Musika klasikoan hasiberrientzako iradokizunak

Ennio Morricone (1928-2020) director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión, además de otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, de niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco,  para películas de cine. Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.


Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales y aprendió a tocar el violín de la mano de su profesor Joseph Spitz. Mostró un talento precoz y gracias a su habilidad estuvo tocando en una banda de su pueblo y en la iglesia. Estudió música en la escuela de órgano de Praga a finales de la década de 1850, y lentamente fue desarrollándose como violinista y violista profesional. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, que fue dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 saltó a la fama con su composición Himno Patriótico, de hondo calado nacionalista; ese mismo año obtuvo el reconocimiento internacional con su colección de Danzas eslavas. Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. También, en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado honoris causa por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. Invitado por Chaikovski estuvo en San Petersburgo y Moscú ejecutando sus propias obras. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York, cargo que aceptó tras ser admitida su propuesta de que los estudiantes nativos americanos y afroamericanos dotados de talento, que no pudieran permitirse este nivel de instrucción, tenían que ser admitidos gratuitamente. Desde su llegada a USA en 1892, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria, de la que ya salió muy pocas veces. Tan pronto como llegó a Praga recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. En los últimos años de su vida, el gran compositor recibió toda clase de honores y reconocimientos. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas.

El Cuarteto de Cuerdas en Fa mayor , Op.  96, apodado el Cuarteto Americano, es el duodécimo cuarteto de cuerda compuesto por Antonín Dvořák . Fue escrito en 1893, durante la época de Dvořák en USA y es uno de los más populares del repertorio de música de cámara universal. El Cuarteto Americano demostró un punto de inflexión en la producción de música de cámara de Dvořák: durante décadas había trabajado sin éxito para encontrar un equilibrio entre su invención melódica desbordante y una estructura clara, cosa que lo logró por fin con este cuarteto. "Cuando escribí este cuarteto en la comunidad checa de Spillville en 1893, quería escribir algo por una vez que fuera muy melodioso y sencillo, y el querido “Papa Haydn” seguía apareciendo ante mis ojos, y eso es por lo que todo resultó tan simple. Y es bueno que así fuera ". Un elemento unificador característico de todo el cuarteto es el uso de la escala pentatónica. Esta escala le da a todo el cuarteto su carácter abierto y simple, un carácter que se identifica frecuentemente con la música folclórica estadounidense. El cuarteto está estructurado en cuatro movimientos, de los que hoy ofrecemos el cuarto: “Final: vivace ma non troppo”, en el que algunos han escuchado sugerencias de una locomotora en el último movimiento, recordando el amor de Dvořák por los ferrocarriles. El movimiento está escrito en forma de rondó tradicional, A – B – A – C – A – B – A, en el que la sección B es más lírica que el tema principal, aunque continúa en el espíritu del mismo, y la sección C es un tema coral.

Hoy lo podemos disfrutar en la versión de Rosa Arnold – violín, Jeanita Vriens van Tongeren – violín, Annemijn Bergkotte – viola, Rebecca Wise – cello: las cuatro mujeres artistas que componen el Ragazze Quartet (24-10-21)

Antonín Dvořák (1841-1904) nació en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, y está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales y aprendió a tocar el violín de la mano de su profesor Joseph Spitz. Mostró un talento precoz y gracias a su habilidad estuvo tocando en una banda de su pueblo y en la iglesia. Estudió música en la escuela de órgano de Praga a finales de la década de 1850, y lentamente fue desarrollándose como violinista y violista profesional. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, que fue dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 saltó a la fama con su composición Himno Patriótico, de hondo calado nacionalista; ese mismo año obtuvo el reconocimiento internacional con su colección de Danzas eslavas. Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. También, en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado honoris causa por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. Invitado por Chaikovski estuvo en San Petersburgo y Moscú ejecutando sus propias obras. Entre 1892 y 1895, Dvořák fue director del Conservatorio Nacional de Nueva York, cargo que aceptó tras ser admitida su propuesta de que los estudiantes nativos americanos y afroamericanos dotados de talento, que no pudieran permitirse este nivel de instrucción, tenían que ser admitidos gratuitamente. Desde su llegada a USA en 1892, Dvořák mostró un gran interés por la música nativa americana. En abril de 1895 dejó los Estados Unidos y volvió definitivamente a su patria, de la que ya salió muy pocas veces. Tan pronto como llegó a Praga recomenzó su trabajo de profesor en el Conservatorio. En los últimos años de su vida, el gran compositor recibió toda clase de honores y reconocimientos. A lo largo de su vida escribió música para piano, para violín y piano, tríos, cuartetos, quintetos, un sexteto, dos series de danzas eslavas, serenatas, suites, oberturas, tres rapsodias, cinco poemas sinfónicos, nueve sinfonías, varios conciertos, 100 canciones y dúos vocales y varias óperas.

