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Philippe Gaubert (1941) fue un director de orquesta, flautista y compositor francés. El padre de Philippe era un zapatero y clarinetista aficionado que tocaba en bandas locales. En 1888 decide poner rumbo a París junto con su esposa y sus hijos para que estos pudieran convertirse en músicos profesionales. Tres años después, cuando Philippe tenía doce años, su padre murió, por lo que Philippe tenía que ganarse la vida y la de su familia tocando el violín en un cine local. Además del violín también tocaba la flauta y el padre de Paul Taffanel, el flautista más famoso de la época lo escucha y se da cuenta de inmediato de los dones para la flauta de aquel niño. A Paul Taffanel le encantó y lo introduce en su clase del Conservatorio de París, obteniendo el primer premio a los quince años. Aun así continúa tocando el violín con Jules Garcin y toca como sustituto en el Théâtre National de l’Opéra y Taffanel lo nombra prèmiere flûte solo. Además continúa con los estudios de armonía y composición obteniendo el Premier prix de fugue et contrepoint (1903) y el Grand Prix de Rome (1905). En 1904, bajo los consejos de Taffanel pasa el concurso para el segundo puesto de director de la Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio. Fue movilizado en 1914 por la guerra regresando en 1919 y sucediendo a André Messager a la cabeza de la Société des Conservatoires, puesto que ocupa hasta 1939. En 1931 se hace responsable del cargo de profesor de orquesta del conservatorio que tras la muerte de Vicent d’Indy se queda vacante. También fue un gran compositor. Escribió numerosas piezas para la flauta travesera, pero también bastante música para piano y orquesta. Especializado también en ballets y sinfonías. Murió repentinamente en París en 1941.

Las Tres Acuarelas, cuyo segundo movimiento hoy presentamos, las terminó de escribir Philippe Gaubert en 1921. El segundo movimiento, Soleil, d'automne (sol de otoño) es tenue y suave con un toque de melancolía, una especie de nostalgia elegante por el verano que se fue.

Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor y pianista noruego, considerado como uno de los principales representantes del romanticismo musical. Creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubrió el talento del muchacho de quince años y convenció a sus padres de enviarlo al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrollase. Adaptó muchos temas y canciones del folclore de su país, contribuyendo así a crear una identidad nacional noruega, al igual que hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Antonín Dvořák en Bohemia. Sus obras más importantes son: el Concierto para piano en la menor, las intimistas Piezas líricas (para piano), la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas) y, especialmente, Peer Gynt, música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama del mismo nombre.

Peer Gynt, op 23, es una composición musical para escenografía, o música incidental, para recitadores, solistas vocales, coro y orquesta de Grieg; aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió, la Suite n.º 1 op. 46 y n.º 2 op. 55, para la obra de teatro Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Hoy asistimos a la famosa Canción de Solveig en interpretación de la soprano noruega Marita Solberg (1976), cantante que ha trabajado con Marc Minkowski, Zubin Mehta, Michel Plasson y otros grandes directores de orquesta. Del 2006 al 2008 fue la cantante principal de la Staatsoper, Stuttgart. También actuó en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Komische Oper de Berlín y en la Norwegian National Opera.

Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Las Cuatro Estaciones es un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín y orquesta de cuerdas; es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva. El Otoño, que hoy proponemos, es el tercero de los cuatro conciertos y está estructurado del siguiente modo: I Allegro (en fa mayor). II Adagio molto (en re menor). III Allegro (en fa mayor). La interpretación corre a cargo de la virtuosa alemana del violín y del piano Julia Fischer (1983), quien ha actuado en las principales salas del mundo con los mejores directores como solista de violín; aunque esporádicamente también lo ha hecho como pianista.

