Musika klasikoan hasiberrientzako iradokizunak
Johann Sebastian Bach (1685-1750) biolin-jolea, organo-jolea, zuzendari eta konpositore alemaniarra izan zen. Eisenachen jaio zen, historiako musika-familia garrantzitsuenean, bere baitan 30 konpositore ospetsu baino gehiagorekin. 1703an lortu zuen Arndstateko Printzearen gorteko musikari gisa egin zuen lehen lana, eta 1707an Mülhausenera joan zen organista gisa. Han, Maria Barbara lehengusinarekin ezkondu zen, eta zazpi seme-alaba izan zituen. 1720an emaztea hil ondoren, urte eta erdi geroago berriro ezkondu zen Maria Magdalenarekin, zeinarekin beste hamahiru seme-alaba izango zituen. 1723an Leipzigera joan zen bizitzera eta 65 urterekin hil zen. Musikagile emankorra, Musikaren Historiako hiru jeinu nagusietako bat da Mozart eta Beethovenekin batera.
Orkestrarako suiteak, BWV 1066-1069 (egileak ouvertures deituak), Johann Sebastian Bachek 1725 eta 1739 bitartean Leipzigen idatzi zituen lau pieza dira. Zentzu zabalean, suite terminoa Barrokoaren Alemanian erabiltzen zen ouverture bat aurretik zuten dantza pieza batzuk aipatzeko.
Orkestrarako Suitea 3. Zenb., re maiorrean, BWV 1068. Mugimenduak honako hauek dira: 1 Ouverture .- 2 Air .- 3 Gavotte I/II .- 4 Bourrée .- 5 Gigue; horietatik bigarrena da, Air (aria), gaur eskaintzen duguna, musika barrokoko piezarik ospetsuenetakoa, Vienna Philharmonic Women´s Orchestraren bertsioan, Shareyko Izabella andereak zuzenduriko neskez soilik osatua dagoen orkestraren eskutik.
Antonio Salieri (1750-1825) musika sakroa, klasikoa eta opera konposatzaile italiarra izan zen, orkestra-zuzendaria eta musika-irakaslea. Legnagon jaio zen, Veronako hegoaldean, Veneziako Errepublikan, eta Vienako Habsburgotarren Monarkiaren meneko izan zen. Funtsezko figura izan zen XVIII. mende amaierako operaren garapenean. Florian Leopold Gassmannen ikasle eta Christoph Willibald Glucken babesean, hiru hizkuntzatan operak idatzi zituen konpositore kosmopolita izan zen. Opera-hiztegiaren ezaugarri asko garatzen eta itxuratzen lagundu zuen, eta bere musikak eragin handia izan zuen konpositore garaikideengan. Habsburgotarren gorteak opera italiarraren zuzendari izendatu zuen, 1774tik 1792ra arte bete zuen kargua, eta opera italieraz menperatu zuen Vienan. Bere karreran zehar, Paris, Erroma eta Veneziako opera-antzokietarako obrak idazten ere denbora eman zuen, eta bere obra dramatikoak Europa osoan asko antzeztu ziren bere bizitzan zehar.
1788tik 1824ra, Austriako kapera inperialeko maisu gisa, gorteko kaperako eta ondoko eskolako musikaren arduraduna izan zen. Bere obrak interpretatzeari utzi eta 1804tik aurrera opera berririk idatzi ez zuenean ere, bere belaunaldiko maisurik garrantzitsuenetako eta bilatuenetako bat izaten jarraitu zuen, eta bere eragina Vienako bizitza musikalaren alderdi guztietan nabaritu zen. Franz Liszt, Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Anton Eberl, Johann Nepomuk Hummel eta Franz Xaver Wolfgang Mozart bere ikasle ospetsuenen artean daude. Salieriren musika poliki-poliki desagertu zen errepertoriotik 1800 eta 1868 bitartean, eta oso gutxitan entzun zen garai horren ondoren, XX. mendearen amaieran ospea berpiztu zen arte. Errenazimenduan hori Peter Shafferren Amadeus (1979) antzezlanean Salierik egindako fikziozko antzezpenak eta 1984ko izen bereko zinema-bertsioak eragin zuten. Wolfgang Amadeus Mozarten heriotza 1791n, 35 urte zituela, Salieri eta bera aurkari sutsuak izan zirela eta honek konpositore gazteena pozoitu zuela zioten zurrumurruek jarraitu zuten. Hala ere, ziurtatu du hori gezurra dela, eta litekeena dela gutxienez elkar errespetatzen zuten lagunak izatea.
Les Danaïdes (jatorrizko izenburua frantsesez) tragedia lirikoa da bost ekitalditan, Antonio Salieriren musikarekin eta Le Bailly du Roullet-en eta von Tschudi Baroiaren libretoarekin frantsesez, gai mitologikoari buruz; jatorriz Christoph Willibald Gluckentzat idatzia; baina konpositore zaharkitua, bihotzekoak jo berri zuena, ez zen gai izan operaren eskema betetzeko, eta, horrela, Salieriri kargu hartzeko eskatu zion. Operaren bilbea edo trama tragedia grekoan oinarritzen da eta Danao eta Hipermnestra pertsonaia mitologikoen balentriei egiten die erreferentzia.