El Cuarteto de Cuerdas en Fa mayor , Op.  96, apodado el Cuarteto Americano, es el duodécimo cuarteto de cuerda compuesto por Antonín Dvořák . Fue escrito en 1893, durante la época de Dvořák en USA y es uno de los más populares del repertorio de música de cámara universal. El Cuarteto Americano demostró un punto de inflexión en la producción de música de cámara de Dvořák: durante décadas había trabajado sin éxito para encontrar un equilibrio entre su invención melódica desbordante y una estructura clara, cosa que lo logró por fin con este cuarteto. "Cuando escribí este cuarteto en la comunidad checa de Spillville en 1893, quería escribir algo por una vez que fuera muy melodioso y sencillo, y el querido “Papa Haydn” seguía apareciendo ante mis ojos, y eso es por lo que todo resultó tan simple. Y es bueno que así fuera ". Un elemento unificador característico de todo el cuarteto es el uso de la escala pentatónica. Esta escala le da a todo el cuarteto su carácter abierto y simple, un carácter que se identifica frecuentemente con la música folclórica estadounidense. El cuarteto está estructurado en cuatro movimientos, de los que hoy ofrecemos el cuarto: “Final: vivace ma non troppo”, en el que algunos han escuchado sugerencias de una locomotora en el último movimiento, recordando el amor de Dvořák por los ferrocarriles. El movimiento está escrito en forma de rondó tradicional, A – B – A – C – A – B – A, en el que la sección B es más lírica que el tema principal, aunque continúa en el espíritu del mismo, y la sección C es un tema coral.

Hoy lo podemos disfrutar en la versión de Rosa Arnold – violín, Jeanita Vriens van Tongeren – violín, Annemijn Bergkotte – viola, Rebecca Wise – cello: las cuatro mujeres artistas que componen el Ragazze Quartet (24-10-21)


Giuseppe Verdi (1813-1901) fue un compositor italiano;  escribió 28 óperas consideradas como puente del bel canto al verismo. Nació en Le Roncole cerca de Busetto; de niño perteneció al coro de la Iglesia donde recibió clases de órgano y a los diez años sus padres lo inscribieron en la Escuela de Música de Busetto, donde recibe el apoyo incondicional del mecenas Antonio Berezzi miembro de la Sociedad Filarmónica para la que realizaría distintos trabajos. Apoyado por Berezzi, a los 19 años se traslada a Milán donde continuó sus estudios, tras lo que regresa a Busetto como profesor de música, donde se casa con la hija de Berezzi. En su juventud simpatizó con los movimientos populares que reclamaban la unidad de una Italia dividida por distintas dinastías europeas. Hasta el punto que coreaban “Viva Verdi” con el doble sentido de Viva Vittorio Emanuele Re D'Italia. Suyas son las óperas más apreciadas del género lírico y las más representadas, entre las que destacaremos Aida, La Traviata y Rigoletto, sin olvidarnos de que entre sus obras maestras hemos de incluir también su Requiem.

La Traviata es una ópera en tres actos de Verdi con argumento basado en la novela de Alejandro Dumas (hijo) La Dama de las camelias; se estrenó en Venecia el 6 de Marzo de 1853. Hoy podremos visionar el aria Addio del passato en la que Violeta, viendo cercana su muerte, deplora su vida pervertida y la pérdida de su amor.

Lo interpreta Ana Netrebko (1971), cantante rusa y una de las sopranos más brillantes de la historia. Comenzó como conserje en el Teatro Mariinski hasta que le escuchó el director de orquesta Valery Gergiev que se convirtió en su consejero, empezando a interpretar papeles de cierta relevancia en varias óperas. A los 24 años hizo su debut en USA donde los éxitos fueron encadenándose uno tras otro tras su aparición en la ópera de San Francisco. Claudio Abbado tuvo también un papel relevante en su dedicación al repertorio belcantista, mientras su técnica se perfeccionaba con la soprano italiana Renata Scotto.


