El 22 de Septiembre a las 19,21 h comienza el Otoño

Musika klasikoan hasiberrientzako iradokizunak

Philippe Gaubert (1941) fue un director de orquesta, flautista y compositor francés. El padre de Philippe era un zapatero y clarinetista aficionado que tocaba en bandas locales. En 1888 decide poner rumbo a París junto con su esposa y sus hijos para que estos pudieran convertirse en músicos profesionales. Tres años después, cuando Philippe tenía doce años, su padre murió, por lo que Philippe tenía que ganarse la vida y la de su familia tocando el violín en un cine local. Además del violín también tocaba la flauta y el padre de Paul Taffanel, el flautista más famoso de la época lo escucha y se da cuenta de inmediato de los dones para la flauta de aquel niño. A Paul Taffanel le encantó y lo introduce en su clase del Conservatorio de París, obteniendo el primer premio a los quince años. Aun así continúa tocando el violín con Jules Garcin y toca como sustituto en el Théâtre National de l’Opéra y Taffanel lo nombra prèmiere flûte solo. Además continúa con los estudios de armonía y composición obteniendo el Premier prix de fugue et contrepoint (1903) y el Grand Prix de Rome (1905). En 1904, bajo los consejos de Taffanel pasa el concurso para el segundo puesto de director de la Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio. Fue movilizado en 1914 por la guerra regresando en 1919 y sucediendo a André Messager a la cabeza de la Société des Conservatoires, puesto que ocupa hasta 1939. En 1931 se hace responsable del cargo de profesor de orquesta del conservatorio que tras la muerte de Vicent d’Indy se queda vacante. También fue un gran compositor. Escribió numerosas piezas para la flauta travesera, pero también bastante música para piano y orquesta. Especializado también en ballets y sinfonías. Murió repentinamente en París en 1941.

Las Tres Acuarelas, cuyo segundo movimiento hoy presentamos, las terminó de escribir Philippe Gaubert en 1921. El segundo movimiento, Soleil, d'automne (sol de otoño) es tenue y suave con un toque de melancolía, una especie de nostalgia elegante por el verano que se fue.


Frédéric Chopin (1810-1849) virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado como uno de los más importantes de la historia y como compositor, como uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los seis años, sus padres contrataron un profesor particular y a los siete años empezó a escribir sus primeras polonesas; a los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. A los 16 años ingresó en el Conservatorio de Varsovia, mientras seguía componiendo y ofreciendo recitales. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.

Anastasia Huppmann  (1988) es una pianista rusa nacida en Tver que comenzó sus estudios de piano a los cinco años; a los seis años fue tratada como superdotada adentrándose en los estudios de teoría musical, piano y composición; a los siete, apareció  en televisión tocando sus propias composiciones y a los ocho, ganó su primer concurso de piano al que, a lo largo de su carrera, seguirían unos cuantos más; lo que le ha valido para actuar en importantes salas de Europa y Asia. Hoy nos ofrece la Fantasia-Impromptu, op 66 en do sostenido menor de Chopin 

Frédéric Chopin (1810-1849) virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado como uno de los más importantes de la historia y como compositor, como uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los seis años, sus padres contrataron un profesor particular y a los siete años empezó a escribir sus primeras polonesas; a los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. A los 16 años ingresó en el Conservatorio de Varsovia, mientras seguía componiendo y ofreciendo recitales. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento.

Anastasia Huppmann  (1988) es una pianista rusa nacida en Tver que comenzó sus estudios de piano a los cinco años; a los seis años fue tratada como superdotada adentrándose en los estudios de teoría musical, piano y composición; a los siete, apareció  en televisión tocando sus propias composiciones y a los ocho, ganó su primer concurso de piano al que, a lo largo de su carrera, seguirían unos cuantos más; lo que le ha valido para actuar en importantes salas de Europa y Asia. Hoy nos ofrece la Fantasia-Impromptu, op 66 en do sostenido menor de Chopin 


Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubrió el talento del muchacho de quince años y convenció a sus padres de enviarlo al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrollase. Adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama del mismo nombre.