Max  Reger (1873-1916), fue un compositor, organista, pianista y profesor alemán nacido en Brand, Baviera. Estudió música en Múnich y Wiesbaden con Hugo Riemann. En 1901 se instaló en Múnich, donde se dedicó a la enseñanza del órgano y composición, y desde el 1907, trabajó en Leipzig, donde fue director musical de la universidad hasta 1908 y profesor de composición en el Conservatorio Felix Mendelssohn hasta su muerte. Durante una vida creativa de poco más de 20 años, Reger produjo una gran cantidad de obras en todos los géneros (con la excepción de la ópera), casi siempre usando formas abstractas, aunque muy pocas de ellas son conocidas hoy en día. También dejó una gran cantidad de obras para órgano, incluyendo la Fantasía y fuga sobre BACH (esta pieza, basada en el Motivo BACH se considera una de las más difíciles del repertorio del instrumento). Se sintió particularmente atraído para la forma fugada durante toda su vida, incluso declarando: "Otros componen Fugas - Yo vivo en ellas". Fue un firme abanderado de la música absoluta, y se veía a sí mismo como parte de la tradición musical de Ludwig van Beethoven y Johannes Brahms. Su obra combina a menudo las estructuras clásicas de estos compositores con las armonías extendidas de Franz Liszt y Richard Wagner y el complejo contrapunto de Johann Sebastian Bach. Su música para órgano, también influida por Liszt, es hija de esta tradición. De sus obras orquestales, las ricamente elaboradas Variaciones Hiller y las Variaciones Mozart, que hoy ofrecemos, son las más rememoradas; de la música de cámara los ligeramente texturados tríos se han hecho un hueco en el repertorio, junto con algunas obras para instrumentos de cuerda. Sus últimas obras para piano, o dos pianos, le sitúan como sucesor de Brahms en la tradición musical germánica. No se puede decir que sus obras fueran revolucionarias, ya que pueden ser consideradas como una consecuencia del desarrollo de las formas clásicas, como la fuga y el bajo continuo. La influencia de este último puede escucharse en las obras de cámara que son profundamente reflexivas y originales. Murió de infarto de miocardio en Leipzig, nada más regresar de una breve gira de conciertos por los Países Bajos, en plena I Guerra Mundial.

Las variaciones y fuga sobre un tema de Mozart, Op. 132, es un conjunto de variaciones para orquesta compuesto en 1914 por Max Reger; el compositor dirigió el estreno en Berlín el 5 de febrero de 1915. Más tarde produjo una versión para dos pianos, Op. 132a. La composición está estructurada en los siguientes movimientos: I Tema: Andante grazioso. II Variación 1ª: L'istesso tempo, quasi un poco più lento. III Variación 2ª: Poco agitato. IV Variación 3ª: Con moto. V Variación 4ª: Vivace. VI Variación 5ª: Quasi presto. VII Variación 6ª: Sostenuto (quasi adagietto). VIII Variación 7ª: Andante grazioso. IX Variación 8ª: Molto sostenuto. X Fuga: Allegretto grazioso. La presente obra sigue siendo el trabajo orquestal más popular y más grabado del compositor, aunque en las últimas décadas ha desaparecido de gran parte de la sala de conciertos. Se tiene antecedentes obvios en Variaciones sobre un tema de Haydn de Johannes Brahms tanto en términos del tema de la inspiración (both draw from a simple melodic phrase) y la posterior estilo de variación.

La versión que hoy ofrecemos está dirigida por Péter Eötvös (1944), compositor y director de orquesta húngaro, que siempre se ha sentido muy ligado a la tradición musical de su país y se considera continuador de la obra de Béla Bartók, Zoltán Kodály, György Kurtág o Ligeti. Estudió composición en la Academia Ferenc Liszt de Budapest y dirección en la Hochschule für Musik de Colonia. Entre 1968 y 1976 dirigió regularmente al Ensamble Stockhausen; desde 1979 hasta 1991 fue director musical del Ensemble InterContemporain de París, nombrado por el fundador del conjunto, Pierre Boulez; de 1985 a 1988 fue el principal director invitado de la Orquesta Sinfónica de la BBC; entre 1992 y 1995 fue director invitado en la Orquesta del Festival de Budapest,; entre 1998 y 2001 lo fue de la Filarmónica Nacional, también de Budapest; de 1994 a 2005 ocupó el cargo de director titular de la Orquesta de Cámara de la Radio de Hilversum; de 2003 a 2005 fue el principal director invitado de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y desde 2009 lo es de la Orquesta Sinfónica de Viena; entre 2003 y 2007 fue director invitado principal para el repertorio moderno y contemporáneo de la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo. Otras importantes orquestas a las que ha dirigido la Orquesta Real del Concertgebouw, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Filarmónica de Berlín o la Orquesta Filarmónica de Viena.