Pablo Luna (1879-1942) fue un prolífico compositor español de zarzuelas, destacado representante de un nuevo estilo de zarzuela inspirado en la opereta vienesa, especialmente en las obras de Franz Lehár. Nacido en la localidad zaragozana de Alhama de Aragón tuvo inclinaciones muy tempranas hacia la música. Entró en el Conservatorio de Zaragoza y tras finalizar sus estudios se dio a conocer tocando el violín en hoteles, cafés, cines, iglesias, en una agrupación de cámara y en los teatros, donde no sólo ocupaba el atril de violín concertino, sino que con frecuencia ocupaba el puesto de director. En el año 1900 fue contratado como concertino de la orquesta del Teatro Principal de Zaragoza, mientras ccomienzan sus primeros trabajos como compositor. En 1905 se traslada a Madrid donde entró en contacto con Ruperto Chapí, Gerónimo Giménez y otros y trabaja como concertador y como director musical. El 2 de diciembre del 1910 estrena en Sevilla Molinos de viento, obra que le proporcionó un mayor índice de fama. Durante los siguientes años, vería la luz la llamada "trilogía oriental" conformada por El asombro de Damasco (1916), El niño judío (1918) y la obra de mayor éxito en la vida del maestro aragonés, Benamor (1923). Durante las décadas posteriores, la actividad musical del compositor aragonés fue frenética presentando una gran cantidad de obras. La década de 1930 fue muy dura, tanto para el maestro como para la vida musical de la sociedad española, y mucho más para la Zarzuela. A inicios de 1942 padeció un ataque de uremia, que lo postró definitivamente, falleciendo el 28 de enero de 1942.

Benamor, opereta en 3 actos con libreto de Antonio Paso Cano y Ricardo González del Toro y música del maestro Pablo Luna, fue una de las obras más ambiciosas de Pablo Luna; basada en un cuento oriental sucedido en la corte de Ispahán, Persia, fue estrenada con gran éxito el 12 de mayo de 1923 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Hoy ofrecemos la Danza del fuego conducida por  el maestro Tulio Gagliardo.

Pablo Luna (1879-1942) fue un prolífico compositor español de zarzuelas, destacado representante de un nuevo estilo de zarzuela inspirado en la opereta vienesa, especialmente en las obras de Franz Lehár. Nacido en la localidad zaragozana de Alhama de Aragón tuvo inclinaciones muy tempranas hacia la música. Entró en el Conservatorio de Zaragoza y tras finalizar sus estudios se dio a conocer tocando el violín en hoteles, cafés, cines, iglesias, en una agrupación de cámara y en los teatros, donde no sólo ocupaba el atril de violín concertino, sino que con frecuencia ocupaba el puesto de director. En el año 1900 fue contratado como concertino de la orquesta del Teatro Principal de Zaragoza, mientras ccomienzan sus primeros trabajos como compositor. En 1905 se traslada a Madrid donde entró en contacto con Ruperto Chapí, Gerónimo Giménez y otros y trabaja como concertador y como director musical. El 2 de diciembre del 1910 estrena en Sevilla Molinos de viento, obra que le proporcionó un mayor índice de fama. Durante los siguientes años, vería la luz la llamada "trilogía oriental" conformada por El asombro de Damasco (1916), El niño judío (1918) y la obra de mayor éxito en la vida del maestro aragonés, Benamor (1923). Durante las décadas posteriores, la actividad musical del compositor aragonés fue frenética presentando una gran cantidad de obras. La década de 1930 fue muy dura, tanto para el maestro como para la vida musical de la sociedad española, y mucho más para la Zarzuela. A inicios de 1942 padeció un ataque de uremia, que lo postró definitivamente, falleciendo el 28 de enero de 1942.

Benamor, opereta en 3 actos con libreto de Antonio Paso Cano y Ricardo González del Toro y música del maestro Pablo Luna, fue una de las obras más ambiciosas de Pablo Luna; basada en un cuento oriental sucedido en la corte de Ispahán, Persia, fue estrenada con gran éxito el 12 de mayo de 1923 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Hoy ofrecemos la Danza del fuego conducida por  el maestro Tulio Gagliardo.