Peer Gynt, op 23, es una composición musical para escenografía, o música incidental, para recitadores, solistas vocales, coro y orquesta de Grieg; aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió, la Suite n.º 1 op. 46 y n.º 2 op. 55, para la obra de teatro Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Hoy asistimos a la famosa Canción de Solveig en interpretación de la soprano noruega Marita Solberg (1976), cantante que ha trabajado con Marc Minkowski, Zubin Mehta, Michel Plasson y otros grandes directores de orquesta. Del 2006 al 2008 fue la cantante principal de la Staatsoper, Stuttgart. También actuó en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Komische Oper de Berlín y en la Norwegian National Opera.


Federico Chueca (1846-1908) nació en Madrid, en la Plaza de la Villa (en la torre de los Lujanes), dentro una familia acomodada; recibió clases de solfeo desde la enseñanza primaria, que cursó en un selecto colegio, pero su familia le obligó a abandonar la música para estudiar medicina. Barbieri le ayudó a orquestar y dirigir las obras y su gran éxito convenció a Chueca a dejar la medicina y dedicarse a la música. Se le considera un músico autodidacta con un talento innato y una gracia con la melodía y el ritmo, que le llevaron a componer extraordinarias piezas musicales. Trabajó con varios colaboradores, además de Barbieri, como Tomás Bretón, y sobre todo con Joaquín Valverde, en muchas de sus obras. En la actualidad está considerado como uno de los máximos representantes del género chico (zarzuelas en un acto). Sus restos se encuentran en el cementerio de San Justo de Madrid.

La Gran Vía, revista lírico-cómica, fantástico-callejera en un acto (título completo original de la obra) es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886 y representada después largamente en el Teatro Apolo. Alcanzó tanta fama, que tuvieron que cambiarse algunos cuadros, puesto que al ser una revista de actualidades, ésta tenía que ir modernizándose. Así aparecieron nuevos cuadros como En la calle de Alcalá, o El bazar de juguetes. Es un exponente del género chico llevado al campo de la revista de actualidades, en donde se exponían con buen humor y sentido satírico, las preocupaciones sociales y políticas del momento. El libreto retrata con habilidad y sátira, las noticias del momento, mostrando en escena un gran desfile de tipos y situaciones cómicas de gran efecto.

Federico Chueca (1846-1908) nació en Madrid, en la Plaza de la Villa (en la torre de los Lujanes), dentro una familia acomodada; recibió clases de solfeo desde la enseñanza primaria, que cursó en un selecto colegio, pero su familia le obligó a abandonar la música para estudiar medicina. Barbieri le ayudó a orquestar y dirigir las obras y su gran éxito convenció a Chueca a dejar la medicina y dedicarse a la música. Se le considera un músico autodidacta con un talento innato y una gracia con la melodía y el ritmo, que le llevaron a componer extraordinarias piezas musicales. Trabajó con varios colaboradores, además de Barbieri, como Tomás Bretón, y sobre todo con Joaquín Valverde, en muchas de sus obras. En la actualidad está considerado como uno de los máximos representantes del género chico (zarzuelas en un acto). Sus restos se encuentran en el cementerio de San Justo de Madrid.

La Gran Vía, revista lírico-cómica, fantástico-callejera en un acto (título completo original de la obra) es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886 y representada después largamente en el Teatro Apolo. Alcanzó tanta fama, que tuvieron que cambiarse algunos cuadros, puesto que al ser una revista de actualidades, ésta tenía que ir modernizándose. Así aparecieron nuevos cuadros como En la calle de Alcalá, o El bazar de juguetes. Es un exponente del género chico llevado al campo de la revista de actualidades, en donde se exponían con buen humor y sentido satírico, las preocupaciones sociales y políticas del momento. El libreto retrata con habilidad y sátira, las noticias del momento, mostrando en escena un gran desfile de tipos y situaciones cómicas de gran efecto.


Musika klasikoari buruzko iradokizunak

Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Las Cuatro Estaciones es un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín y orquesta de cuerdas; es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva. El Otoño, que hoy proponemos, es el tercero de los cuatro conciertos y está estructurado del siguiente modo: I Allegro (en fa mayor). II Adagio molto (en re menor). III Allegro (en fa mayor). La interpretación corre a cargo de la virtuosa alemana del violín y del piano Julia Fischer (1983), quien ha actuado en las principales salas del mundo con los mejores directores como solista de violín; aunque esporádicamente también lo ha hecho como pianista.


El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809) fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. A los dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó  sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach  y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.

