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Jesus Guridi (1886-1961), compositor nacido en Vitoria-Gazteiz en una familia eminentemente musical, de modo que fueron sus padres quienes le iniciaron en dicha senda. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores, por lo que se movieron a Bilbao donde se asentaron gracias a la ayuda de l@s parientes; en Bilbao, aún se acordaban del organista Ledesma, bisabuelo de Guridi. Con sólo quince años ofreció su primer concierto público con obras suyas; con “Txalupan” para voz y piano se hizo merecedor del premio del concurso Plácido Allende. Gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum donde estudió piano, órgano, contrapunto y composición, a la vez que seguía elaborando sus trabajos de composición. Fue en París precisamente donde inició su amistad con el sacerdote y musicólogo Resurrección María de Azkue, amistad que duraría toda la vida. En 1906, tras terminar sus estudios en la Schola Cantorum,  se trasladan ambos a Bélgica para profundizar en los estudios de  órgano y de composición. Poco después coronaría sus estudios en Colonia y Munich. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, da a conocer sus nuevas obras gracias a la Sociedad Filarmónica, que suponen un éxito que le anima a seguir componiendo; se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 se traslada con su familia a Madrid como profesor de armonía y director del Conservatorio y donde escribe algunas de sus obras más relevantes. Toda su música está impregnada de la esencia de la música vasca y abarca todo tipo de géneros instrumentales y vocales: obras para piano y órgano, obras corales a capella y acompañadas, música de cámara y sinfónica, zarzuelas y óperas. De todas ellas, las más relevantes son las Diez Melodías Vascas, la zarzuela que hoy ofrecemos El  Caserío y la ópera Amaya. Murió en Madrid el 7 de Abril de 1961.

El caserío es una zarzuela de principios del siglo XX escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, con música de Jesús Guridi. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 11 de noviembre de 1926. El caserío es una comedia lírica en tres actos de carácter costumbrista, donde se expone la vida en una aldea campesina vasca contemporánea. Buena parte de la música está inspirada en el folclore vasco. Es una de las composiciones más importantes de Guridi. Se localiza en la aldea imaginaria de Arrigorri, en Vizcaya. Se presentan de una forma estereotipada personajes típicos: el cura, el alcalde, el secretario, el indiano rico, la tabernera... Usan un habla característica, con acentos y giros propios del país. La versión que hoy presentamos está conducida por el maestro  José A. Irastorza (1961)

Franz Schubert (1797-1828) Compositor austríaco que a pesar de morir a los 31 años dejó escritas más de 1.500 composiciones entre numerosas obras de piano y de música de cámara, 8 sinfonías, obras concertantes, música inidental, música sacra (entre otras, 7 Misas, 1 Oratorio y 1 Requiem), varios singspiel (pequeñas operetas), algo de ópera y más de 600 pequeñas obras vocales, fundamentalmente lieder (canciones). A los 11 años fue admitido como miembro del coro de la Capilla Imperial de Viena en la que tuvo como profesor a Salieri. En esa época lo que reportaba dinero era la ópera, género en el que nunca logró sobresalir a pesar de que escribió cuatro óperas en dicha etapa; así que se volcó en el lied componiendo entre 1815 y 1816 más de 150 lieder, entre los que hay que destacar su Ave María y el conjunto de lieder La Bella Molinera. A pesar de que en vida fuera admirado por un grupo cercano a él,  fueron Schumann y Mendelssohn quienes pusieron en el candelero el valor de sus obras.

La Sinfonía nº 3 la compone Schubert con 18 años y consta de cuatro movimientos: I Adagio maestoso-Allegro con brio; II Allegretto, que es el movimiento que hoy proponemos; III Menuetto. Vivace; IV Presto vivace. La ejecución corre a cargo de la Norwegian Chamber Orchestra a las órdenes de su primer violín (“concertino”) Florian Donderer.