Musika klasikoari buruzko iradokizunak

Johann Sebastian Bach  (1685-1750) Hoy nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven. Fue un violinista, organista, director, y compositor alemán; nació en Eisenach y falleció en Leipzig;  su fama de organista traspasó las fronteras europeas. Perteneció a la familia musical más prominente de la historia con más más de 30 compositores famosos en su seno. Empezó a estudiar con su padre y a la muerte de éste continuó con su hermano mayor, Johann Christoph. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y más tarde, como organista; en 1705 obtiene un permiso para trasladarse unos meses a Lübeck a tomar clases de Buxtehude. En 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara y con quien tiene siete hijos (tres de ellos morirían a muy temprana edad). En 1708 deja Mülhausen para trabajar como concertino y organista de la capilla del duque de Weimar donde compone numerosas obras de teclado y orquestales a la vez que tiene ocasión de transcribir y estudiar diversas obras de Vivaldi. En 1714 es premiado con mejoras económicas a la vez que obligado a nuevos requerimientos como la creación de una cantata mensual. En 1717 se le ofrece el cargo de Maestro de Capilla del Príncipe de Köthen, que era el cargo musical mejor remunerado en aquel entonces; de aquí surgen los Conciertos de Brandemburgo y numerosas obras profanas. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte. Aquí compuso su Oratorio de Navidad, La Pasión de San Mateo, La de San Juan, La Misa en Si menor, numerosas cantatas y las más importantes obras de teclado. Fallece a los 65 años en Leipzig tras un año de ceguera. Prolífico compositor, escribió sonatas, arias, suites, conciertos, cantatas, oratorios, misas y obras de todo tipo de formas musicales de su época; su legado de refinada técnica, está considerado como la cumbre del contrapunto (distintas líneas melódicas independientes que se mueven armónicamente entre sí) y su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.

El Concierto de Brandemburgo Nº 5 forma parte de un álbum de seis conciertos para distintos instrumentos escritos durante su permanencia en Köthen y denominados como Conciertos de Brandemburgo. El Nº 5 que hoy presentamos, es un Concerto Grosso (un pequeño grupo de solistas actúa frente a un grupo de acompañamiento más grande). En el caso presente, el grupo de solistas está representado por el  violín, la flauta y el clavecín que hace el doble papel de solista a veces y de acompañante en otras ocasiones. El concierto consta de tres movimientos: I Allegro II Affettuoso y III Allegro.

Croatian Baroque Ensemble, que hoy nos visita, es un conjunto musical especializado en la interpretación historicista de la música barroca y asiduo invitado a los festivales internacionales más relevantes de dicho género. 


Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Entre sus obras maestras tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, que hoy ofrecemos, ni de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

El Concierto para Clarinete y Orquesta de Mozart consta de tres movimientos: I Allegro, en la tonalidad de La M; II Adagio, en la subdominante del primer movimiento, Re M; III En la tonalidad del primer movimiento, LaM. El concierto está dedicado a su amigo clarinetista Anton Stadler, “hermano y compañero masón” en palabras de Mozart).

Su ejecución corre a cargo de la clarinetista Sabine Meyer (1959), quien comenzó sus estudios de clarinete desde muy joven con su padre, también clarinetista. Su carrera profesional como clarinetista la inició en la Sinfónica de la Radio de Baviera y en la Filarmónica de Berlín. Actualmente, como solista, trabaja con los mejores directores compaginando sus compromisos con la música de cámara.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Entre sus obras maestras tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, que hoy ofrecemos, ni de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

El Concierto para Clarinete y Orquesta de Mozart consta de tres movimientos: I Allegro, en la tonalidad de La M; II Adagio, en la subdominante del primer movimiento, Re M; III En la tonalidad del primer movimiento, LaM. El concierto está dedicado a su amigo clarinetista Anton Stadler, “hermano y compañero masón” en palabras de Mozart).

Su ejecución corre a cargo de la clarinetista Sabine Meyer (1959), quien comenzó sus estudios de clarinete desde muy joven con su padre, también clarinetista. Su carrera profesional como clarinetista la inició en la Sinfónica de la Radio de Baviera y en la Filarmónica de Berlín. Actualmente, como solista, trabaja con los mejores directores compaginando sus compromisos con la música de cámara.


Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, como amante de la música tocaba el piano, el violín, el violonchelo y la guitarra; a la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y la música romaní. Adam, su padre, conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Liszt fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes.

Poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género.

Los Preludios es un poema sinfónico compuesto por Franz Liszt en 1848. Es el tercero de su ciclo de trece Poemas sinfónicos. La "nota de programa" escrita por Liszt a su creación reza lo siguiente:

¿Qué es nuestra vida sino una serie de preludios a una canción desconocida, de la cual la primera nota solemne es la que hace sonar la muerte? El amanecer encantado de toda existencia está anunciado por el amor, y sin embargo, ¿en el destino de quién no están interpretados los primeros latidos de la felicidad por tormentas cuyas violentas ráfagas disipan las más caras ilusiones del Ser, consumiendo su altar con un fuego fatal? ¿Y dónde debe hallarse el alma cruelmente golpeada, que habiéndose convertido en juguete de una de esas tempestades, no busca olvido en la dulce quietud de la vida rural? Sin embargo, el hombre pocas veces se entrega a la calma beneficiosa que al principio lo encadenó al regazo de la naturaleza. Tan pronto como la trompeta hace sonar la alarma, corre él al puesto del peligro, aunque sea la guerra la que lo convoque a sus filas, pues hallará nuevamente en la lucha completa autorrealización y plena posesión de sus fuerzas.


Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia. Desde su fallecimiento está considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo y en su tiempo, como uno de los directores de orquesta y de ópera más apreciados; aunque debido a sus orígenes judíos, tuvo enfrente a determinada prensa antisemita durante los diez años que residió en Viena. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; sin embargo, sus composiciones no tuvieron el éxito merecido en vida, debido a la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado, la larga duración de sus sinfonías, además de, sobre todo, el apuntado antisemitismo. Todo ello no era fácilmente digerible y explica que el reconocimiento como compositor le llegase demasiado tarde.

La Sinfonía nº 2  en do menor de Gustav Mahler es una sinfonía coral de, conocida como “Resurrección”por la musicalización de la oda del mismo nombre de Klopstock. Fue compuesta entre 1888 y 1894. Mahler diseñó un programa narrativo para la obra que reveló a varias de sus amistades. Sin embargo, no aprobó su difusión pública, aunque en la actualidad siempre se divulga en los programas de concierto. En este argumento, el Primer movimiento representa un funeral y responde a preguntas tales como: "¿Hay vida después de la muerte?". El Segundo movimiento es un recuerdo de tiempos felices de la vida que se apagó. El Tercer movimiento representa una completa pérdida de fe, y el considerar la vida como un sinsentido. El cuarto movimiento, un lied, es el renacimiento de la fe ("Yo soy de Dios, y retornaré a Dios"), y el quinto movimiento, después del regreso de las dudas del tercero y las preguntas del primero, termina con una realización del amor de Dios, y el reconocimiento de la vida después del fin (la resurrección).

Mariss Jansons (1943- 2019), maestro que hoy nos visita, es un director de orquesta letón. En 1946 su padre ganó el segundo premio de dirección de orquesta en una competición nacional y fue escogido por Yevgueni Mravinski para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Leningrado, actual Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Cuando su familia se mudó con su padre en 1956, el joven Jansons ingresó al Conservatorio de Leningrado, donde estudió piano y dirección coral. En 1969 continuó su preparación en Viena con Hans Swarowski y en Salzburgo con Herbert von Karajan, quien le había invitado para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Berlín, pero las autoridades soviéticas impidieron que Jansons pudiera aceptar. En 1973, Jansons fue nombrado director asociado de la Orquesta Filarmónica de Leningrado y en 1979, director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, con la que dirigió, grabó y viajó extensivamente;  en el 2000 Jansons renunció a la Filarmónica debido a la mala acústica de la sala de conciertos de Oslo. En 1992, Jansons fue nombrado director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Londres y de la Orquesta Sinfónica de Londres; en 1997, director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh; en 2003, director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. En 2006, 2012 y 2016 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena. Falleció el 30 de noviembre de 2019 en su residencia de San Petersburgo, Rusia.    

Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia. Desde su fallecimiento está considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo y en su tiempo, como uno de los directores de orquesta y de ópera más apreciados; aunque debido a sus orígenes judíos, tuvo enfrente a determinada prensa antisemita durante los diez años que residió en Viena. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; sin embargo, sus composiciones no tuvieron el éxito merecido en vida, debido a la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado, la larga duración de sus sinfonías, además de, sobre todo, el apuntado antisemitismo. Todo ello no era fácilmente digerible y explica que el reconocimiento como compositor le llegase demasiado tarde.

La Sinfonía nº 2  en do menor de Gustav Mahler es una sinfonía coral de, conocida como “Resurrección”por la musicalización de la oda del mismo nombre de Klopstock. Fue compuesta entre 1888 y 1894. Mahler diseñó un programa narrativo para la obra que reveló a varias de sus amistades. Sin embargo, no aprobó su difusión pública, aunque en la actualidad siempre se divulga en los programas de concierto. En este argumento, el Primer movimiento representa un funeral y responde a preguntas tales como: "¿Hay vida después de la muerte?". El Segundo movimiento es un recuerdo de tiempos felices de la vida que se apagó. El Tercer movimiento representa una completa pérdida de fe, y el considerar la vida como un sinsentido. El cuarto movimiento, un lied, es el renacimiento de la fe ("Yo soy de Dios, y retornaré a Dios"), y el quinto movimiento, después del regreso de las dudas del tercero y las preguntas del primero, termina con una realización del amor de Dios, y el reconocimiento de la vida después del fin (la resurrección).

