Serva Padrona (1733). También compuso muchas obras de música profana y música sacra en la que su obra más conocida es, sin duda, el Stabat Mater. Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.
La Salve Regina, también conocida como la Salve es una de las más populares y conocidas oraciones católicas a María la madre de Jesús, originariamente escrita en latín. Inicialmente era una antífona mayor e himno. Es una de las cuatro antífonas del Breviario dedicadas a la Virgen (las otras tres son Alma Redemptoris Mater, Ave Regina Coelorum y Regina Coeli).
Hoy la ofrecemos en la versión que nos presenta Silvia Frigato, ganadora del Concurso Internacional de canto barroco Provenzale y soprano que colabora regularmente con directores de primer orden internacional, además de cantar habitualmente en el Teatro La Fenice de Venecia, en esta ocasión acompañada por L'Arco Magico Chamber Orchestra conducida por el maestro Antonio Puccio.
César Franck (1822–1890) fue un compositor y organista francés de origen belga. Su padre, Nicolás Joseph Franck, fue un modesto empleado de banca, que a comienzos de 1835, se instaló en París con toda su familia. Como el conservatorio de esta ciudad no permitía el acceso de extranjeros, tuvo que solicitar la nacionalidad francesa y así César pudo ingresar en su Conservatorio el 4 de octubre de 1837, a los catorce años. En 1858 Franck se convierte en organista de la Iglesia de Santa Clotilde, dotada de un magnífico Cavaillé-Coll, ante el que se sentaría hasta el fin de sus días. En 1872 es nombrado profesor de órgano en el Conservatorio; un acontecimiento que, al fin, le asegura un salario digno. En noviembre de 1890, tras un accidente de tráfico, su vida se extinguía.
La forma cíclica es una técnica de construcción musical mediante la que se utiliza un tema, melodía, o material temático como elemento unificador de varias secciones o movimientos de una composición musical. A veces el tema aparece al principio y al final. Por ejemplo, en la sinfonía n.º 3 de Brahms. En otras ocasiones puede aparecer en diferentes partes, como en la Sinfonía fantástica de Berlioz. El término se aplica habitualmente a música compuesta a partir del siglo XIX, aunque entre los casos más famosos se encuentran la Sinfonía n.º 5 de Beethoven, la Sinfonía en re menor de César Franck o la Sinfonía Fantástica de Berlioz, además de la Sonata para piano en si menor y otras numerosas composiciones de Franz Liszt.
La Sinfonía en re menor es la obra orquestal más famosa y la única sinfonía de César Franck; es el ejemplo más claro de la escritura sinfónica cíclica en la tradición romántica. El hecho de que Franck se decidiera finalmente a componer una sinfonía es un hecho extraño, debido a la rareza de esta forma musical en la tradición francesa del Siglo XIX, que veía la sinfonía como un refugio exclusivo de la tradición alemana. La recepción de la sinfonía de Franck fue muy afectada por el mundo politizado de la música francesa y el sentimiento antialemán suscitado por la guerra franco-prusiana hasta el punto de que Franck tuvo que recurrir a la orquesta del Conservatorio, que estaba obligada a interpretar las obras nuevas de miembros de la facultad.
Estructura: I (0´41´´) LENTO – ALLEGRO NON TROPPO .-. II (18´37´´) ALLEGRETTO .-. III (28´15´´) ALLEGRO NON TROPPO. Hoy nos la ofrece la Frankfurt Radio Symphony conducida por el maestro francés Marc Minkowski.
Samuel Barber (1910- 1981) fue un compositor estadounidense de música de cámara y orquestal. Considerado un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. En 1958 representó su primera ópera y su éxito le supuso el encargo de una segunda obra lírica, Anthony and Cleopatra, estrenada en la inauguración de la nueva Metropolitan Opera en el Lincoln Center. La música de Barber es elegíaca, lírica y refinada; sin abandonar nunca el ámbito de la tonalidad, utiliza un lenguaje disonante, politonal a veces; su orquestación se caracteriza por hacer cantar a los instrumentos. La mayor parte de su obra es exuberantemente melódica y ha sido descrita como neorromántica. Falleció de cáncer en Nueva York en 1981.
Catálogo de las obras de Barber. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Adagio para cuerdas. A sugerencia de Arturo Toscanini arregló para orquesta el segundo movimiento de su Cuarteto para cuerdas en si menor dándole el título de Adagio para cuerdas (“Adagio for Strings”); posteriormente lo arregló para coro mixto, titulándolo Agnus Dei.