Bingen Mendizabal (1962) es un músico vasco nacido en Vitoria-Gasteiz , compositor, sobre todo,  de bandas sonoras de películas. En 1969 ingresó en el Conservatorio Jesús Guridi de Vitoria-Gasteiz, donde estudió violín con Albina Madinabeitia y composición con Carmelo Bernaola, y también aprendió con Luis de Pablo y Antón García Abril. Amante de la música tradicional vasca y del folk irlandés, creó su propio grupo, Nahiko, y finalmente recaló unos años en el grupo Hertzainak hasta que éste se disolvió. Después de trabajar para otros músicos como Mikel Urdangarin, La Polla Records, Gorka Knörr, o los grupos de teatro Geroa o Teatro Paraíso, en 1989 compuso la música del cortometraje de Juanma Bajo Ulloa El reino de Víctor. En 1991 compuso la música de su primer largometraje, La madre muerta, con el que ganó un premio. Desde entonces ha trabajado para directores españoles e internacionales como Enrique Urbizu, Montxo Armendáriz, Imanol Uribe, Manuel Gutiérrez Aragón, Mariano Barroso, Manuel Gómez Pereira, Marcelo Piñeyro, Julian Temple, Betty Kaplan o Francisco J. Lombardi. En 2008 fue candidato al Goya a la mejor música original para El juego del ahorcado.

La Sinfonía Vitoria-Gasteiz es una obra encargo de La Fundacion Laboral San Prudencio por su 50 aniversario. La obra está inspirada en la música de la  composición que Beethoven dedicó a la Batalla de Vitoria, su opus 91 también conocida como La Victoria de Wellington en la que éste derrotaba a Napoleón precisamente en Vitoria. La Sinfonía Gasteiz consta de tres movimientos que describen, asimismo, el desarrollo de la ciudad... con el progreso que llega tras la batalla; la esperanza, tras la lucha. El vitoriano Bingen Mendizabal dice que es un regalo para la ciudad y que le gustaría que llegue al mayor número de personas posible y no se quede en un mero acto simbólico. Un regalo que tiene envoltorio alavés, ya que, además del compositor, la orquesta está formada por músicos de Gasteiz bajo la batuta del maestro también vitoriano afamado y apreciado internacionalmente Juanjo Mena. El director de orquesta destaca que son alaveses y vitorianos y que están haciendo lo que hay que hacer: sacar la base, la esencia de la cultura. Mena insiste en que son los que están aquí, los que han salido de esta ciudad y de esta geografía. La sinfonía Vitoria-Gasteiz se estrenó el 4 de abril en el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz.

El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue en sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir de los 14 años en que murió su madre; a consecuencia de ello y, también, de una homosexualidad reprimida, contrajo forzosamente un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; y así, a los tres años abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores.

La Marcha eslava es una composición orquestal escrita en honor de los soldados serbios (considerados por el pueblo ruso como hermanos) muertos por los invasores del ejército turco. Comienza, a modo de marcha fúnebre, describiendo la opresión sufrida, para lo cual utiliza distintos temas de canciones serbias; la segunda sección que comienza con una melodía de carácter campestre y sigue con el himno nacional ruso nos  describe la ayuda rusa a su pueblo hermano. La tercera sección hace mención al envío de soldados voluntarios rusos que combatirán para derrotar al tirano. César Iván Lara es una de las personalidades más relevantes surgidas del Sistema Venezolano de Orquestas Juveniles y actualmente, director titular de la Sinfónica Argentina de Mendoza y director asociado de la Sinfónica Simón Bolívar.

Mariano San Miguel Urcelay (1879–1935) fue un compositor, clarinetista y director de Banda de Música nacido en Oñati, Gipuzkoa. Su primer profesor de solfeo, y luego de clarinete, fue su padre músico; formó parte en distintas bandas de música castrenses; de niño ya formaba en las agrupaciones de música del profesor Piedrahita y del Batallón de las Navas en Vitoria-Gasteiz. En 1900 pasó a formar parte, por oposición, de la Banda del Real Cuerpo de Alabarderos de Madrid, siendo clarinete principal. También en la villa madrileña en un tiempo fue solista en el Teatro Real y segundo solista de la Real Capilla; también fue primer clarinete en la Sociedad de Conciertos de Madrid. Fundador en 1916 de la revista Harmonía, dedicada a la publicación de obras para banda y profesorado, retornó a Vitoria-Gasteiz su patria adoptiva. Profesor de música y de clarinete, armonizó obras especialmente para banda. Escribió el pasacalle dedicado al personaje mitológico Celedón, que hoy podemos visionar, y que fue estrenado en Vitoria-Gasteiz en 1918 por la Banda Municipal de Música de Vitoria dirigida por José Gregorio Escoriaza. Una calle en Vitoria-Gasteiz lleva su nombre desde el 8 de junio de 1960; años más tarde en la calle Olaguibel, donde vivió y falleció, el Ayuntamiento de la ciudad colocó una placa en su recuerdo en la fecha de 1 diciembre de 1968, en el cincuentenario del estreno de su popular pasacalle Celedón.