Mariss Jansons (1943- 2019), maestro que hoy nos visita, es un director de orquesta letón. En 1946 su padre ganó el segundo premio de dirección de orquesta en una competición nacional y fue escogido por Yevgueni Mravinski para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Leningrado, actual Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Cuando su familia se mudó con su padre en 1956, el joven Jansons ingresó al Conservatorio de Leningrado, donde estudió piano y dirección coral. En 1969 continuó su preparación en Viena con Hans Swarowski y en Salzburgo con Herbert von Karajan, quien le había invitado para ser su asistente en la Orquesta Filarmónica de Berlín, pero las autoridades soviéticas impidieron que Jansons pudiera aceptar. En 1973, Jansons fue nombrado director asociado de la Orquesta Filarmónica de Leningrado y en 1979, director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, con la que dirigió, grabó y viajó extensivamente;  en el 2000 Jansons renunció a la Filarmónica debido a la mala acústica de la sala de conciertos de Oslo. En 1992, Jansons fue nombrado director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Londres y de la Orquesta Sinfónica de Londres; en 1997, director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh; en 2003, director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. En 2006, 2012 y 2016 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena. Falleció el 30 de noviembre de 2019 en su residencia de San Petersburgo, Rusia.    


Denontzako musikari buruzko iradokizunak

Mary Lou Williams (1910-1981) fue una compositora y pianista estadounidense de jazz. A los dieciséis años se casa con el saxofonista John Williams, de quien adopta su apellido; ambos entran a formar parte de la Big Band de Andy Kirk; más tarde entrará a formar parte del  grupo Twelve Clouds of Joy, como arreglista y pianista; en 1942 forma su propio grupo con su segundo marido el trompetista Harold Baker. Mientras tanto realiza arreglos para músicos de la categoría de Louis Armstrong, Benny Goodman o Duke Ellington y más tarde trabaja con Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Bud Powell  entre otros renombrados músicos. Fue una pianista brillante, que surge del estilo stride y evoluciona constantemente a través de los cambios conceptuales que tienen lugar en el jazz. Como arreglista fue innovadora y cada vez más cercana a las fuentes del blues.


Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo  y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras con quienes grabaría sus primeros discos; posteriormente colaboró con Fosforito, y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Para entonces ya era también conocido y admirado por el gran público ajeno al tradicional flamenco, lo que le permitió realizar exitosas giras por Europa, América y Japón. Grabó 38 discos y recibió, entre otros galardones,  dos Premios Grammy, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias. Fue, así mismo, nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.  

Paco de Lucía (1947-2014) fue un guitarrista andaluz considerado como el mejor guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Comenzó su educación musical con su padre, también guitarrista, y pronto tomó contacto e influencias del Niño Ricardo  y de Sabicas. Con su hermano Pepe formó parte del grupo Los Chiquitos de Algeciras con quienes grabaría sus primeros discos; posteriormente colaboró con Fosforito, y con El Lebrijano. Con el paso del tiempo empezó a tomar contacto con nuevos estilos y a colaborar con distintos artistas de músicas étnicas, jazz, bossa nova, e incluso de música clásica; comenzaba la reforma del flamenco mientras involucraba en la labor a artistas de la talla de Tomatito y Camarón de la Isla. Para entonces ya era también conocido y admirado por el gran público ajeno al tradicional flamenco, lo que le permitió realizar exitosas giras por Europa, América y Japón. Grabó 38 discos y recibió, entre otros galardones,  dos Premios Grammy, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias. Fue, así mismo, nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.  


Mercedes Sosa (1935- 2009) fue una cantante de música folclórica argentina, considerada la mayor exponente del folklore argentino. Se la conoció como La Voz de América Latina. Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva Canción Latinoamericana. Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral). Fue condecorada con honores en el año 2005 por el Senado argentino con el premio Sarmiento en reconocimiento a su trayectoria artística, su compromiso social y su constante lucha en materia de derechos humanos. También ganó premios Grammy Latinos y Premios Gardel. En 2008 fue nombrada embajadora cultural de Mendoza junto al grupo Karamelo Santo. También se desempeñó como Embajadora de Buena Voluntad de la UNESCO para Latinoamérica y el Caribe. En 2009 ganó el premio Clarín como «mejor figura 2009», luego de su muerte en octubre de ese mismo año. Raphael cantó el clásico «Gracias a la vida» en honor de Violeta Parra y de Mercedes Sosa en su gira, celebrando sus cincuenta años sobre los escenarios.