Giacomo Puccini (1858-1924), XIX. mende bukaerako eta XX. mende hasierako opera konpositore italiar handienen artean zegoen. Ameslaria izan zen, XX. mendean zinea zuzenduko zuten musikaren kontzeptuen sortzailea; harentzat, obraren behar dramatikoek zehaztutako efektu-kontuak ziren pasarte modalen edo baliabide politonalen erabilera eta tonalitatea edo atonaltasuna. Adibidez, Toscan, testua pasarte musikalekin ordezkatzeko moduak aurreratzen digu, zer ekintza dagoen gertatzeke, Alfred Hitchcockek bere suspensezko filmetan egiten duen moduan. Beste adibide bat La Bohème da, Mimiren gaia bera agertokian azaldu aurretik entzuten denean. Giuseppe Verdiren oinordekotzat jotzen da.
E lucevan le stelle, (Eta izarrek distira egiten zuten) Giacomo Puccinik konposatutako Tosca operako tenoreentzako aria ospetsua da. Azken hirugarren ekitaldiko konposizio elegiakoa da. Bertan, protagonista, pintore errepublikano eta ideia liberalen zalea den Mario Cavaradossi, klarinete hutsezko melodia malenkoniatsu eta atsekabetuarekin hasten da, egunsentia agertzen den heinean. Cavaradossik bere maitalearekin, Floria Tosca dibarekin, bizitako une intimoak gogora ekartzen ditu, eta Sant 'Angelo gazteluan (Erroma) preso gisa egindako egonaldia deskribatzen duen aria abesten du. Izarrak poliki-poliki desagertzen dira, eta une batetik bestera, kartzelariak berehala exekutatzeko deituko dio.
Andeka Gorrotxategi, Abadiñon (Bizkaia) jaio zen, eta Durangoko Kontserbatorioan hasi zuen bere ahots-prestakuntza. Ondoren, Bilbora, Madrilera, Marseillara, Parisera, Erromara eta AEBra joan zen, eta han, ahots-prestakuntza Agurtzane Mentxaka, Ana Begoña Hernandez, Francisco Ortiz, Elisabetta Fiorillo edo Francisco Casanova maisuekin zabaldu zuen. Madama Butterfly-n, Pinkerton-en paperean, Novara 2011 filmean egindako debutak, bere ahots “ausart eta argitsua”gatik izugarri bultzatu zuen bere ibilbidea. Askoren ustez, Franco Corelli berria da, liriko-spinto errepertorioagatik eta ahots eder eta beltzaranagatik, munduko eszenatoki ospetsuenetan aritzera eraman duena.
Joaquín Rodrigo (1901-1999), Sagunton (Valentzia) jaiotako musikagile espainiarra izan zen. Zazpi urterekin itsu geratu zen; bederatzi urterekin, solfeo, biolin eta piano ikasketak hasi zituen; 16 urterekin, harmonia eta konposizioa, eta 22 urterekin, bere lehen obrak konposatzen hasi zen. 26 urterekin, Parisera joan zen, eta bost urtez Paul Dukasekin ikasi zuen. 1940an Aranjuezko Kontzertua estreinatu zuen Bartzelonan, ordutik aurrera mundu osoan ezaguna izango zena. Konpositore emankorra izan zen, eta hainbat lan idatzi zituen: instrumentu bakarrerako obrak, pianorako obrak beste instrumentu batekin, hari-orkestrarako obrak, haize-orkestrarako obrak eta orkestra sinfonikorako obrak, instrumentu desberdinetarako kontzertuak, abestiak, obra sinfoniko-koralak eta musika eszenikoa.
Gitarra hari pultsatuko instrumentua da, hari perkutituko pianoa edo hari igurtziko biolina ez bezala. Mendeetako bilakaeraren ondoren, gaur egungo gitarra erresonantzia-kaxak osatzen du, goialdean zulo edo aho zabala duena. Masta hori, zubian hasi eta larako-multzoa dagoen beste puntaraino doa, sei hari edo sokak zeharkatzen dutelarik; larakoak, hariak afinatzeko erabiltzen dira. Bestalde, masta, egurrezko zati batez babestua dago, diapasoia deiturikoa, trasteetan banatua eta sokak tonu erdietan banatzen dituena. Gitarraren jatorria, K.a. 1.000 urte ingurukoa da, non asiriarrek jadanik bazituzten hari pultsatuzko instrumentuak erresonantzia-kaxarekin. Sei hariko gitarra XVIII. mendean ezarri zuen Jacob Ottok, egungo afinazioarekin. XX. Mendean, Jose Ramirez III .a lutier espainiarrak, Narciso Yepes gitarra-jotzailearekin batera, lau soka gehiago gehitu zizkion grabeetan, masta zabal baten gainean. Masta horren trasteek nabarmen zabaltzen dute ezkerreko eskuko soinuen sorta.
En los Trigales. Rodrigok gitarrarako konposatu zuen bigarren pieza da (1938), Zarabanda Lejanaren (1927) ondoren. "Música para guitarra: castellanismo frente a andalucismo en torno a los años cuarenta" izeneko saiakeran, Carolina Queipo Gutierrezek, Rodrigoren lanaren lehen kantuaren eta Zamorako jotaren arteko kidetasuna indibidualizatzen du. Saiakeraren testuan agertzen den adibide musikala musikologoaren tesiaren nahiko aldekoa da. Esan gabe doa Rodrigoren lanak musika-gaztelaniaren alderdi bat irudikatuko zuela. Tesi honen muga, berez errespetagarria eta oinarritua, beste batzuen indibiduazio faltan kokatzen da, eta ez gutxiago boteretsuetan, "En los trigales" en alderdi formalak zehaztu zituzten eraginak. n preludioa. Claude Debussyren lehen liburuko Pianorako Prélude 9.a, "La sérénade interrompue" izenekoa, eta sail bereko Preludio 12.a "Minstrels" izenekoak, zerbait iradoki diote ziur aski Rodrigori, frantses musikaren ezagutzaile onari. (Arturo Zeballosen orrialdean argitaratutako Angelo Gilardinoren artikulutik laburtua)
Gaur Karmen Stendler gitarrista eslobeniarrak eskainiko digu.