El Concierto para violonchelo y orquesta n.º 1 en do mayor, Hob. VII B1, fue compuesto por Joseph Haydn entre 1761 y 1765 para Joseph Franz Weigl, destacado chelista de la orquesta de Esterházy que dirigía Haydn. Este concierto se creía perdido hasta una fecha tan reciente como 1961, cuando apareció en el Museo Nacional de Praga, entre diversos documentos. Como en otras obras compuestas para Weigl, se le exige al solista un gran virtuosismo. Las cadenzas del primer y segundo movimientos no son originales del compositor; normalmente, el chelista toca cadenzas de compositores anónimos del siglo XVIII u otras compuestas después de 1961. La versión que hoy ofrecemos corre a cargo de la chelista alemana ganadora del primer premio del Concours de violoncelle Rostropovich de París en 2005, Marie-Elisabeth Hecker (1987) acompañada por la Radio Kamer Filharmonie conducida por el maestro belga Philippe Herreweghe (1947) fundador del Collegium Vocale de Gante y actualmente primer director de la Real Filarmonía de Flandes.

El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809) fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo. Al apreciar sus padres las cualidades de su hijo para la música, a los seis años le enviaron a Hainburg (a once kilómetros de la residencia paterna) con un pariente para que realizase sus estudios musicales de clavecín y violín. A los dos años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz se quedó  sin coro y sin techo, por lo que tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos. Estudió composición de modo autodidacta analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach  y empezó a abrirse camino con la composición de sus primeros cuartetos y su primera ópera.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart, además de ser profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata, del desarrollo del trío con piano y, sobre todo de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena.

El Concierto para violonchelo y orquesta n.º 1 en do mayor, Hob. VII B1, fue compuesto por Joseph Haydn entre 1761 y 1765 para Joseph Franz Weigl, destacado chelista de la orquesta de Esterházy que dirigía Haydn. Este concierto se creía perdido hasta una fecha tan reciente como 1961, cuando apareció en el Museo Nacional de Praga, entre diversos documentos. Como en otras obras compuestas para Weigl, se le exige al solista un gran virtuosismo. Las cadenzas del primer y segundo movimientos no son originales del compositor; normalmente, el chelista toca cadenzas de compositores anónimos del siglo XVIII u otras compuestas después de 1961. La versión que hoy ofrecemos corre a cargo de la chelista alemana ganadora del primer premio del Concours de violoncelle Rostropovich de París en 2005, Marie-Elisabeth Hecker (1987) acompañada por la Radio Kamer Filharmonie conducida por el maestro belga Philippe Herreweghe (1947) fundador del Collegium Vocale de Gante y actualmente primer director de la Real Filarmonía de Flandes.


Max  Reger (1873-1916), fue un compositor, organista, pianista y profesor alemán nacido en Brand, Baviera. Estudió música en Múnich y Wiesbaden con Hugo Riemann. En 1901 se instaló en Múnich, donde se dedicó a la enseñanza del órgano y composición, y desde el 1907, trabajó en Leipzig, donde fue director musical de la universidad hasta 1908 y profesor de composición en el Conservatorio Felix Mendelssohn hasta su muerte. Durante una vida creativa de poco más de 20 años, Reger produjo una gran cantidad de obras en todos los géneros (con la excepción de la ópera), casi siempre usando formas abstractas, aunque muy pocas de ellas son conocidas hoy en día. También dejó una gran cantidad de obras para órgano, incluyendo la Fantasía y fuga sobre BACH (esta pieza, basada en el Motivo BACH se considera una de las más difíciles del repertorio del instrumento). Se sintió particularmente atraído para la forma fugada durante toda su vida, incluso declarando: "Otros componen Fugas - Yo vivo en ellas". Fue un firme abanderado de la música absoluta, y se veía a sí mismo como parte de la tradición musical de Ludwig van Beethoven y Johannes Brahms. Su obra combina a menudo las estructuras clásicas de estos compositores con las armonías extendidas de Franz Liszt y Richard Wagner y el complejo contrapunto de Johann Sebastian Bach. Su música para órgano, también influida por Liszt, es hija de esta tradición. De sus obras orquestales, las ricamente elaboradas Variaciones Hiller y las Variaciones Mozart, que hoy ofrecemos, son las más rememoradas; de la música de cámara los ligeramente texturados tríos se han hecho un hueco en el repertorio, junto con algunas obras para instrumentos de cuerda. Sus últimas obras para piano, o dos pianos, le sitúan como sucesor de Brahms en la tradición musical germánica. No se puede decir que sus obras fueran revolucionarias, ya que pueden ser consideradas como una consecuencia del desarrollo de las formas clásicas, como la fuga y el bajo continuo. La influencia de este último puede escucharse en las obras de cámara que son profundamente reflexivas y originales. Murió de infarto de miocardio en Leipzig, nada más regresar de una breve gira de conciertos por los Países Bajos, en plena I Guerra Mundial.

