Musika klasikoan hasiberrientzako iradokizunak
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
Las Suites para orquesta, BWV 1066-1069 (llamadas ouvertures por su autor), son cuatro piezas que escribió Johann Sebastian Bach entre 1725 y 1739 en Leipzig. En un sentido amplio, el término suite se empleaba en la Alemania del Barroco para hacer referencia a una serie de piezas de danza precedidas por una ouverture. La Suite para orquesta n.º 3 en re mayor, BWV 1068 está estructurada en cinco movimientos: 1 Ouverture .- 2 Air .- 3 Gavotte .- 4 Bourrée .- 5 Gigue; de ellos, hoy ofrecemos el segundo, Air (aria), que es una de las piezas más famosas de la música barroca en versión de la Vienna Philharmonic Women´s Orchestra, orquesta formada únicamente por mujeres y dirigida por la maestra Shareyko Izabella.
Maurice Ravel (1875-1937), nacido en Ziburu (Ciboure, País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. Sus primeras obras nos muestran ya una recia personalidad y un espíritu independiente. En 1928 realizó una gira por Canadá y USA donde convivió con el jazz que tanto le gustaba y contactó con Gershwin. A su vuelta a París compuso la obra que más fama le daría, el Bolero obra que hoy ofrecemos.
El Bolero (en francés, Boléro) fue creado en 1928 y estrenado en la Ópera Garnier de París el 22 de noviembre de ese mismo año. El inmediato éxito y la rápida difusión universal de Le Boléro lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX. Consta de un solo movimiento inspirado en una danza española y se caracteriza por un ritmo y tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato—repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa. Hoy nos lo ofrece la Orquesta Nacional de Francia conducida por la maestra finlandesa Dalia Stasevska (1984)
Un espiritual es un tipo de canto cristiano, que surgió a finales del siglo XVIII y se desarrolló a comienzos del XIX, en los Estados Unidos. Estos espirituales eran adaptaciones populares de los himnos religiosos protestantes, hechas por trabajadores afroamericanos que generalmente estaban esclavizados o discriminados; de este modo, los esclavos de los estados del sur fueron creando un cancionero propio muy relacionado con los cantos de trabajo de origen africano, usualmente en forma de pregunta y respuesta. . Otros rasgos característicos son la composición a partir de frases breves, repetidas y entrecortadas de invocaciones con la adición de estribillos y de leit-motiv.
Jessye Norman (1945- 2019) fue una cantante de ópera estadounidense con registro de soprano, poseedora de una potente voz e imponente presencia en el escenario, tanto de ópera como de conciertos y recitales; fue considerada como una de las sopranos dramáticas más populares y respetadas de su generación.
Kathleen Battle (1948) es una soprano lírica de coloratura estadounidense. Inicialmente fue conocida por su repertorio de conciertos con las orquestas más importantes del mundo. Su carrera operística se desarrolló a lo largo de los años 1980, con los directores más renombrados como Karajan, Muti, Mehta, Ozawa, Abbado, Solti, Giulini, Levine ...
Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.
Tine Thing Helseth (1987) es una trompetista noruega especializada en repertorio clásico. Nacida en Oslo, comenzó a tocar la trompeta a los siete años de edad; entre sus maestros estuvieron Heidi Johanessen y desde 2002, Arnulf Naur Nilsen. Hoy nos ofrece una selección de la banda sonora de Leonard Bernstein, West Side Story, liderando el grupo de metales femenino tenThing Brass Ensemble creado por ella misma con otras nueve amigas y compañeras como un modo de disfrutar activamente de su familia instrumental (viento-metal) y de paso reivindicar y demostrar su capacidad para dichos instrumentos habitual y mayoritariamente tocados por hombres. Tres trompetas, un fliscorno, una trompa, cuatro trombones y una tuba son las integrantes del ensemble.
Musika klasikoari buruzko iradokizunak
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca, reemplazando a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa. La obra lírica de Rameau constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Barroco francés con su obra más conocida, la ópera-ballet Les Indes galantes. A pesar de todo, sus obras líricas fueron olvidadas hasta mediados del siglo XX al beneficiarse del movimiento de redescubrimiento de la música antigua; sus obras para clavecín, sin embargo, siempre estuvieron presentes. Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX; falleció en 1764 a los 81 años.