Hoy visionaremos la versión orquestal en interpretación de la Orchestra del Teatro La Fenice conducida por la maestra italiana Beatrice Venezi (1990) titular de la Orquesta Scarlatti Young.
Witold Lutosławski (1913-1994). Fue un compositor polaco, el más importante de la nación tras Chopin, nacido en Varsovia, donde estudió piano y composición. Tras la finalización de la guerra, estrenó su Primera Sinfonía, cuya ejecución, tachada de “elitista”, fue prohibida por las autoridades políticas expulsándole de la Unión de Compositores Polacos de la que era secretario por no seguir los “principios del realismo socialista”. A pesar de todo, su Concierto para orquesta con la elaboración de temas folklóricos polacos e influencias del compositor húngaro Bela Bartok mereció dos premios estatales. Falleció de cáncer a los 81 años de edad.
Hoy ofrecemos el vídeo de Variations on a Theme by Paganini con el pianista inglés Stephen Hough (1961) y el director finlandés Oramo Sakari (1965)
Sugerencias de música para todos los gustos
Oliver Nelson (1932 - 1975) fue un saxofonista, clarinetista y compositor de jazz de origen estadounidense. Nació en San Luis, Misuri, en un entorno altamente influenciado por la música: su hermano era saxofonista y su hermana cantaba y tocaba el piano. Nelson empezó sus estudios de piano a la edad de seis años, y los de saxofón a los once años. Aún en edad escolar, tuvo su primer contrato como músico en la orquesta de Cootie Williams, donde su hermano también era saxofonista. Desde 1947, colaboró en diferentes bandas, graduándose en 1958. Tras la graduación, se trasladó a Nueva York, donde tocó con Erskine Hawkins y Wild Bill Davis, mientras trabajaba de arreglista en el Teatro Apollo de Harlem. Después de seis álbumes como líder entre 1959 y 1961, llegó su gran éxito al grabar el disco que le encumbró a la cima del jazz: The Blues and the Abstract Truth.
Ana Moura (1979) es una cantante portuguesa de fado reconocida internacionalmente. Inició su recorrido discográfico con Guarda-me a Vida na Mão, grabando después Aconteceu; además, canta en varios locales de la noche lisboeta. En la actualidad está considerada como una de las fadistas más exitosas de su generación y es, además, récord de ventas de discos en su país.
El fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa. En el fado se expresan las experiencias de la vida a través del canto. Generalmente lo canta una sola persona, acompañado por la «viola» (guitarra española) y la guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o pequeñas historias del vivir diario de los barrios humildes, pero especialmente el fatalismo y la frustración.
Jul, de nombre real Julien Mari (Marsella, 1990), es un rapero y cantante francés. Publicó su primer sencillo, «Sort le cross vol», en noviembre de 2013, seguido en febrero de 2014 por su primer álbum de estudio, Dans ma paranoïa, el primero de una prolífica carrera discográfica: dos álbumes por año desde entonces, todos ellos certificados al menos como disco de platino. En 2015 dejó el sello Liga One Industry luego de desacuerdos financieros y fundó su propio sello independiente, D'or et de platine. En 2017 recibió el premio al mejor álbum de música urbana en la 32ª edición de las Victoires de la Musique por el álbum My World. En febrero de 2020, se convirtió en el mayor vendedor de discos en la historia del rap francés con más de cuatro millones de álbumes vendidos a la edad de 30 años y en tan sólo seis años de carrera. En abril de 2022 aumentó la cifra a 5,5 millones de álbumes vendidos.
La música hip hop o rap es un género de música popular desarrollado en los Estados Unidos por afroestadounidenses del centro de la ciudad en el barrio del Bronx de la ciudad de Nueva York en la década de 1970. Consiste en una música rítmica estilizada que comúnmente viene acompañada con la acción de rapear, la cual es un discurso rítmico que se canta. Se desarrolló como parte de la cultura hip hop, definida por cuatro elementos estilísticos clave: MCing/rapear, DJ/scratching (con tocadiscos), break dance y escritura de graffiti. Otros elementos incluyen muestreos de ritmos o líneas de bajo de discos (o ritmos y sonidos sintetizados) y beatboxing rítmico. El término «música hip hop» es usado como sinónimo del término «música rap». Rapear es un estilo vocal en el que el artista habla, canta o recita rítmicamente generalmente con un instrumental.