Celedón es el personaje cuya llegada, bajando del cielo con un paraguas, abre las fiestas patronales de Vitoria-Gasteiz. Sus fiestas se celebran en honor de la Virgen Blanca (Andre Mari Zuria), cuya festividad se conmemora el 5 de agosto. Los festejos comienzan un día antes con la Bajada de Celedón, que se realiza en la Plaza de la Virgen Blanca ante una gran multitud que recibe al personaje encendiendo puros y abriendo botellas de champán. Desde lo alto de la torre de la Iglesia de San Miguel, a las seis de la tarde, después de tirar el chupinazo, baja Celedón y llega a un balcón del que sale, ya convertido en humano, para pasar en esta ocasión caminando entre la multitud. De ahí se dirige hasta la balconada de la Iglesia desde donde da un discurso alentando a todo el mundo a la diversión e inaugurando de esta forma las fiestas de la Virgen Blanca. Posteriormente en la noche del 9 al 10 de agosto abandona la ciudad volando hacia el cielo vitoriano despidiéndose hasta el siguiente año.

Oscar Peterson (1925-2007) fue un pianista canadiense de jazz. Su estilo, formado durante los años cuarenta como en el caso de otros pianistas como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos sean como solista.

Aunque subestimado, Peterson es también compositor. Por ejemplo, escribió y grabó la afamada Canadiana Suite en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King Cole.

Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores mas eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.

Death of the Rose. Por primera vez, después de décadas de prohibición, la compañía de ballet líder de la Unión Soviética invitó a un coreógrafo extranjero: Roland Petit (1924-2011) de Francia. Admirador de nuestra protagonista de hoy, Maya Plisetskaya (nacida en 1925), primera bailarina del Teatro Bolshoi, Petit llevó al escenario de Moscú para ella un fragmento de su ballet La Rose Malade con música de Mahler. Petit convirtió el dúo de los dos héroes, Rose y Youth, en una obra independiente, Death of the Rose. El papel de la juventud fue interpretado por el solista del Bolshoi Alexander Godunov (1949-1995)., quien en 1971 se convirtió en solista del Teatro Bolshoi.

La Danza persa o danza iraní se refiere a los estilos de danza autóctona de Irán. Los géneros de danza en Irán varían según el área, la cultura y el idioma de la población local, que incluye muchas etnias, como kurdos, azeríes, turcomanos, judíos, armenios, georgianos, además de numerosos grupos tribales iraníes que se pueden encontrar dentro de las fronteras del Irán actual. La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras: primero los griegos, luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjeron inestabilidades políticas y guerras civiles. A lo largo de estos cambios, hubo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimonial. Después de la caída del Imperio Persa, cuando el país fue destruido, las mujeres y jovencitas iraníes fueron esclavizadas por los nuevos conquistadores, a menudo obligadas a la esclavitud sexual y obligadas a bailar eróticamente para los nuevos gobernantes. La prohibición religiosa del baile en Irán se produjo con la expansión del Islam, pero fue estimulada por los acontecimientos históricos. Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente por Europa y USA, y la nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes creció en la diáspora. Irán posee cuatro categorías de baile y estos géneros son; danzas de cadena o de línea, danza de improvisación individual, bailes de guerra o de combate y bailes rituales o espirituales. Los bailes en línea o de cadena a menudo se nombran por la región o los grupos étnicos con los que están asociados. Las danzas de improvisación utilizan movimientos delicados y elegantes de las manos y los brazos, como los círculos de la muñeca. Las danzas de guerra o combate imitan el combate o ayudan a entrenar al guerrero. Los bailes rituales o espirituales, a menudo consisten en un ritual de curación que involucra trance, música y movimiento que se realiza para librar a una persona poseída por un espíritu y parece ser un estado similar al de un exorcismo.

Ghajar es un homenaje a la historia de la danza persa (hoy Irán) y a las danzas folklóricas que formaban parte de la vida nómada de los persas.