Las variaciones y fuga sobre un tema de Mozart, Op. 132, es un conjunto de variaciones para orquesta compuesto en 1914 por Max Reger; el compositor dirigió el estreno en Berlín el 5 de febrero de 1915. Más tarde produjo una versión para dos pianos, Op. 132a. La composición está estructurada en los siguientes movimientos: I Tema: Andante grazioso. II Variación 1ª: L'istesso tempo, quasi un poco più lento. III Variación 2ª: Poco agitato. IV Variación 3ª: Con moto. V Variación 4ª: Vivace. VI Variación 5ª: Quasi presto. VII Variación 6ª: Sostenuto (quasi adagietto). VIII Variación 7ª: Andante grazioso. IX Variación 8ª: Molto sostenuto. X Fuga: Allegretto grazioso. La presente obra sigue siendo el trabajo orquestal más popular y más grabado del compositor, aunque en las últimas décadas ha desaparecido de gran parte de la sala de conciertos. Se tiene antecedentes obvios en Variaciones sobre un tema de Haydn de Johannes Brahms tanto en términos del tema de la inspiración (both draw from a simple melodic phrase) y la posterior estilo de variación.

La versión que hoy ofrecemos está dirigida por Péter Eötvös (1944), compositor y director de orquesta húngaro, que siempre se ha sentido muy ligado a la tradición musical de su país y se considera continuador de la obra de Béla Bartók, Zoltán Kodály, György Kurtág o Ligeti. Estudió composición en la Academia Ferenc Liszt de Budapest y dirección en la Hochschule für Musik de Colonia. Entre 1968 y 1976 dirigió regularmente al Ensamble Stockhausen; desde 1979 hasta 1991 fue director musical del Ensemble InterContemporain de París, nombrado por el fundador del conjunto, Pierre Boulez; de 1985 a 1988 fue el principal director invitado de la Orquesta Sinfónica de la BBC; entre 1992 y 1995 fue director invitado en la Orquesta del Festival de Budapest,; entre 1998 y 2001 lo fue de la Filarmónica Nacional, también de Budapest; de 1994 a 2005 ocupó el cargo de director titular de la Orquesta de Cámara de la Radio de Hilversum; de 2003 a 2005 fue el principal director invitado de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y desde 2009 lo es de la Orquesta Sinfónica de Viena; entre 2003 y 2007 fue director invitado principal para el repertorio moderno y contemporáneo de la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo. Otras importantes orquestas a las que ha dirigido la Orquesta Real del Concertgebouw, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Filarmónica de Berlín o la Orquesta Filarmónica de Viena.


Agustín Gonzalez Acilu (1929) es un compositor altsasuarra que comienza sus primeros estudios musicales en su localidad navarra con Taberna para proseguir en Pamplona con Remacha y más tarde en el Conservatorio de Madrid con Enrique Massó, Francisco Calés y Julio Gómez, completando su formación  en París, Venecia y Roma. A lo largo de su larga carrera compositiva ha creado multitud de obras de las más diversas formas desde pequeños grupos de cámara o coros hasta formaciones orquestales, que han merecido importantes premios; sus composiciones siempre han estado impregnadas de un espíritu innovador con el que ha experimentado nuevos modos de expresión. Además, ha realizado una importante labor pedagógica como profesor de armonía en el Conservatorio de Madrid y como profesor de Técnicas de Composición del siglo XX en el Conservatorio de Pamplona de donde nace el  Grupo de Compositores de Pamplona Iruñeko Taldea.