Musika klasikoari buruzko iradokizunak
Giuseppe Torelli (Verona, 1658 - Bolonia, 1709) Barrokoko musikagile, biolin jotzaile eta musika maisu italiarra izan zen; Felice Torelli margolariaren anaia zen, eta arku eta tronpeta instrumentuetarako egiten zuen musikagatik gogoratzen zen bereziki. Musikako lehen entrenamendua bere jaioterrian jaso zuen, Giuliano Massaroti maisuarekin. 1684an Boloniara joan zen Giacomo Antonio Pertirekin ikastera, eta urte bereko ekainaren 27an Boloniako Akademia Filarmonikoan sartu zen biolinista gisa. Torellik, Alessandro Scarlattik jada erabilitako hiru mugimenduren forma aplikatu zuen (Allegro, Adagio, Allegro) kontzertu instrumentaletan; eta Corellik asmaturiko concerto grossoaren bultzatzaile nagusietako bat izan zen. Biolin eta orkestrarako kontzertu bakarlarien konposizioan ere aitzindaria izan zen. Guztira, bere 84 lan ezagutzen dira.
Tronpetarako kontzertua Re maiorrean Giuseppe Torelliri egotzitako kontzertua tronpeta barrokorako kontzertu-errepertorio goiztiarreko obra adierazgarrienetako bat da, eta boloñar estiloaren (Boloniako eskolakoa) eta tronbak tirarsi (tronpeta naturala, balbularik gabea) ematen duen paperaren adibide garbia da. Kontzertu hau tronpeta bakarlariarentzako errepertorio goiztiarraren mugarri bat da eta kontzertu barroko heldurako trantsizioaren adibide bat. Ritornellia duen hirutariko formak, tronpeta naturalerako pentsatutako idazkerak eta boloñar estiloak funtsezko obra bihurtzen dute, bai azterlan musikologikoetarako, bai historikoki informatutako interpretazioetarako. Kontzertua Re maiorran tronpeta barrokorako afinazio tipikoari dagokio, Re-n jo ohi zuena, distira naturalagatik eta goiko harmonikoak lortzeko erraztasunagatik. Litekeena da obra horiek Boloniako San Petronio Basilikari lotutako interprete bertutetsuentzat konposatzea, garai hartan praktika instrumentaleko zentro aurreratua baitzen.
Kontzertuaren egitura: Kontzerto grosso/barroko goiztiarraren hirutariko forma tipikoa jarraitzen du, aurrerago Vivaldin estandarra bihurtuko dena:
I (0"00") ALLEGRO. Ritornello formako hasierako mugimendu azkarra: Orkestrak ritornello (gai errepikaria) bat aurkezten du, tronpeta ritornelloaren errepikapen partzialekin tartekatzen diren sekzio bakarlariekin sartzen den bitartean. Material tematikoa distiratsua da, fanfarrikoa eta akorde-notetan oinarritua (tronpeta naturalaren mugek tipikoa). Re-ren tonalitatearen harmoniko altuak ustiatzen dira (La, Re, Fa #, La), eta horrek soinu heroiko bereizgarria sortzen du.-. II (1´59") ADAGIO - (3´24") PRESTO - (3´52") ADAGIO. Mugimendu motela, normalean laburra, eta tronpetarik gabe. Hori oso ohikoa zen: tronpeta naturalak ezin zuen melodia kromatiko espresiborik jo, eta, beraz, mugimendu motela sokentzat bakarrik zen. Bi sekzio bizien arteko kontraste liriko gisa funtzionatzen du.-. III (4´30") PRESTO. Azken mugimendu azkarra ere errritornello moduan, baina arinagoa eta dantzagarriagoa. Bakarlariak arpegioetan eta motibo errepikakorretan oinarritutako irudi arinak egiten ditu. Kadentzia distiratsuarekin amaitzen da, nahiz eta Torelliren estiloan ez dagoen kadentzia inprobisaturik, klasizismoan bezala.
Gaur Voices of Music talde estatubatuarrak eskainiko digu, Dominic Favia tronpeta-jotzailea bakarlari duela.
Ludwig van Beethoven (1770-1827), Bach eta Mozartekin batera, mendebaldeko musikako erraldoien hirukoteko kide da. Bonnen jaioa, bere aita, jatorriz flamenkoa, bigarren Mozart bihurtzen saiatu zen, nahiz eta porrot nabarmena izan. Hala ere, bederatzi urtetik aurrera, Christian Gottlob Neefe organo-jotzaileak Bachen estudioarekin liluratu zuen, eta beti izango zuen gogoan. 1787an Vienara joan zen Mozarten klaseak jasotzeko asmoz, baina bere amaren heriotzak Bonni itzuli zion egun gutxira. Horrela, bost urteren ondoren, Vienara itzuli zen, eta han Haydn eta Salierirekin harremanetan jarri zen, musikagile eta piano-jotzaile gisa ezagutuz, jendearen onarpen nabarmenarekin. Hala ere, piano-jotzailearen lanbidea ezin izan zuen burutu hurrengo urtean eraso zion gorreria zela eta, ahalmen horretatik erabat ezgaituta utzi zuen arte.