Naïs es una ópera en tres actos con música de Jean-Philippe Rameau y libreto en francés de Louis de Cahusac, en la cuarta colaboración entre ambos. El argumento nos refiere al dios Neptuno enamorado de la ninfa marina Naïs, pero que se encuentra con dos rivales por el afecto de Naïs, que son el jefe corintio Télénus y el líder de los pastores ístmicos, Asterion. Hoy ofrecemos una selección de la ópera en versión de la Sinfónica de Radio Frankfurt conducida por la maestra Emmanuelle Haïm (1962) clavecinista y directora de orquesta especializada en música barroca, y que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras destacables instituciones.
Fanny Mendelssohn (1805-1847) fue una compositora y pianista del Romanticismo temprano. Sus composiciones incluyen un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 lieder, la mayoría de las cuales se publicaron de forma póstuma. Aunque fue elogiada por su destreza para tocar el piano, rara vez ofreció conciertos en público. Fanny creció en Berlín donde, junto a su hermano menor, Felix Mendelssohn, recibió una educación musical completa de profesores como Ludwig Berger y Carl Friedrich Zelter. Debido a la condición social de la mujer en su época, varias de sus obras fueron publicadas bajo el nombre de su hermano en sus colecciones opus 8 y 9.
Obertura en do mayor. Probablemente la compuso Fanny alrededor de 1830, para ser interpretada (como gran parte de su música) en los conciertos semanales en el hogar de la familia en Berlín. La partitura estuvo acumulando polvo en el Archivo Mendelssohn de esa ciudad, aparentemente desde la muerte del compositor (si no más), hasta que Judith Rosen, miembro de la junta de la Filarmónica de Mujeres de San Francisco, negoció su publicación. Reconstruida a partir de una partitura desordenada y muy revisada escrita por la propia compositora, hoy la ofrecemos en versión de la maestra Mei-Ann Chen (1973) directora de orquesta taiwanesa y actualmente titular de la Chicago Sinfonietta (apuntes extractados del artículo de Don Anderson © 2019 para Arkansas Symphony Orchestra)
Alexander Borodin (1833-1887) fue un doctor, químico y compositor ruso perteneciente al grupo de Los Cinco y defensor acérrimo de los derechos de la mujer, impulsor de la educación en Rusia y fundador de una escuela de Medicina para mujeres. Hijo ilegítimo del príncipe ruso Luká Stepánovitch Gedevanishvili tuvo una juventud cómoda y con buena educación; estudió por cuenta propia piano, chelo y flauta y a los 15 años se inscribe en la Facultad de Medicina especializándose en Química, profesión que ejercería de por vida. A los 30 años empieza a estudiar composición con Balakirev y como amateur escribe música de cámara y alguna obra religiosa, tres sinfonías, el poema En las Estepas del Asia Central y la ópera El príncipe Ígor.
El príncipe Ígor (título original en ruso, Князь Игорь, Kniaz Ígor) es una ópera en cuatro actos y un prólogo con música de Aleksandr Borodín y libreto en ruso del propio compositor. Debido a la muerte de Borodín en 1887, la ópera quedó inacabada y la partitura fue corregida y terminada por los compositores Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Glazunov. El libreto, está basado en un poema épico ruso del siglo XII y se corresponde, vagamente, con la historia narrada en el Cantar de las huestes de Ígor, que relata la campaña del príncipe ruso Ígor Sviatoslávich contra las tribus invasoras de los pólovtsy, en 1185. A esta ópera pertenecen las Danzas Polovtsianas (o Danzas de los pólovtsy) que hoy las ofrecemos bajo la dirección de la maestra polaca Sylwia Anna Janiak.
Julia Wolfe (Philadelphia, 1958) es una compositora estadounidense cuya música frecuentemente se categoriza dentro del post-minimalismo, y cuyas obras muchas veces reflejan temas históricos y sociales de USA. Recibió en el 2015 el premio Pulitzer por su cantata para coro y ensemble Anthracite Fields. Comenzó a estudiar música seriamente en la Universidad de Míchigan. En 1984 asiste a Yale como alumna del compositor Martin Bresnick; en 1986 recibe su Máster en música de dicha universidad, y en 2012, recibe un doctorado en composición por parte de la Universidad de Princeton. Fue profesora de composición adjunta en la Manhattan School of Music, y actualmente, desde el año 2009, es profesora de composición en la Steinhardt School de la Universidad de Nueva York.