Rihanna (1988) es una cantante, empresaria, diseñadora de moda, actriz, diplomática, escritora, bailarina y filántropa nacida en Barbados. Es conocida por fusionar géneros caribeños con la música pop y por reinventar su imagen a través de los años. Su impacto en la cultura popular la ha llevado a convertirse en un icono de la música y de la moda, por lo que se refieren a ella como la Princesa del R&B y Reina de la Moda. Rihanna es considerada una de las artistas musicales más influyentes y exitosas del siglo XXI. Adquirió fama mundial tras el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Good Girl Gone Bad (2007). Con más de 250 millones de producciones musicales distribuidas a lo largo de su carrera en todo el mundo, Rihanna es un@ de l@s artistas más vendidas de todos los tiempos
Sugerencias de videos peculiares
Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana, del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina y el Triunfo de Afrodita. Su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición; por lo que desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, con música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras.
Catulli Carmina (Ludi Scaenic) (Canciones -o Palabras- de Catulo), de la que hoy ofrecemos una selección, es una cantata escénica compuesta por Carl Orff, estrenada en 1943 en Múnich y basada en los textos del poeta latino Cayo Valerio Catulo (84-54 A.C.). Está escrita para dos solistas vocales, coro mixto, un amplio grupo de percusión y cuatro pianos. La obra experimenta con la repetición de frases y ritmos sincopados, en la línea ya utilizada en Carmina Burana, llevando ese juego aún más lejos. Esta composición es otro ejemplo del brillante uso de la orquesta, la percusión y la acción escénica por parte de Carl Orff, mostrando un interesante juego escénico cantado.
Hoy presentamos una selección de la obra cuya dirección musical corre a cargo de Roman Válek, mientras la coreografía la realiza Ladislava Košíková.
Zoltán Kodály (1882-1967) fue un compositor húngaro comprometido con el folklore de su país (coleccionó más de 100.000 canciones populares) y con la pedagogía musical. Comenzó sus estudios en Galánta y más tarde en Budapest. En 1907 conoce a Debussy, cuya música le impacta hondamente. Trabajó conjunta y profundamente con Béla Bártok, quienes pusieron los fundamentos de lo que hoy conocemos como Etnomusicología Musical. Como compositor, utiliza con asiduidad tanto las melodías como las escalas populares, dando relevancia a sus obras corales. Como pedagogo, marca un hito en la historia y su Método Kodaly, en el que la voz es el instrumento principal, aún tiene vigencia.
Háry János es una "ópera folclórica húngara" (esto es, una obra hablada con canciones, a la manera de un Singspiel) en cuatro actos con música de Zoltán Kodály según un libreto en húngaro de Béla Paulini (1881-1945) y Zsolt Harsányi, basado en la epopeya cómica El veterano (Az obsitos) de János Garai. Se estrenó en el Teatro Real de Ópera Budapest, en 1926. El subtítulo de la pieza es János Háry: sus aventuras desde Nagyabony al Burgo de Viena.
Hoy presentamos su Intermedio Reloj musical vienés.
La danza regional mexicana aspira a ser vinculada a la tradición, la lucha por la revaloración, conservación y enriquecimiento de la cultura nacional y la creencia de que la danza no solo enseña una técnica, unos pasos; sino enseña una forma de vida, una concepción del mundo, desarrolla un sentido de la estética, de lo bello, así como la vinculación con otras artes con la finalidad de potenciar las capacidades, habilidades y destrezas de l@s futuros danzantes. También sirve para poder expresar sentimientos, emociones y experiencias del transcurso de la vida y revivir para tradiciones y ritos antepasados; así como para celebrar ocasiones importantes para pueblos, colonias, familias y ciudades de nuestro país.
La Gala de hoy nos la ofrece el Ballet Folklórico Nuevo Jalisco.
La danza tradicional japonesa se refiere a las diferentes expresiones artísticas de danza realizadas en dicho país. Se divide en dos formas principales: Odori, originado en el período Edo; y el Mai, desarrollado en la parte oeste de Japón. El Odori se desarrolló fuera del escenario teatral Kabuki y es orientado más a los sentimientos masculinos; mientras que el Mai es desarrollado en las habitaciones en vez del escenario, y fue influido por el teatro Nō. Existe una variante del Mai llamado Kyomai o danza de estilo Kioto. Se desarrolló en la era Tokugawa durante el siglo XVII y tiene una fuerte influencia en la sofisticación y glamour de los hábitos de la Corte Imperial de Kioto.
“Algunos tontos bailan y otros tontos miran. Eres un tonto de todos modos, así que ¿por qué no bailar?” son las palabras del famoso Awa Odori. Este vídeo presenta la danza y una interpretación de 2014 inspirada en sus raíces budistas. (Extractado del comentario del pie del vídeo)
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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