Beethovenen ondare musikalak honako hauek biltzen ditu: pianorako 32 sonata, ganbera-taldeentzako obra ugari, piano eta biolinerako kontzertuak, musika intzidentala, musika sakroa eta, batez ere, Musikaren Historiaren gailurra hartzen duten bederatzi sinfonia. Ondare hau, hobeto ulertzeko, etengabe berritu eta gainditzeko hiru etapatan bana dezakegu: A) 1802ra arte, Klasizismoa. Harenak dira pianorako egin zituen lehen hamar sonatak, harizko lehen sei laukoteak, septiminoa, lehen bi sinfoniak edo pianoko lehen bi kontzertuak. B) 1803-1815. Erromantizismoa. Heldutasun artistiko betean eta egitura formalaren eta lirismoaren erabateko kontrolarekin konposatzen ditu sinfoniak 3.etik 8.era, bere Fidelio operak 3., 4. eta 5. pianorako kontzertuak, biolinerako kontzertua, kontzertu hirukoitza, pianorako sonatak (Claro de luna, Appasionata eta Kreutzer biolinerako sonata) C) 1815 hil zen arte. Lengoaia biziago baten berrikuntza, tratamendu harmoniko eta estruktural ausartagoekin: pianorako azken bost sonatak eta harizko azken bost laukoteak, 9. sinfonia, bakarlariak eta korua gehituta, Misa Solemnis…
Pianorako kontzertua, zk., Op. 15. Pieza honen konposizioa 1793ko hasierako zirriborroetatik, 1794-1795eko partitura autografo amaituraino garatu zen. Geroago, Beethovenek hainbat aldiz berrikusi zuen partitura: lehen aldiz1800eko apirila baino lehen; eta bakarlariaren atala, 1801eko martxoa baino lehen. Pianorako 1. Kontzertua Do maiorrean ez zen lehenengoa izan, baizik eta musikagilearen hirugarren saiakera genero horretan. Aurretik Kontzertua Mi bemol maiorrean idatzi zuen, baina ez zen argitaratu (ez nahastu 5. zenbakiarekin). 2. Kontzertua Si bemol maiorrean ere aurretiko lana omen da. Berez, hamar urte inguru lehenago konposatu zen, baina 1801 arte ez zen argitaratu. Hainbeste denbora eman zuen Kontzertua Si bemol maiorrean egiten, rondó guztiz berria barne, non Kontzertua Do Maiorrean, aurretik inprimategian egon zen eta horregatik 1 zenbakia esleitu zitzaion. Pianorako 2. kontzertua bezala, kontzertu honek Beethovenek Mozarten eta Haydnen estiloak bereganatu zituela islatzen du, eta bere aldaketa harmoniko malkartsuek Beethovenen nortasun paregabea erakusten dute.
Kontzertuaren egitura estilo estandar klasikoko ohiko kontzertu-egitura da, tempo azkar-geldo-azkarreko hiru mugimendutakoa. I. ALLEGRO CON BRIO. Lehen mugimendua Do maiorreko tonalitatean idatzita dago, 4/4 konpasean, eta sonata formari jarraitzen dio (esposizioa-garapena-biresposizioa), orkestra-esposizio erantsi batekin, kadenza batekin eta koda batekin.- II (15 '58 ") LARGO. Bigarren mugimendua La bemol maiorrean dago, 4/4ko konpasean, eta mugimendu geldoen ohiko hirutar forma (ABA) hartzen du. Hasierako A atalak B atal nagusian garatzen diren hainbat gai aurkezten ditu. Mugimendua ahots-adierazkortasun handiko melodia liriko batekin irekitzen da, Beethovenen azken aldiko mugimendu geldo sakonak aurreratzen dituen ia otoitz-une batekin.-. III (27 '12') RONDO. ALLEGRO SCHERZANDO. Hirugarren eta azken mugimenduak, hasierako tonalitateari heltzen dio berriro, konpasa 2/4 da eta zazpi zatiz osatutako rondó forma bati erantzuten dio (ABACABA), ohiko formula bat kontzertu klasikoen hirugarren mugimenduan. Finale tipikoa da garai hartako Beethovenen musikaren zati handi batean: animoz betea, sinkopa erritmikoak eta fraseo irregularrak. Beethovenek bi kadentza labur adierazten ditu, bata gai nagusira itzuli aurretikoa eta bestea mugimendua itxi aurretikoa.
Judith Jauregi (Donostia, Gipuzkoa, 1985) euskal piano-jotzailea da, hiru ahizparen artean gazteena. Hasieran biolina jotzen ikasten hasi zen, baina laster pianoa jotzea erabaki zuen, bere ahizpak bezala. 14 urterekin bakarrik bidaiatzen hasi zen eta, musika klasikoko diva kontzeptutik aldenduz, musika klasikoa gazteengana hurbildu zuen. 17 urterekin Donostiako Goi Mailako Musika Kontserbatorioko Piano Irakasle Goi Mailako Titulua lortu zuen, Cristina Navajas irakasle zuela. Gainera, kalifikaziorik onena lortu zuen eta Ohorezko Graduazio Saria jaso zuen. Ondoren Salamancako Goi Mailako Kontserbatorioan jarraitu zuen Claudio Martínez-Mehnerekin eta Municheko Richard Strauss Kontserbatorioan Vadim Suchanov maisuarekin. Gaur egun Judith Madrilen bizi da eta ibilbide oparoa du nazioartean. Bere azken lanak Berli Music diskoetxearekin argitaratu ditu, poesia eta musika klasikoa uztartuz: 2009an Machadori buruzko ikuskizun bat sortu zuen Kirmen Uribe idazle ondarrutarrarekin eta 2012an Jose Sacristan aktore chinchondarrarekin.