Fountain of Youth fue un encargo de New World Symphony, America's Orchestra Academy y Carnegie Hall, con el apoyo adicional de un consorcio de orquestas: Dallas Symphony Orchestra, Cincinnati Symphony Orchestra, Pittsburgh Symphony Orchestra, Detroit Symphony Orchestra y San Francisco Symphony. El estreno mundial fue realizado por la New World Symphony en el New World Center en Miami Beach, Florida, el 26 de abril de 2019 bajo la batuta de Michael Tilson Thomas. Hoy nos lo ofrece la maestra finlandesa Dalia Stasevska con la Detroit Symphony Orchestra
Denontzako musikari buruzko iradokizunak
Aunque durante todo el año procuramos dar a la mujer un trato igualitario, que muchas veces no nos es fácil (sobre todo cuando se trata de directoras de orquesta ya que sólo el 10 % de directoras/es del mundo son mujeres) en la celebración del Día Internacional de la Mujer hemos procurado darle un trato preferente y casi exclusivo como denuncia del apartheid que ha sufrido a lo largo de los siglos en el mundo de la música, desgraciadamente como en cualquier otra actividad humana.
Bideo bereziei buruzko iradokizunak
La Valse es un poema coreográfico para orquesta de Maurice Ravel, dedicado a su amiga Misia Sert y compuesto entre 1919 y 1920. Ravel intentaba desde 1906 componer para ballet una apoteosis del vals en homenaje a Johann Strauss, cosa que la Primera Guerra Mundial le impidió realizar. La experiencia de la guerra vivida cambió su perspectiva de la obra que tenía en mente. A la imagen romántica y fastuosa de la corte vienesa del siglo XIX, la sucedió la imagen de un mundo decadente amenazado por la barbarie. Por este motivo, Ravel compuso, según su propia definición, «un torbellino fantástico y fatal», evocación de la decadencia y de la destrucción de la civilización occidental. Hoy nos la pone en escena el cuerpo de baile de la compañía venezolana Ballet Teresa Carreño.
Se conoce como Adelitas o soldaderas a las mujeres que participaron en la Revolución mexicana, en los contingentes militares de grupos revolucionarios como soldados, cocineras, enfermeras o ayudantes. En 1914, Adela Velarde Pérez atendió al soldado herido Antonio del Río Armenta, quien le compuso la famosa canción-marcha. Cada 20 de noviembre, conmemoración de la Revolución Mexicana, muchas niñas se disfrazan de adelitas como parte de las actividades de ese día. El Ballet Amalia Hernández, también denominado Ballet Folklórico de México, nos ofrece hoy la coreografía de esta canción.
Las Danzas Chinas tienen un amplio abanico de expresiones artísticas por sus coloridos, por sus estudiados movimientos, por sus orígenes tan diversos y por las circunstancias en la que se desenvuelven; representan desde danzas populares hasta actuaciones de ópera y ballet. De los 56 grupos étnicos reconocidos oficialmente en China, cada grupo tiene sus propios bailes folclóricos y momentos de representarlos. En la actualidad existe un resurgimiento y un movimiento de recuperación de las danzas tradicionales adaptadas a nuestros tiempos, como en el vídeo que hoy presentamos.
Erre Zenituzten “De las brujas que quemasteis, somos las descendientes. De las brujas que quemasteis, tenemos las escobas. De las brujas que quemasteis, no se ha perdido el alma. De las brujas que quemasteis, somos la sonrisa. Sobre las zarzas, gritos e irrintzis, bajo las nubes, queremos vivir libres. De las brujas que quemasteis, no se ha perdido el alma. De las brujas que quemasteis, tenemos las escobas. De las brujas que quemasteis, somos las descendientes”. Ésta es la canción de Xabi Solano que hoy presentamos coreografiada por el grupo de danzas de Larrabetzu (Bizkaia) Bizkargi Dantza Elkartea en defensa de los derechos de la mujer.
Umeentzako musikari buruzko iradokizunak
Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.