Autumn Leaves es una versión de la canción Les feuilles mortes (Las hojas muertas) de Jacques Prévert y Joseph Kosma, una canción francesa de 1945 popularizada más tarde por Yves Montand. La música del estribillo se convirtió en un estándar del jazz, con el título de «Autumn leaves» (Hojas de otoño). Gran parte del atractivo armónico para los músicos de jazz estriba en que las estrofas presentan una típica progresión siguiendo un ciclo de cuartas y el estribillo utiliza una escala húngara menor de manera fluida. La versión de hoy es obra de Chet Baker (trompeta), Paul Desmond (saxo alto), Hubert Laws (flauta), Bob James (teclado), Ron Carter (contrabajo) y Steve Gadd (batería).

Joan Báez (1941) es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda, próxima a la de una soprano, y con un vibrato controlado para potenciar la dramatización de las letras de las canciones, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, y además de ser compositora, es generalmente considerada como una intérprete del trabajo de otr@s artistas famos@s. Báez comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez Vol. 2 y Joan Baez in Concert, han sido certificados como discos de oro y estuvieron en las listas de éxitos durante dos años. En la década de 1970, Báez logró nuevos éxitos con numerosas canciones. Interpretó tres de estas canciones en el Festival de Woodstock en 1969, promocionó las canciones de Bob Dylan a nivel nacional y mostró su compromiso con el activismo político y social en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.

Ástor Piazzolla (1921 –1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York donde su padre le compró un bandoneón.  A los trece años conoce a Carlos Gardel  quien le muestra los secretos del tango. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones; pero sus innovaciones no gustaban a los viejos tangueros que le criticaban considerándole como al asesino del tango, críticas que afectaban a sus sentimientos. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París lo donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires dispuesto a romper las viejas reglas que regían en Argentina con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que  sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990  sufre en París una trombosis que no lograría superar.

Las Cuatro Estaciones Porteñas, también conocidas como Estaciones Porteñas, son un conjunto de cuatro composiciones de tango escritas por el músico argentino Astor Piazzolla. Originalmente las concibió y trató como composiciones diferentes en lugar de una suite, y con el tiempo se fueron editando en álbumes diferentes. Sin embargo, Piazzolla llegó a interpretarlas en conjunto ocasionalmente. Las piezas se escribieron para quinteto provisto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón. El adjetivo porteño, gentilicio de Buenos Aires, es usado por Piazzolla para dar su impresión de las estaciones del año en Buenos Aires. Hoy la Compañía de danza de Antonio Najarro nos ofrece su versión del Otoño de Piazzolla.

La Minga de Chiloé. La palabra minga,  proviene del Quechua mink’a de la época de los pueblos precolombinos y define la tarea que debían realizar los habitantes de un pueblo para el beneficio de la comunidad. Un miembro de una comunidad puede convocar una minga para pedir ayuda al resto de sus vecinos y, aunque generalmente suelen estar relacionadas con el ámbito rural y agrícola, como sembrar, recolectar o limpiar un terreno, el servicio puede ser de cualquier tipo. En la Isla grande Chiloé “La minga de tiradura de Casa” se encuentra entre las más particulares y llamativas tradiciones, en la cual toda la comunidad se reúne en torno a esta verdadera fiesta. El objetivo de esta actividad es mover de un lugar a otro, incluso a través del mar y los canales, una casa completa. Por tierra el traslado se realiza sobre troncos y tirando el peso con varias yuntas de bueyes. Si es necesario entrar al agua, la casa se asegura para flotar y ser tirada por lanchas. ¿Por qué mueven sus casas? Por la sencilla razón de que los propietarios quieren cambiar de lugar de residencia y consideran que es mejor llevarse la casa entera en vez de buscar o construirse otra. Una vez finalizado el trabajo, a modo de agradecimiento, el vecino que solicitó la minga prepara una rica comida, que generalmente viene acompañada de música folclórica.

El presente vídeo de música y danza nos lo ofrece el Conjunto folklórico Tierra Chilena nacido en 1963 de la mano del maestro Sergio Rodríguez.