Gaur, Jaume Santoja maisu valentziarrak gidatutako Euskadiko Orkestrak lagunduta, Beethovenen Piano eta orkestrarako 1. Kontzertua Op. 15 eskainiko digu.
Gabriel Pierné (1863-1937), frantziar organista, konpositore eta orkestra zuzendaria izan zen; piano irakasle baten eta kantu irakasle baten semea, Parisko Kontserbatorioan sartu zen, non Cesar Franck eta Jules Massenetekin abesten zuen. 1890ean, Zesar Franck hil zenean, bere maisua ordezkatu zuen Santa Clotilde elizako organista tribunan. Orkestra-zuzendari gisa ospe handia lortu zuen, eta konpositore gisa, piano bakarrerako ganbera-musika ugari utzi zuen, orrialde sinfoniko ederrez gain; horien artean aipatzekoak dira Euskal Herriari eskainitakoak, hala nola Ramuntxoren musika intzidentala edo, biolin eta orkestrarako Fantaisie basque; aipagarriak dira, halaber, haren oratorioak, poema sinfonikoak eta opereta komiko ugariak, baita ballet-lanak ere.
Harpa eta orkestrarako kontzertua Do minorrean, Op. 33 Gabriel Pierné-ren lana da, harparako errepertorio frantsesaren kontzertatzailerik adierazgarrienetakoa; 1903an konposatu zen, eta etengabeko mugimendu bakar batean egituratu zen, nahiz eta hiru atal kontrastatzailetan egituratuta egon (azkarra – motela – azkarra), eskola frantseseko ohiko elementu inpresionistekin zipriztinduta; horrez gain, ehundura gardenak, melodia dotore eta apaingarriak eta harpa argi eta garbi entzutea ahalbidetzen duen orkestrazio fina ditu. Piernék harpa jartzen du protagonista gehiegikerietan erori gabe, pasarte lirikoak, glissandi eta figurazio azkarrak akordeen eta arpegioen erabilera adierazkorrarekin konbinatuz. Instrumentuak distira egiten du, baina orkestraren aurrean desorekatuta geratu gabe, harparako kontzertu batean lortzen zaila den zerbait.
Obra mugimendu bakar batean egituratuta badago ere, ia mini bat bezala funtzionatzen du, hiru mugimendutan banatua. Hasierako atal animatua: energia erritmikoa, izaera distiratsua; erdiko zati motela: harparen melodia kantabileak orkestra-akonpainamendu delikatuarekin; amaiera bizia: birtuosismoa eta itxiera distiratsua. Harpa errepertorioan asko interpretatutako obra da. Sarritan agertzen da lehiaketetan eta grabazioetan, zailtasun teknikoa eta musikaltasuna uztartzen dituelako eta dotorezia frantsesaren eta jariakortasun formalaren arteko orekagatik.
Gaur Jung Kwak harpa jotzaile korearrak aurkeztuko digu, Seung-up Yoon maisu korearrak gidatutako Gwangju Symphony Orchestrak lagunduta.
Gabriela Ortiz Torres (Mexiko Hiria, 1964ko abenduaren 20a) musikagile eta irakasle mexikarra da. Orkestra-, ganbera- eta bakarlari-musika biltzen ditu, baita dantzarako, antzerkirako eta zinemarako ere. Nazioarteko jaialdietan interpretatu izan da, hala nola Cervantino Nazioarteko Jaialdian, Frantziako Bourges Jaialdian, Electrifying Exotican eta Londresko Plugged Festivalen, besteak beste. Mexikoko Ikastetxe Nazionaleko kidea da 2022tik. 2025ean hiru Grammy Sari eman zizkioten: Laburpen klasiko onena, Orkestra-interpretazio onena eta Konposizio klasiko garaikide onena, Iraultza diamantina baletagatik.
Gabriela XX. mendearen bigarren erdian jaiotako gero eta emakume konpositore gehiagoren belaunaldikoa da. Mexiko Hiriko Ollin Yoliztli Eskolan pianoa ikasi zuen, eta geroago Robert Saxtonekin Guildhall School of Music and Drama-n eta Konposizioan eta Musika Elektroakustikoan doktoratu zen Londresko The City Universityn, Simon Emmersonen begiradapean (1992). Bere ekoizpen goiztiarretik, bere musikan estilo sinkretikoa sintetizatzeko duen gaitasuna nabarmentzen da, non "tradizio europarra, musika garaikidearen berezko baliabide berriak eta jazza elementu mexikarrekin nahastuta elkartzen diren, baita Mexiko prehispanikotik ere". 2019ko otsailean Mexikoko Arte Akademian sartu zen.
Orkestrarako kontzertua. Nahiz eta kontzertu bat instrumentu solista batentzako edo gehiagorentzako musika-pieza izan orkestra oso batek lagunduta, zenbait konpositorek Orkestrarako kontzertua izenburu kontraesankorra duten obrak idatzi dituzte. Titulu hau orkestrako hainbat instrumentu edo atal indibidualen tratamendu solista eta birtuosoa nabarmentzeko aukeratu ohi da, piezan zehar instrumentuen aldaketa azpimarratuz. Sinfonia kontzertatzailearen aldean, ez dago bakarlaririk edo konposizioan zehar berdin irauten duen bakarlari talderik.