Judas Priest es una banda británica de heavy metal fundada en 1969 en Birmingham, Inglaterra. Su alineación inicial estuvo liderada por el vocalista Al Atkins; por ello la prensa ha nombrado esta primera etapa como Al Atkin’s Judas Priest. Más tarde, a mediados de 1970, Atkins se unió a K.K. Downing, Ian Hill y John Ellis —provenientes del grupo Freight— que se considera como la primera alineación oficial de la agrupación. Tras algunos años donde no consiguieron apoyo discográfico y luego de algunos cambios en la formación, debutaron con Rocka Rolla en 1974; con Glenn Tipton como guitarrista y con Rob Halford y John Hinch, en reemplazo de Atkins y Ellis respectivamente. En 1990 lanzaron Painkiller, que contó con Scott Travis en reemplazo del baterista Dave Holland y que obtuvo muy buenos comentarios de la prensa especializada. Tras una gira especial en 1991 donde colideraron con Alice Cooper, Halford anunció su salida de la banda, que provocó un receso de casi cinco años. Ya en 2014 salió a la venta Redeemer of Souls, que es su primera producción sin el guitarrista K.K. Downing, y que fue apoyado por una gira que contempló fechas hasta el 2015. Judas Priest es considerada la banda que terminó de definir el género y como una de las más influyentes no solo para el heavy metal, sino también para el thrash, power, speed, glam, death y black.

Judas Priest es una banda británica de heavy metal fundada en 1969 en Birmingham, Inglaterra. Su alineación inicial estuvo liderada por el vocalista Al Atkins; por ello la prensa ha nombrado esta primera etapa como Al Atkin’s Judas Priest. Más tarde, a mediados de 1970, Atkins se unió a K.K. Downing, Ian Hill y John Ellis —provenientes del grupo Freight— que se considera como la primera alineación oficial de la agrupación. Tras algunos años donde no consiguieron apoyo discográfico y luego de algunos cambios en la formación, debutaron con Rocka Rolla en 1974; con Glenn Tipton como guitarrista y con Rob Halford y John Hinch, en reemplazo de Atkins y Ellis respectivamente. En 1990 lanzaron Painkiller, que contó con Scott Travis en reemplazo del baterista Dave Holland y que obtuvo muy buenos comentarios de la prensa especializada. Tras una gira especial en 1991 donde colideraron con Alice Cooper, Halford anunció su salida de la banda, que provocó un receso de casi cinco años. Ya en 2014 salió a la venta Redeemer of Souls, que es su primera producción sin el guitarrista K.K. Downing, y que fue apoyado por una gira que contempló fechas hasta el 2015. Judas Priest es considerada la banda que terminó de definir el género y como una de las más influyentes no solo para el heavy metal, sino también para el thrash, power, speed, glam, death y black.


Bideo bereziei buruzko iradokizunak

Frédéric Chopin (1810-1849) virtuoso pianista y compositor polaco; como pianista, está considerado como uno de los más importantes de la historia y como compositor, como uno de los referentes del Romanticismo. Nació en una familia vocacionalmente musical; su madre tocaba el piano y el padre, el violín y la flauta; su primera profesora fue una hermana suya con la que le gustaba tocar piezas a cuatro manos. A los seis años, sus padres contrataron un profesor particular y a los siete años empezó a escribir sus primeras polonesas; a los ocho años dio su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia. A los 16 años ingresó en el Conservatorio de Varsovia, mientras seguía componiendo y ofreciendo recitales. La obra de Chopin se centra exclusivamente en el piano, solo o concertante, con el que emprendió una carrera en solitario de perfeccionamiento técnico, esplendor expresivo y profundización en el rubato hasta llegar a ser el referente musical de dicho instrumento. 

La dame aux camélias es un ballet estrenado el año 1978 creado por el coreógrafo alemán John Neumeier, con música de Frederic Chopin. La obra está basada en la novela de Alejandro Dumas (hijo) “La dame aux camélias”. El hijo del gran novelista, Alejandro Dumas, tuvo que vivir a la sombra del éxito de su padre, cuyo nombre compartía. Cuando a la edad de 23 años publicó “La dama de las camelias” se creyó que una obra tan brillante debía ser del padre. Esta novela, basada en la vida de una famosa cortesana parisiense de la vida llamada Margarita Gautier. Las convenciones sociales está en el fondo de esta obra maestra, que posteriormente el mismo Dumas llevó a las tablas y que fue la base de la ópera de VerdiLa Traviata” estrenada en el Teatro de la Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853.