Su Concierto nº 2 para piano y orquesta es una muestra de su vocación de experimentación de nuevas vías compositivas. La interpretación al piano corre hoy a cargo de Andrea Bacchetti (1977),  pianista italiano que a los once años debutó ya con I Solisti Veneti y desde entonces ha actuado en los Festivales Internacionales de Música de todo el mundo y en las salas de mayor prestigio.

Agustín Gonzalez Acilu (1929) es un compositor altsasuarra que comienza sus primeros estudios musicales en su localidad navarra con Taberna para proseguir en Pamplona con Remacha y más tarde en el Conservatorio de Madrid con Enrique Massó, Francisco Calés y Julio Gómez, completando su formación  en París, Venecia y Roma. A lo largo de su larga carrera compositiva ha creado multitud de obras de las más diversas formas desde pequeños grupos de cámara o coros hasta formaciones orquestales, que han merecido importantes premios; sus composiciones siempre han estado impregnadas de un espíritu innovador con el que ha experimentado nuevos modos de expresión. Además, ha realizado una importante labor pedagógica como profesor de armonía en el Conservatorio de Madrid y como profesor de Técnicas de Composición del siglo XX en el Conservatorio de Pamplona de donde nace el  Grupo de Compositores de Pamplona Iruñeko Taldea.

Su Concierto nº 2 para piano y orquesta es una muestra de su vocación de experimentación de nuevas vías compositivas. La interpretación al piano corre hoy a cargo de Andrea Bacchetti (1977),  pianista italiano que a los once años debutó ya con I Solisti Veneti y desde entonces ha actuado en los Festivales Internacionales de Música de todo el mundo y en las salas de mayor prestigio.


Denontzako musikari buruzko iradokizunak

Autumn Leaves es una versión de la canción Les feuilles mortes (Las hojas muertas) de Jacques Prévert y Joseph Kosma, una canción francesa de 1945 popularizada más tarde por Yves Montand. La música del estribillo se convirtió en un estándar del jazz, con el título de «Autumn leaves» (Hojas de otoño). Gran parte del atractivo armónico para los músicos de jazz estriba en que las estrofas presentan una típica progresión siguiendo un ciclo de cuartas y el estribillo utiliza una escala húngara menor de manera fluida. La versión de hoy es obra de Chet Baker (trompeta), Paul Desmond (saxo alto), Hubert Laws (flauta), Bob James (teclado), Ron Carter (contrabajo) y Steve Gadd (batería).


Astrud Gilberto (1940) es una cantante de música brasileña y jazz. De padre alemán y madre brasileña, su nombre de soltera era Astrud Weinert, apellido que cambió a los 19 años cuando se casó con João Gilberto, quien le acercó al mundo de la música. La canción de Tom Jobim  The Girl from Ipanema le elevó a la cumbre de las cantantes brasileñas de la época, dándose a conocer en todo el mundo en lo que sería una exitosa  carrera musical.

Astrud Gilberto (1940) es una cantante de música brasileña y jazz. De padre alemán y madre brasileña, su nombre de soltera era Astrud Weinert, apellido que cambió a los 19 años cuando se casó con João Gilberto, quien le acercó al mundo de la música. La canción de Tom Jobim  The Girl from Ipanema le elevó a la cumbre de las cantantes brasileñas de la época, dándose a conocer en todo el mundo en lo que sería una exitosa  carrera musical.


Joan Báez (1941) es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda, próxima a la de una soprano, y con un vibrato controlado para potenciar la dramatización de las letras de las canciones, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, y además de ser compositora, es generalmente considerada como una intérprete del trabajo de otr@s artistas famos@s. Báez comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez Vol. 2 y Joan Baez in Concert, han sido certificados como discos de oro y estuvieron en las listas de éxitos durante dos años. En la década de 1970, Báez logró nuevos éxitos con numerosas canciones. Interpretó tres de estas canciones en el Festival de Woodstock en 1969, promocionó las canciones de Bob Dylan a nivel nacional y mostró su compromiso con el activismo político y social en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.