Hominum Gabriela Ortizen orkestrarako kontzertu bat da ("Concerto for Orchestra"), 2016 inguruan konposatu zena, Mexikoko Arte Ederretako Institutu Nazionalak eta Mexikoko Orkestra Sinfoniko Nazionalak Mexikoko Konstituzio Politikoaren Mendeurrena (1917-2017) ospatzeko egindako enkargua izan zena. Partitura Boosey & Hawkes-ek argitaratu zuen, eta lau mugimendutan banatuta dago. Mugimendu bakoitzak giza izaeraren alderdi metaforikoak islatzen dituen izenburu sinboliko bat du, Boosey & Hawkes-en arabera: I (4´11") BLACK: primitiboa, instintiboa, erritual ilunak, gizateriarekin batera dagoen kaosa gogorarazten ditu.-. II (10´25") LIGHT: ideien mundua, ordena soziala, printzipioak, legeak adierazten ditu.-. III (17´42") IN WATER: norbanakoaren eta gizartearen arteko oreka sinbolizatzen du; sormena, eraldaketa, adiskidetzea .-. IV (27´19") SAREA: injustiziaren, ustelkeriaren eta gizarte-desbalantzearen aurreko grina, borroka, sumindura. Orkestrazioaren ikuspuntutik, Ortizek soinu-estratifikazio bat erabiltzen du: familia instrumental desberdinek elkar lotzen diren "forma organiko independente" gisa elkarreragiten dute, obraren ideia nagusietako bat sinestesia izanik: konposizio prozesuan zehar, Ortizek ikusi zuen kolore, irudi edo "moods" (animoak) batzuk esanahi metaforikoa izaten hasi zirela kezka sozial, filosofiko eta politikoekin lotuta. Obrak giza kondizioari buruzko gogoeta egiten du ("Hominum" = humanitatea): ez da indibidualtasunetik ateratzen, baizik eta nola garen kolektiboki, nola antolatzen garen, nola borrokatzen garen, nola existitzen garen. Ortizek primitiboa eta instintiboa (BLACK) zein arrazionala eta soziala (LIGHT) jorratzen ditu, banakoaren eta sozialaren (IN WATER) eta gatazka emozional eta moralaren (RED) arteko tentsiotik pasatuz.
Denontzako musikari buruzko iradokizunak
Sarah Vaughan (1924 – 1990), Sassy eta La Divina ezizenez ezaguna, jazz abeslari estatubatuarra izan zen. Billie Holiday eta Ella Fitzgeraldekin batera, generoko emakumezko ahots garrantzitsu eta eragingarrienetako bat da. Ahotsaren ezaugarri nagusiak tonalitate grabea, aldakortasun handia eta bibratoaren kontrola ziren, tesitura zabalarekin, erregistro grabetik sopranoarenera erraz salto egiteko aukera ematen ziona. Beboparen fraseoa bere kantuari gehitu zion lehen abeslarietako bat izan zen; eta gainera, Charlie Parker eta Dizzy Gillespie bezalako instrumentisten mailan kokatu zuen. Bere gaitasun nabarmenenak sormen harmonikoa eta inprobisazioaren zentzu altua dira. Urteetan zehar, ahotsa ilunduz joan zitzaion, baina ez zuen inoiz boterea eta malgutasuna galdu. Scateko (zentzurik gabeko silaba soilen inprobisazioa) irakaslea ere izan zen.
Bad Bunny, benetako izena Benito Antonio Martínez Ocasio (Vega Baja, Puerto Rico, 1994ko martxoaren 10a), abeslari, konpositore, ekoizle, aktore eta borrokalari puertorricarra da. Bere izen artistikoa haurtzaroko argazki batetik dator, Berpizkunde Igande batean hartutakoa, non untxi-belarriak buruan dituela irteten den. Intonazio bereizgarria du, eta hainbat musika-estilotan espezializatzen da, hala nola reguetón eta trap latino estiloetan, nahiz eta beste genero eta estilo batzuk ere interpretatu dituen. Ospea hartzen hasi zen SoundClouden, eta, azkenik, Hear This Music diskoetxearekin kontratu bat sinatu zuen, supermerkatu batean paketatzaile gisa lanean ari zela eta Areciboko Puerto Ricoko Unibertsitatean ikasten ari zela. 2016an "Soy peor" singleak izandako arrakastaren ondoren, ospea lortu zuen Cardi B eta Drake artistekin batera "I Like It" eta "Mia" singleetan lan egin ondoren. Billboard Hot 100 zerrendan lehen eta hirugarren postua lortu zuten, hurrenez hurren.
Estudioko bere X 100pre albumak (2018) Grammy Latinoa irabazi zuen hiriko musika album onenagatik eta garai guztietako 500 musika album onenen zerrendan sartu zen, Rolling Stone aldizkariaren arabera, 447. tokian. Gainera, 2020 eta 2022 bitartean Spotifyn gehien erreproduzitu zuen lehen artista hispanohiztuna izan zen. 2021ean, 2022an eta 2023an munduko 100 pertsona garrantzitsuenetako bat izan zen Time aldizkarian. Urte bereko urrian, Pitchfork estatubatuar argitalpenak azken 25 urteetako eragin handieneko 200 artisten zerrendan sartu zuen. 2023an, TIME aldizkariak, gaztelaniazko lehen edizioan, Bad Bunny jarri zuen azalean.