Hoy asistiremos al Pas de deux del acto tercero en interpretación de Agnès Letestu y Stéphane Bullion (ambos estrellas de la Ópera Nacional de París)


Tabakeryaska es una danza cómica de Moldavia que hoy la podemos visionar en interpretación del Ballet Igor Moiseyev, compañía que nace de las entrañas del Teatro Bolshoi de Moscú y que hoy día es una de las grandes compañías de ballet del mundo; compañía, así mismo, que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico.

Tabakeryaska es una danza cómica de Moldavia que hoy la podemos visionar en interpretación del Ballet Igor Moiseyev, compañía que nace de las entrañas del Teatro Bolshoi de Moscú y que hoy día es una de las grandes compañías de ballet del mundo; compañía, así mismo, que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico.


Las danzas vascas, (en euskera Euskal Dantzak) son una parte muy importante de la cultura vasca y la fundamental de su folclore. Cada territorio histórico, o provincia, tiene las suyas propias. Cada pueblo tiene su danza que se acostumbra a bailar en sus fiestas mayores. Algunas de ellas son muy antiguas perdiéndose su origen en los tiempos, otras son recreaciones más o menos modernas de viejas danzas y algunas son nuevas coreografías con base popular. Los bailes de romería o plaza, basados en los bailes que se celebraban en las romerías y cuya participación era popular y espontánea han pasado a engrosar el repertorio de los grupos de danza establecidos, si bien es verdad que todavía se vienen realizando en todas aquellas romerías, sobre todo en los lugares rurales del país, este tipo de bailes populares y espontáneos que invitan a participar libremente a todos los romeros y visitantes. Las danzas de espadas, que tienen un paralelismo evidente con las europeas del mismo tipo. Su realización, siempre ligada a la conmemoración o a rendición de honores, está ligada a la danza ritual donde el pueblo apoya con respeto a cada colectivo de danzantes. Las danzas de fin de fiesta, este tipo de bailes se realizan para marcar el fin de unas fiestas o de un periodo concreto, como el carnaval, han servido de simbólico colofón al desenfreno festivo, representado en el golpeo, vapuleo y quema del pellejo de vino inflado y vacío. Es el fin de un ciclo y el comienzo de otro. Las danzas consideradas tradicionales tienen el nombre de: Agurra, Fandangoa, Banakoa, Zortzikoa y Arin Arina entre otros muchos. Se observan ciclos completos de zonas específicas junto a danzas determinadas extendidas por todo el territorio, o salpicadas en ciertos enclaves.

Bateleren zortzikoa (Zortziko de traineras) es un baile festivo escrito en 5/8 y que hace referencia y honor a l@s remer@s que participan en las regatas de traineras. Hoy nos lo ofrece un grupo seleccionado para esta ocasión por Euskal Dantzarien Biltzarra, asociación aglutinadora de los grupos de danza o folklore que desarrollan su actividad en el marco cultural de Euskal Herria (enciclopedia Auñamendi)


La Kullawada, o kullawa es una danza aymara, pueblo indígena que desde tiempos precolombinos y aun en la actualidad habita el altiplano peruano-boliviano. En Perú se celebra alrededor del dos de Febrero en la Fiesta de la Candelaria; mientras en Bolivia, La Paz,  su celebración se realiza en la Fiesta del Gran Poder alrededor del 29 de Mayo. La danza tiene su origen en la época del Imperio Inca y surge de la actividad laboral de hilander@s y tejedor@s de la época. Con el tiempo se fueron añadiendo más elementos a la danza; los trajes se hacían costosos y solo era bailado por privilegiad@s que mediante esta danza intentaban mostrar las propias riquezas y acordar matrimonios concertados. La danza se ejecuta en bloques de mujeres y hombres, emulando el  hilado con la rueca.

La Kullawada, o kullawa es una danza aymara, pueblo indígena que desde tiempos precolombinos y aun en la actualidad habita el altiplano peruano-boliviano. En Perú se celebra alrededor del dos de Febrero en la Fiesta de la Candelaria; mientras en Bolivia, La Paz,  su celebración se realiza en la Fiesta del Gran Poder alrededor del 29 de Mayo. La danza tiene su origen en la época del Imperio Inca y surge de la actividad laboral de hilander@s y tejedor@s de la época. Con el tiempo se fueron añadiendo más elementos a la danza; los trajes se hacían costosos y solo era bailado por privilegiad@s que mediante esta danza intentaban mostrar las propias riquezas y acordar matrimonios concertados. La danza se ejecuta en bloques de mujeres y hombres, emulando el  hilado con la rueca.


Umeentzako musikari buruzko iradokizunak

Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.