Bruno Mars (1985) es un cantante, compositor, productor musical y bailarín estadounidense. Mars comenzó a crear música desde una edad muy temprana y actuó en muchos escenarios de su pueblo natal a lo largo de su niñez realizando imitaciones. Se graduó de la escuela secundaria y se mudó a Los Ángeles para proseguir con su carrera musical. Mars firmó con Atlantic Records en 2009. Llegó a ser reconocido como artista en solitario después de prestar su voz y haber coescrito los coros para varios éxitos internacionales. En 2010 logró colocar en la mejor posición de Billboard Hot 100 los sencillos Just the Way You Are y Grenade. Logró llegar a la primera posición de nuevo con las canciones Locked out of Heaven y When I Was Your Man. Ha llegado a vender más de 170 millones de copias a nivel mundial, lo que lo hace uno de los artistas con más ventas. Además, cuenta con 7 de sus canciones dentro de los sencillos más vendidos del mundo. Su música se caracteriza por mostrar una amplia variedad de estilos e influencias y contiene elementos de géneros musicales variados. Jon Caramanica de The New York Times se refiere a Mars como «uno de los cantantes más versátiles y accesibles en el pop».

Bruno Mars (1985) es un cantante, compositor, productor musical y bailarín estadounidense. Mars comenzó a crear música desde una edad muy temprana y actuó en muchos escenarios de su pueblo natal a lo largo de su niñez realizando imitaciones. Se graduó de la escuela secundaria y se mudó a Los Ángeles para proseguir con su carrera musical. Mars firmó con Atlantic Records en 2009. Llegó a ser reconocido como artista en solitario después de prestar su voz y haber coescrito los coros para varios éxitos internacionales. En 2010 logró colocar en la mejor posición de Billboard Hot 100 los sencillos Just the Way You Are y Grenade. Logró llegar a la primera posición de nuevo con las canciones Locked out of Heaven y When I Was Your Man. Ha llegado a vender más de 170 millones de copias a nivel mundial, lo que lo hace uno de los artistas con más ventas. Además, cuenta con 7 de sus canciones dentro de los sencillos más vendidos del mundo. Su música se caracteriza por mostrar una amplia variedad de estilos e influencias y contiene elementos de géneros musicales variados. Jon Caramanica de The New York Times se refiere a Mars como «uno de los cantantes más versátiles y accesibles en el pop».


Bideo bereziei buruzko iradokizunak

Ástor Piazzolla (1921 –1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde su padre le compró un bandoneón.  A los trece años conoce a Carlos Gardel  quien le muestra los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones; pero sus innovaciones no gustaban a los viejos tangueros que le criticaban considerándole como al asesino del tango, críticas que afectaban a sus sentimientos. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París lo donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires dispuesto a romper las viejas reglas que regían en Argentina con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que  sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990  sufre en París una trombosis que no lograría superar.

Las Cuatro Estaciones Porteñas, también conocidas como Estaciones Porteñas, son un conjunto de cuatro composiciones de tango escritas por el músico argentino Astor Piazzolla. Originalmente las concibió y trató como composiciones diferentes en lugar de una suite, y con el tiempo se fueron editando en álbumes diferentes. Sin embargo, Piazzolla llegó a interpretarlas en conjunto ocasionalmente. Las piezas se escribieron para quinteto provisto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón. El adjetivo porteño, gentilicio de Buenos Aires, es usado por Piazzolla para dar su impresión de las estaciones del año en Buenos Aires. Hoy la Compañía de danza de Antonio Najarro nos ofrece su versión del Otoño de Piazzolla.


Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Fue hijo del renombrado pianista y profesor del Conservatorio de París, Lois Adam, con quien comenzó sus estudios musicales. De joven, ingresó en la orquesta del Théâtre du Gymnase donde llegó a ser timbalero y maestro del coro. A los 18 años ingresó en el Conservatorio de París y a los 20, componía canciones para los vaudevilles parisinos. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el ballet Le Corsaire  y el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night. Desde 1849 hasta su muerte en 1856 fue profesor de composición del Conservatorio de París.

Le Corsaire (El Corsario) es un ballet en tres actos, cinco cuadros y un epílogo con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo El corsario de Verdi, con música de Adolphe Adam. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. En el año 1868, Marius Petipa y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores como en la de hoy por obra de la compañía de ballet del Teatro Bolshói de Moscú con la ucraniana Svetlana Zakharova (1979) como primera bailarina.

Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Fue hijo del renombrado pianista y profesor del Conservatorio de París, Lois Adam, con quien comenzó sus estudios musicales. De joven, ingresó en la orquesta del Théâtre du Gymnase donde llegó a ser timbalero y maestro del coro. A los 18 años ingresó en el Conservatorio de París y a los 20, componía canciones para los vaudevilles parisinos. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el ballet Le Corsaire  y el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night. Desde 1849 hasta su muerte en 1856 fue profesor de composición del Conservatorio de París.