Jane Birkin (Londres, 1946) hirurogeiko hamarkadaren amaieratik Frantzian bizi den aktore eta abeslari anglo-frantsesa da. Erresuma Batuko zinema-hastapenen ondoren, bereziki “Udako goiz bateko desioa” filmean, karrera bat hasi zuen Frantzian, eta han ezagutu zuen gerora bere aholkulari, konpositore eta bazkide izango zena, Serge Gainsbourg. Bere ahots ahula bere marka bereizgarri bihurtu zen eta adimenez erabili zen. Bere lehen kolaborazioetako bat Je t'aime... moi non plus abestia izan zen, nazioartean arrakasta handia lortu zuena. 1980ko hamarkadaren amaieran, Gainsbourgek berarentzat idatzitako errepertorioa interpretatu zuen Parisen. 2017an estudioko hamahirugarren diskoa argitaratu zuen, "Birkin-Gainsbourg le symphonique".
Gaur kantu herrikoien florilegioa eskaintzen dugu Orchestre Lamoureuxek lagunduta, Didier Benetti maisuaren gidaritzapean.
Kishore Kumar (Abhas Kumar Ganguly, 1929-1987) indiar playback abeslari, musikari eta aktorea izan zen. Indiako musikaren historiako abeslari handienetako, eraginkorrenetako eta dinamikoenetako bat da. Kumar indiar azpikontinenteko abeslari ezagunenetako bat izan zen, oso ezaguna hainbat tinbre dituzten abestiak abesteko duen gaitasunagatik. Hainbat generotako abestiak abesten zituen, baina bere konposizio bakan batzuk, klasikotzat hartzen zirenak, galdu egin ziren denboran zehar. 2013an, Kumar "Gizonezko playback abeslari ezagunena" aukeratu zuten Filmfare aldizkariak egindako inkesta batean. Hindiaz gain, indiar hizkuntza askotan abestu zuen, hala nola bengalieraz, maratieraz, baltseeraz, gujaratiz, kannada, bhojpuri, malabar, odia eta urdu. Zenbait album ez zinematografiko ere atera zituen hainbat hizkuntzatan, bengalieraz bereziki, garai guztietako klasikotzat jotzen direnak. Playbackeko Gizonezko Abeslari Onenaren 8 Filmfare sari irabazi zituen, 28 izendapenekin, eta kategoria horretan Filmfare sari gehien irabazi eta izendatu izanaren errekorra du. Madhya Pradeshen gobernuak Lata Mangeshkar Saria eman zion 1985ean, eta 1997an "Kishore Kumar Saria" sortu zuen hindiar zinemari egindako ekarpenengatik; gainera, oroimenezko monumentu bat eraiki du Khandwa kanpoaldean. Urtero, omenaldi musikal ugari, programa bereziak eta emankizunak bere jaiotzaren eta heriotzaren urteurrenetan inspiratzen dira.
Bideo bereziei buruzko iradokizunak
Paul Taylor (1930-2018) dantzari eta koreografo estatubatuarra izan zen. Syracuse Universityn ikasi zuen eta, geroago, Juilliard Schoolen eta Connecticut Collegeko American Dance Festivalen. Merce Cunningham, Martha Graham eta George Balanchine konpainietan aritu zen, 1954an bere konpainia sortu aurretik (Paul Taylor Dance Company). Bere lehen lana intentzio-manifestu bat izan zen: Duet (1957), non John Cageren ez-partitura batekin pianoa jotzen ez zuen pianista baten ondoan geldirik egoten zen. Antzezpen honek Louis Horst kritikari ospetsuaren antzeko erantzuna eragin zuen: Observer en blanco atala utzi zuen. Proposamena abangoardista izan arren, geroagoko muntaiak tradizionalagoak izan ziren, musikaltasunaren eta lirismoaren aldeko apustu garbia eginez, modu naturalagoan tratatuak izan arren: Aureole (1962), Airs (1978) eta Arden Court (1981) nabarmentzen dira.
Taylorrek koreografo batzuen oinarrizko musikaltasuna kritikatu zuen -mickey mousing deitu zuen, soinuei erantzuten dieten mugimenduengatik, marrazki bizidunetan bezala-, eta musikaren koreografia independentea proposatu zuen, esanahi eta forma propioekin. Taylorren estilo ironiko eta parodianteak, bortizkeriaren eta irriaren artean, bere obra dantza postmodernoa deiturikoaren barruan sartzea eragin du. Dantza postmodernoak ohikoak eta egunerokoak sartu zituen, gorputz arruntak dantzari klasikoen estilizatuen aurrean, estilo eta eraginen nahasketa batekin, hasi ekialdekoetatik eta folklorikoetaraino. Bere garraztasun eta lotsagabekeriak haize freskoa ekarri du dantza klasikoaren mundura, ordura arte hain mistikoa eta kontzeptuala izan zena. 1992an Kennedy Saria eta Arteen Domina Nazionala eman zizkioten. Frantziako gobernuak Ohorezko Legioarekin kondekoratu zuen 1990ean.
Auréole (1962) Paul Taylor koreografo estatubatuarraren lanik enblematikoenetako bat da, XX. mendeko dantza modernoaren berritzaile handienetakotzat jotzen dena; Taylorrek, George Frideric Handelen obra ezberdinen zatiak mihiztatuz konposatu zuen lan hori. "Aureole" k mugarri bat ezarri zuen Paul Taylorren ibilbidean; ordura arte, lan esperimentalengatik zen ezaguna, baita erradikalengatik ere; pieza horrekin, harrigarriro argitsua, arina eta musikala, Taylor askoz publiko zabalagoari ireki zitzaion. Lanak, mugimendu arin eta argitsu batzuen barruan, tonu positibo, jostari eta gizatiarra eta sentiberatasun ia neoklasikoa erakusten ditu. Obra klasiko modernotzat jotzen da eta Taylorrek nazioartean gehien interpretatzen duen koreografietako bat da.
Bere garaian berehalako arrakasta izan zuen, eta Paul Taylorren lekua sendotzen lagundu zuen, Estatu Batuetako dantza garaikideko koreografo garrantzitsuenetako bat baita, eta gaur egun errepertorioan jarraitzen du konpainia profesional eta unibertsitario askotan. Gaur Danimarkako Errege Balletak eskainiko digu Vivi Flindt, Eva Kloborg, Anne Sonnerup, Johnny Eliasen eta Rudolf Nureyevekin.
Dantza Korean. Korean, dantzaren hasiera, gutxienez duela 5.000 urte hasi zela uste da, eta antzinako erritual xamanikoetan sortu zela. Hiru Erreinuen garaian, dantza korearraren lehen zantzuak antzematen dira. Ondorengo Koreako erresumen garaian, dantzak errege gortearen laguntza erregularra jaso zuen, akademia ugari sortu ziren eta dantzara zuzendutako gobernuaren ministerio ofizial bat ere egon zen. Gaur egun dantza mota ugari daude Korean, gorteko eta folkloreko dantzatik hasi eta dantza garaikide sortu berriraino.
Igor Moiseyev balleta, Moskuko Bolshói Antzokiaren erraietatik sortua, ballet dantza herrikoien bat-batekotasuna ballet klasikoaren akademizismoarekin sintetizatzea lortzen duen munduko ballet konpainia handienetako bat da. Gaur, Sancheonga dantza herrikoia taularatzen du, ohikoa duen zorroztasun koreografikoarekin eta Koreako folklorearen sustraiekiko eta ohiturekiko errespetuarekin.
Mexikoko dantza folklorikoa Mexikoko folklorearen irudikapen bat da; bertan erritoak, kultura eta tradizioak islatzen dira. Espainiarren etorrera baino lehenagotik, Mexikon bizi ziren herrientzat erritu-dantza garrantzitsua zen eguneroko bizitzan. Lurralde horiek ebanjelizatu zituzten erlijiosoak haiek desagertarazten saiatu ziren, baina, zeuden arriskuak neurtuta, azkenean egokitu edo kristautu egin zituzten, esanahi berriak emanez. Gaur egun, dantza folklorikoak bizitzako sentimenduak, emozioak eta esperientziak adierazteko eta arbasoen tradizioak eta errituak berpizteko balio du; gure herri, kolonia, familia eta hirientzako momentu garrantzitsuak ospatzeko ere erabiltzen da.
Concheros dantza Mexikoko erritu-adierazpenik zaharrenetako eta esanguratsuenetako bat da. Elementu prehispanikoak eta kristauak uztartzen ditu mendeetan bizirik iraun duen tradizioan, eta bizirik dirau herrialdeko leku askotan, batez ere Mexiko erdialdean. Dantza espainiar etorreraren ondoren sortu zen, herri indigenek beren zeremonietan elementu kristauak txertatu zituztenean beren espiritualtasuna bizirik mantendu ahal izateko. Dantza sinkretista da: Mesoamerikako sinesmenak (kosmobisioa, eskaintzak, jainkoak) eta katolikoak (prozesioak, santuen gurtza) nahasten ditu. Gaur egun, herriko jaietan, erromesaldietan eta ekitaldi erritualetan egiten da; dantza horren izena kapitainek edo gidari espiritualek erabilitako hari-instrumentutik dator: maskorra, armadilozko oskolez edo zurez egindako kordofonoa, mandolina bezala jotzen dena. Maskor hauek dantzariekin batera danbor eta soinuekin batera, dantza bat baino gehiago, erritu bat da, non dantzariek Ama Lurraren eta Unibertsoaren aldeko eskaintza espiritual batean parte hartzen duten indar naturalen arteko oreka energetikoa bilatzen duten otoitzekin, aldi berean arbasoak eta tradizioak zirkuluan dantzatuz osotasunaren eta babesaren sinbolo gisa. Bere jantziak lumazko gandorrak, brodatutako jantziak, armarriak eta estandarteak, huautli (amaranto), listoiak eta elementu sinbolikoak ditu.
Gaur Macuilxochitl de Oaxtepec Folklore Taldeak eskainiko digu (Morelos Estatuko Yautepec udalerrian).
Bangladeshko Shilpakala Akademia, Shilpakala akademia, Bangladeshko Estatuak babestutako kulturagune nazional nagusia da. Arte eta arte eszeniko ederren akademia bat da, 1974ko otsailaren 19an sortua, Bangladeshko Shilpakala Akademiaren Legeari jarraiki, Mujibur Rahman xekeak, Bangladesheko lehen presidenteak eta ondoren lehen ministroak, sortua. Akademiak sukurtsalak ditu Bangladeshko 64 barrutietan, jarduera kulturalak sustatzeko eta eskualde mailako garapen artistikoa sustatzeko. Akademiaren eginbeharren eta erantzukizunen artean daude arte eta kultura nazionalak sustatzea eta horiek garatzeko beharrezkoak diren instalazioak sortzea. Akademiaren jardueretan sartzen dira, halaber, tailerrak, mintegiak, eztabaida-bilerak, iraupen laburreko trebakuntza espezializatuak, talentu handiko artistentzako bekak eta finantza-dirulaguntzak, eta lehiaketak antolatzea arte ederren eta arte eszenikoen arloetan.
Umeentzako musikari buruzko iradokizunak
Testu hauek egiteko Wikipediako hainbat artikulu eta Adimen Artifizialeko informazio puntualak erabili dira.
Videomusicalis-eko testuak, euskaraz, gaztelaniaz eta ingelesez eginda daude.