Le Corsaire (El Corsario) es un ballet en tres actos, cinco cuadros y un epílogo con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo El corsario de Verdi, con música de Adolphe Adam. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. En el año 1868, Marius Petipa y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores como en la de hoy por obra de la compañía de ballet del Teatro Bolshói de Moscú con la ucraniana Svetlana Zakharova (1979) como primera bailarina.


La Minga de Chiloé. La palabra minga,  proviene del Quechua mink’a de la época de los pueblos precolombinos y define la tarea que debían realizar los habitantes de un pueblo para el beneficio de la comunidad. Un miembro de una comunidad puede convocar una minga para pedir ayuda al resto de sus vecinos y, aunque generalmente suelen estar relacionadas con el ámbito rural y agrícola, como sembrar, recolectar o limpiar un terreno, el servicio puede ser de cualquier tipo. En la Isla grande Chiloé “La minga de tiradura de Casa” se encuentra entre las más particulares y llamativas tradiciones, en la cual toda la comunidad se reúne en torno a esta verdadera fiesta. El objetivo de esta actividad es mover de un lugar a otro, incluso a través del mar y los canales, una casa completa. Por tierra el traslado se realiza sobre troncos y tirando el peso con varias yuntas de bueyes. Si es necesario entrar al agua, la casa se asegura para flotar y ser tirada por lanchas. ¿Por qué mueven sus casas? Por la sencilla razón de que los propietarios quieren cambiar de lugar de residencia y consideran que es mejor llevarse la casa entera en vez de buscar o construirse otra. Una vez finalizado el trabajo, a modo de agradecimiento, el vecino que solicitó la minga prepara una rica comida, que generalmente viene acompañada de música folclórica.

El presente vídeo de música y danza nos lo ofrece el Conjunto folklórico Tierra Chilena nacido en 1963 de la mano del maestro Sergio Rodríguez.


El Pueblo Bereber (“amazigh”) es un conjunto de etnias autóctonas de África del norte, que se distribuyen desde las Islas Canarias y la costa atlántica continental hasta el oasis de Siwa, en Egipto. Su cultura se remonta más de 4.000 años en el tiempo, siendo los bereberes habitantes anteriores a la llegada de los árabes. Desde épocas remotas los Imazighen (plural de Amazigh), cuyo nombre significa “los Libres” luchan por su intocable libertad, y lo hacen hasta el extremo. Romanos, árabes, otomanos o franceses son sólo algunos de los pueblos que trataron de arrebatar su bien más preciado, el que les da nombre. Sin embargo, los bereberes, pobladores autóctonos del norte de África, no se doblegan. A pesar de la opresión conservan sus tradiciones y las practican con orgullo; desde su gastronomía o sus diversos idiomas hasta sus trajes y tatuajes, su música y sus bellísimas danzas. Su Música y sus danzas, alegres, rítmicas, coloridas y colectivas, nos cuentan una historia de amor por la Tierra y la alegría de vivir en tribu.

El Pueblo Bereber (“amazigh”) es un conjunto de etnias autóctonas de África del norte, que se distribuyen desde las Islas Canarias y la costa atlántica continental hasta el oasis de Siwa, en Egipto. Su cultura se remonta más de 4.000 años en el tiempo, siendo los bereberes habitantes anteriores a la llegada de los árabes. Desde épocas remotas los Imazighen (plural de Amazigh), cuyo nombre significa “los Libres” luchan por su intocable libertad, y lo hacen hasta el extremo. Romanos, árabes, otomanos o franceses son sólo algunos de los pueblos que trataron de arrebatar su bien más preciado, el que les da nombre. Sin embargo, los bereberes, pobladores autóctonos del norte de África, no se doblegan. A pesar de la opresión conservan sus tradiciones y las practican con orgullo; desde su gastronomía o sus diversos idiomas hasta sus trajes y tatuajes, su música y sus bellísimas danzas. Su Música y sus danzas, alegres, rítmicas, coloridas y colectivas, nos cuentan una historia de amor por la Tierra y la alegría de vivir en tribu.


Umeentzako musikari buruzko iradokizunak

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.